모차르트 – 클라리넷 협주곡 A장조 K.622

작곡가

볼프강 아마데우스 모차르트
(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756~1791)

작품명

클라리넷 협주곡 A장조 K.622

조성

A장조

작곡 연도

1791년

악장 구성

3악장
I. Allegro (A major)
II. Adagio (D major)
III. Rondo: Allegro (A major)

1악장 빠르게 (A장조)
2악장 느리게 (D장조)
3악장 론도: 빠르게 (A장조)

편성

클라리넷 독주, 현악기, 플루트·오보에·바순, 호른

초연

1791년 10월 16일 추정, 프라하 (안톤 슈타들러 독주)

악보가 사라졌습니다. 정확히 말하면, 모차르트가 직접 쓴 자필 악보가 통째로 증발했습니다.

범인으로 지목된 사람은 이 곡을 의뢰한 당사자, 모차르트의 절친한 친구 안톤 슈타들러(Anton Stadler)였습니다. 모차르트 미망인 콘스탄체는 훗날 슈타들러가 빚을 갚으려고 악보를 전당포에 맡겼을 거라고 말했습니다. 슈타들러 본인은 여행 중 도난당했다고 주장했습니다. 진실은 200년이 지난 지금도 아무도 모릅니다.

덕분에 우리가 오늘 듣는 K.622는 오래도록 ‘복원본’이었습니다. 원본과 얼마나 다른지도 확신할 수 없는, 사실상의 리메이크 버전이었습니다. 그리고도 역사상 가장 아름다운 협주곡 중 하나로 손꼽히고 있습니다. 이게 이상한 이야기입니다. 진짜 그렇습니다.

사라진 악보와 두 친구의 기묘한 우정

1791년 10월, 모차르트는 프라하에서 아내에게 편지를 썼습니다. “슈타들러의 론도를 완성했다.” 그게 전부였습니다. 거창한 선언도, 의미심장한 말도 없었습니다. 하지만 그 ‘론도’는 K.622의 3악장이었고, 이 짧은 문장 하나로 곡이 완성됐다는 사실이 확인됩니다.

모차르트는 그해 11월 20일 병석에 눕고, 12월 5일 세상을 떠납니다. 향년 35세. K.622는 그의 마지막 완성 기악 협주곡이었고, 음악 평론가 앙리 게옹(Henri Ghéon)은 이 곡을 모차르트의 ‘백조의 노래(swan song)’라고 불렀습니다.

안톤 슈타들러는 단순한 의뢰인이 아니었습니다. 같은 프리메이슨 형제였고, 모차르트가 클라리넷과 관련된 곡을 쓸 때마다 가장 먼저 떠올리는 이름이었습니다. 모차르트가 1789년 《코지 판 투테(Così fan tutte)》를 작곡할 때도 슈타들러를 위한 파트를 특별히 넣었을 정도였습니다.

관계의 이면은 복잡했습니다. 슈타들러는 습관적으로 빚을 졌고 모차르트에게도 돈을 빌렸습니다. 모차르트 본인도 재정 상태가 좋지 않았는데, 그 상황에서도 슈타들러에게 돈을 빌려줬습니다. 콘스탄체는 남편 사후 슈타들러를 향한 분노를 공공연히 드러냈고, 악보 분실에 관해서도 슈타들러의 책임을 분명히 했습니다.

그러나 한 가지는 분명합니다. 모차르트는 슈타들러를 위해 진심으로 이 곡을 썼습니다. 슈타들러가 함께 개발하고 있던 특수 악기, ‘바세트 클라리넷’의 가능성을 최대한 끌어내기 위해 설계된 협주곡이었으니까요. 그 설계가 얼마나 세밀했는지는 이 악기의 역사에서 드러납니다.

