베토벤 삼중 협주곡 — 피아노를 일부러 물러서게 한 곡, 주인공은 첼로였다

베토벤은 이 협주곡의 피아노 파트를 일부러 쉽게 썼습니다. 세 명의 독주자 가운데 건반 앞에 앉은 사람만, 두 현악기에 비해 손가락이 한참 한가합니다. 오래도록 따라다닌 설명은 이렇습니다 — 열다섯 살 황족 제자가 칠 수 있게 베토벤이 봐줬다는 것.

그런데 정작 1807년 출판된 악보에 박힌 헌정자는 그 황족이 아니라 전혀 다른 귀족이었고, 그 제자가 이 곡을 무대에서 한 번이라도 쳤다는 기록은 어디에도 없습니다. 우리가 아는 ‘봐준 협주곡’ 이야기는 대체 누가 만든 걸까요?

‘황족을 위해 봐준 곡’이라는 소문은 누가 퍼뜨렸나

이 이야기의 출처는 안톤 신틀러입니다. 베토벤의 말년 비서이자 첫 본격 전기를 쓴 인물이죠. 그가 남긴 설명에 따르면, 베토벤은 피아노 제자였던 오스트리아의 루돌프 대공을 위해 이 곡을 구상했고, 대공이 무대에서 빛나되 너무 고생하지는 않도록 건반 파트를 다듬었다고 합니다. 두 명의 노련한 현악 거장이 옆에서 받쳐주면, 솜씨가 덜 여문 황족도 화려하게 들릴 수 있다는 계산이었다는 거죠.

깔끔하고, 인간적이고, 외우기 좋은 이야기입니다. 그런데 이 증언을 받아 적기 전에 한 가지를 짚어야 합니다. 신틀러라는 증인이 도무지 믿을 만한 사람이 아니었다는 사실 말입니다.

베토벤은 말년에 거의 완전히 귀가 멀어, 사람들과 글로 대화했습니다. 상대가 종이에 질문을 적으면 베토벤이 입으로 답하는 식이었죠. 그렇게 쌓인 ‘대화 수첩’이 수백 권입니다. 베토벤이 죽은 뒤, 이 귀중한 사료 뭉치를 손에 넣은 사람이 바로 신틀러였어요.

그리고 그는 거기에 손을 댔습니다. 후대 학자들이 잉크와 필체를 분석한 결과, 신틀러가 베토벤 사후에 가짜 대화를 직접 끼워 써 넣은 정황이 드러났거든요. 자신을 작곡가의 둘도 없는 측근으로, 베토벤을 자기 입맛에 맞는 고결한 영웅으로 꾸미기 위해서였습니다. 1차 사료를 위조한 사람의 회고록입니다. 거기 적힌 ‘대공을 위해 썼다’는 한 줄도, 그대로 믿기엔 께름칙할 수밖에 없죠.

신틀러의 위조는 한두 줄이 아니었습니다. 그는 베토벤을 자기가 그리고 싶은 초상에 맞춰 다듬으려 했고, 그 과정에서 작곡가의 인간적인 면이나 불편한 사실은 슬쩍 지워냈습니다. 그래서 오늘날 음악학자들은 신틀러의 전기를 읽을 때, 한 줄 한 줄을 다른 사료와 대조해 가며 의심부터 합니다. ‘대공을 위한 곡’이라는 이야기도 정확히 그런 의심의 대상이고요.

물론 루돌프 대공이 베토벤에게 특별한 존재였던 건 분명합니다. 그는 베토벤이 평생 가장 아낀 제자였고, 든든한 후원자였어요. 베토벤은 훗날 《황제》 협주곡, 《대공》 트리오, 장엄미사까지 굵직한 작품들을 이 대공에게 헌정합니다. 그러니 삼중 협주곡의 어느 구상 단계에서 대공이 어른거렸을 가능성을 완전히 부정할 수는 없죠.

하지만 ‘구상의 어른거림’과 ‘봐준 곡’은 전혀 다른 이야기입니다. 결정적인 건 헌정과 기록이거든요. 1807년 출판된 악보 첫머리에 이름을 올린 사람은 루돌프 대공이 아니라 로프코비츠 공작이었습니다. 베토벤 교향곡 《영웅》을 사들여 자기 저택에서 먼저 울리게 했던, 바로 그 귀족이죠. 이 곡이 정말 대공을 위해 태어났다면, 헌정장에 다른 이름이 박힐 이유가 없습니다.

