- 작곡가
- 안토닌 드보르작
(Antonín Dvořák, 1841–1904) - 곡명
- 교향곡 9번 e단조, 작품번호 95 《신세계로부터》
(Symphony No. 9 in E minor, Op. 95 “From the New World”) - 작곡 기간
- 1893년 1월 10일 ~ 5월 24일
- 악장
- 4악장
I. Adagio – Allegro molto (e단조)
II. Largo (D♭장조)
III. Scherzo: Molto vivace (e단조)
IV. Allegro con fuoco (e단조)
1악장. 느리게 – 매우 빠르게
2악장. 넓게
3악장. 스케르초: 매우 생기 있게
4악장. 불같이 빠르게 - 편성
- 플루트 2(피콜로 1), 오보에 2(잉글리시 호른 1), 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 트럼펫 2, 트롬본 3, 튜바, 팀파니, 심벌즈, 트라이앵글, 현5부
- 초연
- 1893년 12월 16일, 카네기홀, 뉴욕
안톤 자이들 지휘 / 뉴욕 필하모닉 - 연주 시간
- 약 40분
1892년, 프라하 음악원 교수 한 명이 대서양을 건넜더군요. 한 미국인 여성 사업가가 연봉 25배라는 파격적인 제안을 했거든요. 그렇게 뉴욕 동 17번가의 좁은 집에서 탄생한 이 교향곡 한 편이, 130년이 지난 지금까지도 전 세계 콘서트홀에서 가장 자주 연주되는 곡 중 하나가 된 셈입니다. 과연 정육점 아들은 어떻게 미국 음악의 방향을 바꿀 수 있었을까요?
정육점 아들이 뉴욕행 배에 오르기까지
1841년, 프라하에서 북쪽으로 30킬로미터쯤 떨어진 작은 마을 넬라호제베스. 이곳 정육점 겸 여관 주인에게 아들이 태어났더군요. 아버지는 아들이 당연히 가업을 이으리라 믿었지요. 고기 써는 법부터 손님 응대, 장부 정리까지 가르쳐야 할 것들이 산더미였던 셈입니다. 그것이 바로 이 집안 장남의 숙명이었던 까닭입니다.
문제는 이 아이가 칼보다 바이올린 활에 더 마음이 갔다는 겁니다.
소년의 이름, 안토닌 드보르작. 열두 살에야 겨우 정식 음악 교육을 받기 시작하더니, 열여섯에는 프라하 오르간 학교에 입학하게 된답니다. 아버지의 반대가 얼마나 거셌을까요? 하지만 음악을 아끼던 삼촌이 학비를 대주겠다며 나서자 상황은 극적으로 바뀌었고, 마침내 정육점 아들의 위대한 도전이 시작된 것이지요.
졸업 후 십여 년간, 드보르작은 프라하 국립극장 오케스트라의 비올라 주자로 활동했지요. 낮에는 오케스트라 단원으로, 밤에는 미래를 위한 작곡가로. 그렇게 탄생한 곡들이 서서히 빛을 보며 1874년부터는 오스트리아 정부 장학금까지 받게 되었거든요. 그리고 이 장학금 심사위원 중 한 명이 바로, 요하네스 브람스였답니다.
브람스는 드보르작의 천재성을 단번에 간파하더군요. 1877년, 그는 자신의 출판사인 짐로크에 드보르작을 강력히 추천하며 말했지요. “이 친구 곡 좀 내보게. 절대 후회 안 할 걸세.” 브람스의 안목은 실로 놀라웠습니다. 그의 추천으로 출판된 《슬라브 무곡》이 유럽 전역을 휩쓰는 대성공을 거둔 겁니다. 보헤미아의 정육점 아들이 유럽 음악계의 중심으로 떠오른 순간.
하지만 진짜 반전은 1891년에 찾아옵니다. 대서양 건너, 신세계로부터 도착한 한 통의 편지. 과연 그 안에는 어떤 내용이 담겨 있었을까요?
연봉 25배, 거절할 수 없는 제안
편지의 발신인은 지넷 서버(Jeannette Thurber). 바로 뉴욕 내셔널 음악원(National Conservatory of Music of America)의 설립자이자 원장이더군요. 이 여성은 그저 평범한 음악 애호가가 아니었던 셈입니다. 남편은 식료품 유통업계의 거물이었고, 그녀 자신은 “미국에도 유럽에 뒤지지 않는 음악 교육 기관을 세우겠다”는 큰 포부를 지녔거든요.