바세트 클라리넷 ― 한 악기를 위해 다시 쓰다

바세트 클라리넷(basset clarinet)은 일반 클라리넷보다 저음역이 4음 더 내려가는 악기입니다. 지금 우리가 아는 표준 클라리넷은 악보상 낮은 E까지 내려가지만, 바세트 클라리넷은 C까지 내려갑니다. 4도 차이처럼 들릴 수 있지만, 실제로 그 영역은 클라리넷의 ‘가장 어두운 목소리’가 사는 구역입니다. 저음 레지스터에서 클라리넷이 낼 수 있는 가장 깊고 묵직한 소리가 거기 있습니다.

모차르트는 이 악기를 1787년부터 사용하기 시작했고, K.622는 그 가능성을 완전히 개화시킨 작품입니다. 그런데 문제가 생겼습니다. 모차르트가 죽고 슈타들러가 악보를 분실하면서, 1801년 세 출판사가 동시에 이 곡의 악보를 출판했습니다. 앙드레(André), 지베르(Sieber), 브라이트코프 앤 헤르텔(Breitkopf & Härtel) 모두 같은 선택을 했습니다. 바세트 클라리넷 전용 저음부를 일반 클라리넷으로 연주 가능한 음역으로 올려서 출판한 겁니다.

왜냐고요? 팔려면 사람들이 연주할 수 있어야 하기 때문입니다. 바세트 클라리넷을 가진 사람은 거의 없었습니다. 슈타들러가 죽은 뒤 악기 자체가 사라졌고, 그의 것과 비슷한 형태의 바세트 클라리넷 실물은 현재 남아있지 않습니다.

결과적으로 우리는 150년 넘게 ‘개편본’을 ‘원본’으로 들어왔습니다. 일부 악절에서 원래 모차르트가 쓴 음보다 훨씬 높은 음이 나오는데도 아무도 이상하다고 느끼지 않았습니다. 20세기 후반이 되어서야 음악학자들이 “여기 왜 이렇게 높은 음이 나오지?”라는 질문을 던지기 시작했습니다.

1968년, 스위스의 클라리넷 연주자 한스 루돌프 슈타들러(Hans Rudolf Stalder, 안톤과는 무관한 인물)가 재건된 바세트 클라리넷으로 최초 녹음을 남겼습니다. 이후 자비네 마이어(Sabine Meyer), 앤서니 페이(Antony Pay), 폴 메이어(Paul Meyer) 등이 바세트 클라리넷 버전으로 연주했고, 현재는 이 버전이 역사적으로 더 정확한 연주로 인정받습니다. 하지만 일반 클라리넷 버전도 여전히 연주되며, 어떤 버전이 더 좋다는 것보다는 두 가지를 함께 들어보는 게 이 곡을 가장 깊이 이해하는 방법입니다.

악장별 감상 가이드

> 💡 처음 듣는다면: 2악장을 먼저 들으세요. 클라리넷이 오케스트라 위로 떠올라 혼자 노래하는 그 순간을 느끼면, 나머지 악장이 왜 이렇게 설계됐는지 저절로 이해됩니다. 1악장은 대화, 2악장은 독백, 3악장은 해소입니다.

1악장, 클라리넷이 대화를 시작하는 방식

1악장은 A장조로 출발하는데, 첫 인상이 독특합니다. 오케스트라가 주제를 먼저 제시하고, 잠시 후 클라리넷이 등장합니다. 그런데 클라리넷이 오케스트라를 압도하려고 하지 않습니다. 오히려 대화하는 방식으로 들어옵니다. 친구가 조심스럽게 문을 두드리는 것처럼요.

이 악장에서 모차르트가 가장 영리하게 쓴 부분은 독주 악절입니다. 클라리넷 독주가 나오면 오케스트라는 일제히 조용해집니다. 협주곡에서 독주 악기를 부각시키는 전형적인 방법이지만, 모차르트가 하는 방식이 다릅니다. 클라리넷이 짧게 노래하고 나면, 현악기가 마치 “그래서?”라는 듯 후속 문장을 받아치고, 클라리넷이 다시 대답합니다. 두 주체가 번갈아 말하는 구조입니다.