게다가 루돌프 대공이 이 협주곡을 직접 연주했다는 동시대 증거는 한 장도 남아 있지 않습니다. ‘봐준 곡’의 주인공이라면서, 정작 그가 그 곡을 무대에서 친 흔적이 없는 겁니다. 신틀러의 이야기는 그럴듯한 전설일 뿐, 사실로 못 박을 근거가 약합니다.

피아노가 쉬운 건 약점이 아니라 설계였습니다

여기서 한 발 물러서서 보면, 흥미로운 역전이 일어납니다. 베토벤이 피아노를 일부러 못 치게 만든 게 아닙니다. 피아노를 일부러 한 발 물러서게 만든 겁니다.

이 곡은 협주곡의 탈을 쓰고 있지만 속은 다릅니다. 무대 한가운데에 피아노 삼중주, 즉 바이올린·첼로·피아노 세 사람이 한 팀으로 서고, 오케스트라가 그 팀을 둘러쌉니다. 보통 협주곡이 독주자 한 명과 오케스트라의 일대일 대결이라면, 이 곡은 작은 실내악 패거리가 거대한 관현악과 맞붙는 구도예요. 그러니 세 독주자 사이의 균형이 곡의 생사를 가릅니다.

피아노가 두 현악기만큼 화려하게 날뛰면 어떻게 될까요. 세 개의 고음 선율이 동시에 허공을 긁어대면 질감이 엉킵니다. 바이올린과 첼로는 길게 끄는 노래에 강하고, 피아노는 음을 두드려 금세 사그라지는 악기예요. 성격이 다른 셋을 똑같이 앞세우면 누구도 제대로 안 들립니다.

베토벤은 그걸 막으려고 건반에게 ‘받쳐주는 역할’을 맡겼습니다. 피아노는 화음을 깔고, 흐름을 묶고, 두 현악기가 노래할 무대를 닦아줍니다. 가끔은 빛나는 음형으로 위로 솟구치지만, 기본 자리는 늘 두 현 뒤쪽입니다. 단순해서 약한 게 아니라, 단순해야 전체가 사는 자리인 거죠.

이런 형식에는 사실 족보가 있습니다. 베토벤보다 앞선 세대가 즐기던 ‘신포니아 콘체르탄테’, 여러 독주자가 함께 나서는 협주 양식이죠. 더 거슬러 올라가면 바로크의 합주 협주곡, 작은 독주 그룹과 큰 합주가 주고받던 옛 전통과도 닿아 있습니다. 다만 신포니아 콘체르탄테는 독주자들이 번갈아 솜씨를 뽐내는 데 무게가 실렸어요. 베토벤의 삼중 협주곡은 거기서 한 걸음 더 갑니다. 세 사람을 따로 뽐내게 하는 대신, 하나의 단단한 팀으로 묶어버린 거예요. 베토벤이 여러 독주자를 위한 협주곡을 쓴 건 평생 이 한 곡뿐이고, 첼로를 독주로 세운 협주곡도 이게 유일합니다.

조성을 C장조로 고른 것도 의미심장합니다. C장조는 가장 단순하고 환한 조성, 어떤 기교도 숨길 데 없는 투명한 빛 같은 자리예요. 영웅적 비장미를 앞세운 c단조 계열의 다른 베토벤 명곡들과는 정반대 출발점입니다. 화려한 갈등 대신 맑은 합의로 시작하겠다는 선언처럼 들리죠.

황족 제자를 위해 봐줬다는 전설은, 어쩌면 이 영리한 설계를 거꾸로 읽은 결과인지도 모릅니다. 쉬운 피아노라는 결과만 보고 ‘실력 없는 사람을 위한 배려’라고 짐작한 거죠. 하지만 같은 단순함이, 곡 전체로 보면 가장 머리를 굴린 선택이었습니다.

Play: 베토벤 삼중 협주곡 전곡

이 곡의 진짜 주인공은 첼로입니다

피아노가 물러선 자리, 그 빈 무대의 한가운데를 차지하는 건 첼로입니다. 세 악장 모두에서 첫 주제를 맨 먼저 꺼내 드는 악기가 첼로거든요. 새 악장이 열릴 때마다, 오케스트라의 술렁임을 뚫고 가장 먼저 입을 떼는 목소리가 첼로라는 뜻입니다.