저음 레지스터를 바세트 클라리넷 버전으로 들으면 이 대화가 훨씬 풍성해집니다. 클라리넷이 오케스트라 현악기의 음역대까지 내려올 수 있으니까요. 그러면 대화가 아니라 완전한 합주처럼 들리는 순간이 생깁니다. 독주 악기와 반주가 같은 높이에서 말을 주고받는 겁니다.

1악장 말미의 카덴차(독주자가 혼자 연주하는 부분)도 주목할 만합니다. 모차르트는 카덴차 악보를 남기지 않았습니다. 그래서 오늘날 연주자들은 각자 자신만의 카덴차를 씁니다. 같은 곡인데도 이 부분이 연주자마다 완전히 달라지는 까닭입니다. 공연장에서 각기 다른 카덴차를 만나는 것도 이 협주곡을 여러 번 들을 이유 중 하나입니다.

2악장, 세상에서 가장 외로운 D장조

2악장 아다지오(Adagio). 이 악장을 들으면 대부분 ‘아, 그 곡이구나’라고 알아봅니다. D장조입니다.

시작 방식이 예사롭지 않습니다. 현악기가 아주 조용하게 화음을 깔고, 클라리넷이 혼자 나타납니다. 그때부터 클라리넷은 말 그대로 혼자 노래합니다. 반주는 있지만, 반주는 뒤에 있습니다. 클라리넷이 앞에 있습니다.

이 악장의 선율은 단순합니다. 화려한 기교가 없습니다. 하지만 그 단순함이 오히려 강점입니다. 모차르트가 클라리넷으로 ‘아리아’를 쓴 겁니다. 오페라 가수가 마음 속 감정을 털어놓는 그 아리아요. 가사 없는 가곡입니다.

모차르트가 1791년에 이 악장을 쓸 때 어떤 상태였는지를 생각하면 이 소리가 다르게 들립니다. 그해 말 모차르트는 35세로 죽습니다. 당시에도 건강이 좋지 않았습니다. 채무 문제가 심각했습니다. 《레퀴엠》을 쓰면서 자신이 죽음을 향해 달려가고 있다는 예감을 억누르고 있었습니다. 그 상황에서 쓴 이 2악장이 이런 소리로 나왔습니다.

특히 2악장 중반부, 클라리넷이 낮은 음역으로 한없이 내려가는 순간이 있습니다. 바세트 클라리넷 버전에서 이 부분은 더 깊습니다. 마치 모차르트가 그 악기의 가장 어두운 곳까지 내려가서 무언가를 말하려는 것 같습니다.

오케스트라도 이 부분에서 중요한 결정을 합니다. 오보에와 트럼펫이 침묵합니다. 현악기와 호른만 남습니다. 소리가 얇아지면서 클라리넷이 더욱 또렷하게 들립니다. 혼자입니다. 그 ‘혼자’가 이 악장의 핵심입니다.

3악장, 슬픔 뒤의 가벼운 발걸음

3악장 론도(Rondo)는 기묘합니다. A장조입니다. 경쾌합니다. 마치 2악장의 깊은 정서를 없던 것으로 치부하는 것처럼요.

하지만 자세히 들으면 그렇지 않습니다. 주제 선율은 밝지만, 사이사이에 단조 삽입구가 들어옵니다. 잠깐 그늘이 스치는 것처럼요. 모차르트가 “다 괜찮다”는 척은 하지만 완전히 그렇지는 않다는 것을 알고 있는 느낌입니다. 이 양면성이 3악장을 단순한 피날레 이상으로 만듭니다.

론도 형식은 주제가 반복 등장하는 구조입니다. 주제 → 에피소드 → 주제 → 에피소드 → 주제의 패턴이죠. 청자 입장에서 익숙한 주제가 돌아올 때마다 반가운 감정이 생깁니다. 그 심리를 모차르트가 정확히 사용합니다. 에피소드 구간에서 잠깐 어두워졌다가 주제가 돌아오면서 환해지는 패턴의 반복이 일종의 감정 호흡을 만들어냅니다.