그것도 편한 음역이 아닙니다. 베토벤은 첼로를 자꾸 높은 자리로 끌어올립니다. 첼로가 테너처럼, 때로는 거의 바이올린처럼 노래하게 만들어요. 낮고 묵직한 소리로만 알던 악기를, 무대 맨 앞 가장 환한 조명 아래 세운 겁니다. 그래서 이 곡의 첼로 파트는 세 독주 가운데 가장 까다롭고, 지금도 첼리스트들이 손꼽는 난곡 중 하나로 통합니다. 베토벤이 첼로에 본격적인 고난도 기교를 요구한 것도 이 곡이 처음이었죠.

이 대목에서 전설의 균열이 더 또렷해집니다. 솜씨 덜 여문 황족을 배려해 곡을 다듬었다는 사람이, 정작 첼로한테는 레퍼토리 최고 난도의 일을 떠안긴 셈이니까요. 봐주려면 다 같이 봐줘야 말이 되는데, 첼로만 죽도록 굴립니다. 이건 ‘아마추어를 위한 협주곡’이 아니라 ‘진짜 명인을 곁에 둔 협주곡’에 가깝습니다.

그럴 만한 사정도 있었습니다. 당시 빈에는 크라프트 집안이라는 걸출한 첼로 명인들이 있었거든요. 아버지 안톤 크라프트는 하이든이 아끼던 첼리스트로, 하이든의 첼로 협주곡과도 인연이 깊은 인물이었습니다. 베토벤 곁에 이런 수준의 첼로가 있었기에, 그 어려운 첼로 글쓰기가 종이 위 공상이 아니라 실제 울리는 음악이 될 수 있었던 거죠.

세 악장, 첼로를 따라가며 듣기

전설을 걷어내고 나면, 남는 건 결국 음악입니다. 세 악장을 첼로의 동선을 따라 듣다 보면, 왜 이 곡이 ‘봐준 곡’이 아니라 정교하게 짜인 합주극인지 몸으로 알게 됩니다.

1악장 Allegro — 작게 시작해 크게 번지는 문

1악장은 거대한 곡치고 의외로 조용하게 문을 엽니다. 첼로와 콘트라베이스가 낮게 첫 주제를 깔면, 오케스트라가 그걸 받아 점점 부풀려 갑니다. 베토벤 1악장치고는 폭발이 늦게 옵니다. 17분 안팎으로, 세 악장 중 가장 긴 이 악장은 좀처럼 서두르지 않아요.

독주가 들어오는 방식을 눈여겨보세요. 가장 먼저 치고 들어오는 건 역시 첼로입니다. 이어 바이올린이 같은 선율을 받아 한 옥타브 위로 올려놓고, 피아노는 두 현이 주고받는 대화 밑에 화음을 깔며 판을 정리합니다. 누가 주인공이고 누가 무대를 닦는지, 첫 등장 순서만 봐도 드러나죠.

이 악장은 인내심을 요구합니다. 단숨에 멱살을 잡는 곡이 아니거든요. 대신 같은 선율이 첼로에서 바이올린으로, 다시 피아노로 옮겨 다니며 색이 바뀌는 과정을 즐기는 곡입니다. 세 악기가 같은 말을 서로 다른 목소리로 되풀이하는 걸 듣다 보면, 어느새 17분이 짧게 느껴집니다.

특히 귀를 기울일 대목은 세 독주자가 처음으로 한데 뭉치는 순간입니다. 따로 등장해 각자 주제를 노래하던 셋이, 어느 지점에서 비로소 손을 맞잡고 같은 흐름을 만들거든요. 오케스트라가 잠시 물러나고 세 사람만 남는 그 짧은 실내악적 순간이, 이 곡이 협주곡인 동시에 거대한 피아노 삼중주라는 사실을 가장 또렷하게 보여줍니다.

2악장 Largo — 5분의 숨 고르기, 그리고 멈추지 않는 다리

2악장은 짧습니다. 5분 남짓. A♭장조의 느린 노래인데, 여기서 첼로가 이 곡 전체에서 가장 아름다운 순간을 가져갑니다. 높은 음역에서, 거의 사람 목소리처럼 선율을 길게 끌어 올리거든요. 피아노는 잔잔하게 물결을 만들고, 첼로는 그 위를 천천히 헤엄칩니다. 많은 청중이 이 곡에서 단 하나의 장면을 기억한다면, 십중팔구 이 2악장의 첼로 노래입니다.

그런데 이 악장은 끝나는 법을 모릅니다. 마지막에 화음을 단정하게 닫는 대신, 그대로 다음 악장으로 미끄러져 들어가거든요. 2악장은 독립된 느린 악장이라기보다, 마지막 악장으로 건너가는 긴 다리에 가깝습니다. 숨을 한 번 크게 고른 뒤, 곧장 춤판으로 떠밀려 들어갑니다. 박수 칠 틈을 안 주는 이 이음매가, 이 곡의 가장 영리한 장치 중 하나입니다.

3악장 Rondo alla polacca — 귀족의 춤으로 닫는 끝

마지막 악장은 ‘알라 폴라카’, 즉 폴로네즈풍입니다. 폴로네즈는 폴란드에서 온 당당하고 격식 있는 춤곡이에요. 베토벤은 협주곡의 피날레를 빠른 질주 대신, 우아하게 발을 구르는 귀족의 춤으로 닫기로 합니다. 또박또박 박자를 짚는 리듬 위로, 세 독주자가 번갈아 주제를 던지고 받죠.

이 선택은 곡의 출신과도 묘하게 어울립니다. 헌정자도 빈의 귀족, 이 곡이 울려 퍼진 살롱도 귀족의 공간이었으니까요. 폴로네즈의 격조 있는 리듬은 그 공간의 공기를 그대로 음악으로 옮긴 듯합니다. 그러면서도 마냥 점잖지만은 않아요. 중간중간 세 악기가 빠른 음형을 주고받으며 슬쩍 장난을 거는 대목이 있거든요.

여기서도 첫 패는 첼로가 뗍니다. 곡이 끝나는 순간까지, 맨 앞에서 길을 여는 건 한결같이 첼로예요. 처음 들을 때는 화려한 바이올린이나 분주한 피아노에 귀가 쏠리기 쉽지만, 한 번 ‘첼로가 먼저’라는 규칙을 알고 나면 곡이 완전히 다르게 들립니다. 세 번째 들을 때쯤이면, 첼로가 입을 떼는 순간마다 자연스레 귀를 기울이게 되죠.

버림받은 협주곡, ‘신데렐라’라는 별명을 얻기까지

이렇게 잘 짜인 곡인데, 삼중 협주곡은 오랫동안 천대받았습니다. 평론가들은 이 곡에 ‘베토벤 협주곡들 사이의 신데렐라’라는 별명을 붙였어요. 다른 자매들이 무도회에 갈 동안, 혼자 부엌에 남은 곡이라는 뜻입니다.

이유는 여럿입니다. 우선 무대에 올리기가 번거롭습니다. 솜씨가 엇비슷한 독주자 세 명을 한날한시에 모아야 하니까요. 한 명만 섭외하면 되는 보통 협주곡에 비하면 품이 세 배로 듭니다. 게다가 세 사람의 출연료까지 생각하면, 공연 기획자 입장에서 선뜻 손이 가는 곡이 아니었죠.

음악 자체의 성격도 한몫했습니다. 이 곡은 보통 협주곡처럼 한 명의 영웅이 관객을 압도하는 쾌감을 주지 않습니다. 세 사람이 양보하고 맞물리는 합주의 미덕은, 한 명의 스타에 익숙한 귀에는 자칫 밋밋하게 들리기 쉬웠어요. 폭풍 같은 《운명》이나 영웅적인 《황제》를 기대하고 온 사람에게, 사이좋게 노는 삼중주는 한참 점잖아 보였습니다.

‘봐준 곡’이라는 전설도 여기에 기름을 부었습니다. 피아노가 쉽다는 사실이 곧 ‘베토벤이 대충 쓴 곡’이라는 오해로 번진 거예요. 한 거장의 약한 작품이라는 꼬리표가 한 번 붙으니, 사람들은 곡을 제대로 듣기도 전에 한 수 접고 들었습니다. 진가가 다시 발견되기까지는 시간이 꽤 걸렸죠.