3악장의 독주 파트도 만만하지 않습니다. 클라리넷이 높은 음역과 낮은 음역을 빠르게 오가야 하는 악절이 많습니다. 기술적으로 어렵습니다. 하지만 어렵다는 인상이 들지 않게 들리도록 설계되어 있습니다. 모차르트의 전형적인 방식입니다. 어려운 것을 쉬워 보이게 만드는 것. 청자는 연주자가 힘들다는 걸 느끼지 못하고, 그저 음악이 흘러가는 것을 즐기게 됩니다.

처음 듣는다면 ― 이것만 알고 들으세요

– 2악장을 앵커 포인트로 잡으세요. 이 악장을 먼저 들으면 나머지가 다 이해됩니다. 클라리넷이 혼자 노래하는 그 순간, 그게 이 곡의 중심입니다.

– 클라리넷이 낮아지는 순간들을 주목하세요. 특히 바세트 클라리넷 버전에서 더 낮고 어두운 소리가 납니다. 일반 클라리넷으로는 나오지 않는 그 음이 모차르트가 원래 의도한 소리입니다.

– 1악장에서 클라리넷과 오케스트라의 대화를 따라가 보세요. 한 쪽이 말하면 다른 쪽이 받아치는 패턴이 보입니다.

– 3악장은 힘 빼고 들으세요. 즐겁게 끝내는 곡입니다. 앞의 깊이감이 다 소화된 뒤 가볍게 산책하는 느낌입니다. 가끔 스치는 단조 구간이 3악장을 단순한 피날레 이상으로 만들어주는 장치입니다.

K.622가 200년 넘게 사라지지 않는 이유

이 곡은 출판된 1801년부터 레퍼토리에서 사라진 적이 없습니다. 200년 넘게 클라리넷 협주곡의 기준이었습니다.

왜 그럴까요. 기술적으로 어렵지만 기교를 자랑하기 위한 곡이 아닙니다. 오케스트라와 독주 악기의 관계가 경쟁이 아니라 협력입니다. 그리고 무엇보다, 2악장이 있습니다.

이 협주곡은 1985년 영화 《아웃 오브 아프리카(Out of Africa)》에서 2악장이 사용되며 다시 한번 광범위하게 알려졌습니다. 카렌 블릭센(메릴 스트립)이 아프리카 들판 위로 날아가는 장면에서 이 선율이 흘렀습니다. 그 장면을 기억하는 사람들이 “그때 나온 곡이 이거구나”라고 찾아오는 경우가 지금도 있습니다.

클라리넷을 처음 배우는 사람들이 이 곡을 목표로 설정하는 경우도 많습니다. 기술적 완성도와 음악적 깊이가 함께 있기 때문입니다. 그러나 클라리넷 전공자 사이에서는 “이 곡 연주하기가 제일 어렵다”는 말도 흔합니다. 쉬워 보이는 음악이 사실은 가장 어렵다는 역설입니다. 클라리넷 협주곡 레퍼토리 중에서 기교가 더 화려한 곡들이 있습니다. 그런데도 이 곡이 가장 어렵다고 합니다. 음악적으로 거짓말을 할 수 없는 곡이기 때문입니다. 2악장에서 클라리넷이 혼자 노래할 때, 모든 게 드러납니다.

K.622는 또한 클라리넷 5중주 A장조 K.581과 자주 비교됩니다. 같은 조성이고, 같은 악기를 위해 썼으며, 같은 시기에 완성됐습니다. 이 두 작품을 연달아 들으면 모차르트가 클라리넷이라는 악기에서 무엇을 들었는지 감이 옵니다. 공기처럼 떠 있는 소리, 인간 목소리에 가장 가까운 악기.

클라리넷 협주곡 장르 전체를 봐도 K.622와 같은 위치에 있는 곡이 없습니다. 베버의 2개 클라리넷 협주곡, 브람스의 클라리넷 소나타들, 닐센의 클라리넷 협주곡 모두 훌륭합니다. 그러나 클라리넷 협주곡이라고 했을 때 대부분의 사람이 먼저 떠올리는 곡은 K.622입니다. 악기와 협주곡 형식의 만남이 이 곡만큼 자연스럽게 이뤄진 사례가 드물다는 방증입니다.