생각해 보면 협주곡의 역사 자체가 이 곡에 불리했습니다. 19세기는 비르투오소의 시대, 한 명의 초인이 무대를 장악하는 드라마에 열광하던 때였거든요. 파가니니의 바이올린, 리스트의 피아노처럼요. 그런 흐름 속에서 ‘셋이 사이좋게 나눠 갖는 협주곡’은 시대의 취향과 정면으로 어긋났습니다. 이 곡은 너무 일찍 도착했거나, 아예 시대를 비켜서 있었습니다.

초연 자체가 그 사실을 증명합니다. 1808년 빈 아우가르텐의 여름 음악회에서 이 곡을 처음 연주한 건, 봐줄 필요가 없는 직업 연주자들이었습니다. 바이올린과 첼로는 당대의 실력파가 맡았고, 건반도 아마추어 황족이 아니었죠. 전설은 살롱의 입소문 속에서 자랐지만, 실제 첫 무대는 프로들의 일터였습니다. 봐준 곡이라는 이미지와 실제 초연의 풍경은, 처음부터 어긋나 있었던 거죠.

1969년, 거장 셋이 한 방에 모여 서로를 미워하다

부엌에 처박혀 있던 신데렐라의 운명을 바꾼 건, 한 장의 음반이었습니다. 1969년 9월, 베를린의 한 교회에서 카라얀이 베를린 필을 지휘하고, 다비드 오이스트라흐·므스티슬라프 로스트로포비치·스비아토슬라프 리히터가 독주를 맡았습니다. 바이올린·첼로·피아노, 각 분야에서 당대 최고로 꼽히던 세 사람을 한 무대에 세운, 말 그대로 드림팀이었죠. 냉전 시대 소련이 자랑하던 거장 셋이 서방의 제왕 카라얀과 한 방에 모였으니, 음반사 입장에선 꿈같은 기획이었습니다.

그런데 녹음 현장은 살벌했습니다.

훗날 리히터는 이 녹음을 두고 “끔찍하다, 나는 이걸 완전히 부정한다”고 잘라 말했습니다. 거장이 자기가 참여한 음반을 이렇게까지 깎아내리는 일은 흔치 않죠. 그는 로스트로포비치가 자꾸 앞으로 나서려는 게 거슬려서, 일부러 피아노를 뒤로 물렀다고 회고했어요. 세 사람의 자존심이 한 치도 물러서지 않고 부딪힌 겁니다.

리히터는 한 번 더 녹음하자고 요구했습니다. 하지만 카라얀은 시간이 없다며 거절했어요. 이유가 걸작이었습니다. 음반 재킷에 쓸 사진을 아직 안 찍었다는 거였죠. 음악의 완성도보다 표지 사진이 먼저였던 겁니다. 그 한마디에 세 거장의 불만이 어땠을지는 짐작이 가고도 남습니다.

독주자 가운데 둘은 결과물이 마음에 들지 않아 발매를 막고 싶어 했지만, 카라얀이 밀어붙여 세상에 내보냈습니다. 자기 취향엔 딱 맞았거든요. 역사상 가장 화려한 드림팀이 모여, 서로를 가장 미워하며 남긴 명반. 그 아이러니가 이 음반을 전설로 만들었습니다.

재밌는 건, 그 불화가 음악을 망치기는커녕 오히려 묘한 긴장을 새겼다는 점입니다. 누구도 양보하지 않으려는 세 개의 자존심이, 결과적으로 이 곡이 원래 품고 있던 ‘세 목소리의 팽팽한 균형’을 극단까지 밀어붙였습니다. 봐주는 협주곡이라는 전설과 정반대 자리에서, 이 음반은 삼중 협주곡을 다시 무대 위로 끌어올렸습니다. 신데렐라가 드디어 무도회에 간 셈입니다.

이 음반이 가진 무게를 생각하면 그 효과는 더 큽니다. 오이스트라흐는 20세기를 대표하는 바이올린의 거장이었고, 로스트로포비치는 첼로의 역사를 다시 쓴 인물, 리히터는 피아노계의 전설이었습니다. 이 정도 이름값이 한 곡에 모이는 일은 그 전에도 후에도 드물었어요. 덕분에 ‘들어볼 만한 마이너 협주곡’ 정도였던 이 곡이, 단숨에 ‘저 세 사람이 함께한 그 곡’으로 격상됩니다. 곡의 평판이 연주자의 평판을 타고 올라간, 흔치 않은 경우죠.

왜 지금 이 곡을 들어야 할까

저는 이 곡이 베토벤의 협주곡 가운데 가장 저평가된 작품이라고 생각합니다. 영웅 한 명이 운명과 맞서는 드라마에 익숙한 우리에게, 이 곡은 다른 질문을 던지거든요. 서로 다른 세 목소리가 어떻게 누구도 죽이지 않고 함께 갈 수 있는가, 하는 질문 말입니다.

피아노가 한 발 물러서 두 현을 살리고, 첼로가 늘 먼저 입을 떼 길을 열고, 바이올린이 그 위를 받아 빛냅니다. 누가 더 잘났는지를 겨루는 대신, 각자 제자리에서 제 몫을 하며 전체를 세웁니다. 화려한 독주 협주곡에 없는, 이 곡만의 어른스러운 미덕이죠.

역설적이게도 이 곡의 매력을 가장 잘 증명한 사건이, 서로 못 잡아먹어 안달이던 1969년의 그 녹음이었습니다. 무대 위에서는 양보하지 않는 세 자존심이, 음악 안에서는 결국 세 목소리의 균형으로 묶였으니까요. 봐준 곡이라는 오해와 거장들의 자존심 싸움을 모두 통과한 뒤에야, 이 협주곡은 제 모습 그대로 들리기 시작합니다. 부엌에 남아 있던 신데렐라가, 알고 보니 처음부터 무도회의 주인공이었던 거예요.

그러니 처음 듣는 분이라면, ‘봐준 곡’이라는 낡은 꼬리표는 떼고 들으시길 권합니다. 피아노가 단순한 자리에서 무대를 닦는 소리, 첼로가 매번 가장 먼저 노래를 시작하는 순간, 그리고 2악장에서 3악장으로 박수 한 번 없이 미끄러지는 그 이음매. 이 세 가지만 따라가도, 신데렐라가 왜 결국 무도회의 주인공이 되었는지 알게 되실 겁니다.

악보와 함께 듣기

Play: 삼중 협주곡 악보 영상

원본 악보는 IMSLP에서 누구나 무료로 열람할 수 있거든요. 베토벤 삼중 협주곡 Op.56 악보 보기 (IMSLP)

추천 음반 — 싸운 거장 vs 손발 맞는 동료

오이스트라흐·로스트로포비치·리히터 / 카라얀·베를린 필 (1969, EMI). 정본으로 꼽히는 전설의 드림팀 녹음입니다. 골랐다기보다 안 들을 수 없는 음반이죠. 세 거장이 서로 한 치도 안 물러서며 빚어낸 긴장이 압도적입니다. 다만 매끈한 합주의 조화를 기대하면 의외로 거칠게 들릴 수 있어요. 화음보다 자존심 대결이 먼저 들리는 연주거든요.

파우스트·케라스·멜니코프 / 헤라스카사도·프라이부르크 바로크 오케스트라 (하르모니아 문디). 1969년반의 정반대편입니다. 오래 함께 연주해 온 세 사람이라 호흡이 거의 한 몸이고, 시대악기 포르테피아노가 질감을 가볍고 투명하게 풀어줍니다. 이 곡을 ‘대결’이 아니라 ‘실내악’으로 듣고 싶은 분께 정본으로 추천합니다. 큼직한 낭만적 음향을 원한다면 다소 담백하게 느껴질 수 있습니다.

세 목소리가 만나는 다른 길들

삼중 협주곡은 ‘여럿이 함께’라는 베토벤의 실험이자, 첼로가 전면에 나선 드문 협주곡입니다. 그 두 갈래를 따라가면 더 깊은 울림이 기다리거든요. 한 명의 영웅이 이끄는 베토벤의 다른 협주곡들, 그리고 첼로가 주인공이 되는 명곡들을 함께 들어보세요.

• 베토벤 바이올린 협주곡 D장조, Op.61 — 실패작에서 부활한 사연
• 베토벤 피아노 협주곡 5번 《황제》, Op.73 — 루돌프 대공에게 바친 또 하나의 곡
• 베토벤 피아노 협주곡 1번 C장조, Op.15
• 드보르작 첼로 협주곡 b단조, Op.104 — 첼로 협주곡의 정점
• 생상스 첼로 협주곡 1번 a단조, Op.33