클라리넷이라는 악기가 가진 본질적인 특성과 이 협주곡의 방향이 정확히 맞아떨어진 결과입니다. 클라리넷은 인간 목소리에 가장 가까운 악기로 꼽힙니다. 공기를 직접 불어넣어 소리를 내는 방식이 발성과 유사하고, 음색의 변화폭도 넓습니다. 모차르트는 그 목소리에 어울리는 말을 썼습니다. 화려한 기교를 요구하는 말이 아니라, 진심으로 말하고 싶은 것을 말하는 방식으로요.

클라리넷 협주곡 장르 전체를 봐도 K.622와 같은 위치에 있는 곡이 없습니다. 베버의 2개 클라리넷 협주곡, 브람스의 클라리넷 소나타들, 닐센의 클라리넷 협주곡 모두 훌륭합니다. 그러나 클라리넷 협주곡이라고 했을 때 대부분의 사람이 먼저 떠올리는 곡은 K.622입니다. 악기와 협주곡 형식의 만남이 이 곡만큼 자연스럽게 이뤄진 사례가 드물다는 방증입니다.

클라리넷이라는 악기가 가진 본질적인 특성과 이 협주곡의 방향이 정확히 맞아떨어진 결과입니다. 클라리넷은 인간 목소리에 가장 가까운 악기로 꼽힙니다. 공기를 직접 불어넣어 소리를 내는 방식이 발성과 유사하고, 음색의 변화폭도 넓습니다. 모차르트는 그 목소리에 어울리는 말을 썼습니다. 화려한 기교를 요구하는 말이 아니라, 진심으로 말하고 싶은 것을 말하는 방식으로요.

그런 맥락에서 K.622는 단순히 ‘협주곡 중 하나’가 아닙니다. 클라리넷이 무엇을 할 수 있는지, 협주곡이 무엇일 수 있는지를 동시에 보여준 작품입니다.

추천 녹음

모차르트 K.622의 녹음은 크게 두 가지로 나뉩니다. 일반 클라리넷 버전과 바세트 클라리넷 복원 버전입니다. 어떤 것이 더 좋다는 것보다, 둘 다 들어보는 게 이 곡을 가장 넓게 이해하는 방법입니다.

자비네 마이어 / 드레스덴 슈타츠카펠레, 콜린 데이비스 (1990, EMI)

바세트 클라리넷 버전의 기준 녹음입니다. 마이어의 연주는 음색이 유독 어둡고 깊습니다. 2악장에서 저음역이 선명하게 들려 이 버전의 의미를 실감합니다. 바세트 클라리넷을 처음 접하고 싶다면 이 녹음이 가장 좋은 입문점입니다.

앤서니 페이 / 아카데미 오브 세인트 마틴 인 더 필즈 (1995, L’Oiseau-Lyre)

바세트 클라리넷 버전. 투명하고 정확한 템포가 특징입니다. 페이는 고악기 전문가인데, 이 연주에서 그 배경이 느껴집니다. 마이어 버전보다 더 고음질로 저음역의 차이를 확인하고 싶은 분께 권합니다.

잭 브라이머 / 런던 심포니 오케스트라, 피터 마그 (1959, Decca)

일반 클라리넷 버전의 명반입니다. 60년이 넘은 녹음인데도 여전히 자주 추천됩니다. 2악장의 긴 호흡이 유독 설득력 있습니다. 클래식 녹음사에서 빠질 수 없는 연주입니다.

악보와 함께 듣기

모차르트 K.622의 자필 악보는 존재하지 않습니다. 앞서 이야기한 슈타들러 사건 때문입니다. IMSLP에서는 1801년 출판 악보를 포함한 여러 판본의 악보를 무료로 볼 수 있습니다. 바세트 클라리넷 복원 버전 악보도 있습니다.

클라리넷 협주곡 A장조 K.622 악보 보기 (IMSLP))

자주 묻는 질문

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