서버 여사의 제안은 과연 무엇이었을까요? “우리 음악원 원장 자리를 맡아주세요. 연봉은 1만 5천 달러를 드리겠습니다.”
1만 5천 달러. 현재 가치로 환산하면 무려 50만 달러, 우리 돈으로 6억 원이 훌쩍 넘는 금액이더군요. 이는 드보르작이 프라하 음악원에서 받던 연봉의 정확히 25배에 달하는 액수였거든요. 게다가 주어진 의무는 일주일에 세 시간 강의, 학생 오케스트라 지휘 몇 번, 그리고 가끔 자신의 작품을 연주하는 정도였고 나머지 시간은 온전히 작곡에만 몰두할 수 있었던 겁니다.
드보르작은 처음에는 망설였습니다. 대서양을 건너야 한다는 사실이 큰 부담이었거든요. 알고 보면 이 양반, 기차는 광적으로 좋아하면서도 배는 무서워했더군요. 하지만 25배의 연봉이라는 파격적인 조건 앞에서 그의 고민은 그리 길지 않았던 셈입니다.
1892년 9월 17일, 마침내 드보르작과 그의 가족은 뉴욕 항구에 도착합니다. 신대륙에서의 새로운 삶이 시작된 순간.
흑인 학생이 들려준 노래
뉴욕 내셔널 음악원에는 남다른 점이 하나 있더군요. 당시 미국의 다른 음악 교육 기관들과 달리, 이곳은 흑인 학생도 받아들였거든요. 지넷 서버 여사의 진보적인 방침이었죠. 바로 이 정책 덕분에 드보르작은 운명적인 한 학생을 만나게 된 겁니다.
그의 이름은 해리 T. 벌리(Harry T. Burleigh). 스물다섯 살의 재능 있는 바리톤 가수였죠.
벌리는 어린 시절 할아버지를 통해 옛 흑인 노예들이 부르던 영가(spiritual)를 자연스레 배웠답니다. 노예 시절의 슬픔, 해방을 향한 갈망, 신앙이 주는 위안까지. 그 모든 감정이 녹아 있는 노래들이었죠. 드보르작은 이 젊은 학생의 노래를 듣자마자 귀를 쫑긋 세우더군요.
“자네, 그 노래 좀 더 불러보게.”
이후 벌리는 드보르작의 집을 자주 방문하게 된 셈입니다. 《깊은 강(Deep River)》, 《스윙 로우, 스윗 채리엇(Swing Low, Sweet Chariot)》, 《고 다운 모세스(Go Down Moses)》 같은 흑인 영가 하나하나에 드보르작은 완전히 매료되었죠. 그것은 체코 민요에서 느꼈던 것과 비슷한 무언가. 정제되지 않은 날것의 감정, 뿌리 깊은 향수, 그리고 땅에서부터 솟아오르는 듯한 원초적인 선율이었습니다.
1893년 5월, 드보르작은 뉴욕 헤럴드 신문과의 인터뷰에서 그야말로 폭탄선언을 합니다.
“미국 음악의 미래는 흑인들의 선율 위에 세워져야 합니다. 이 나라의 진정한 민족 음악은 바로 흑인 영가와 인디언들의 노래에 있거든요.”
19세기 후반 백인 중심 사회에서 이런 발언이 얼마나 파격적이었을까요? 유럽에서 온 거장이 “미국 음악의 정수는 흑인 음악”이라고 선언한 겁니다. 당연히 거센 논쟁이 벌어졌죠. 하지만 드보르작은 전혀 개의치 않더군요. 그는 이미 새로운 교향곡 작곡에 온전히 몰두하고 있었던 까닭입니다.
뉴욕 동 17번가 327번지의 다섯 달
1893년 1월 10일, 드보르작은 오선지를 꺼내 들고 첫 음표를 적어 내려가기 시작했더군요. 장소는 뉴욕 맨해튼 동 17번가 327번지의 한 연립주택. 비록 비좁은 방이었지만 그의 머릿속에는 이미 거대한 교향곡의 설계도가 그려져 있었던 셈입니다.
작곡 기간은 놀라울 정도로 짧았거든요. 1월 10일에 시작해 5월 24일에 완성했으니, 고작 넉 달 반 만에 40분짜리 대형 교향곡이 탄생한 셈이죠. 물론 드보르작의 머릿속에서 오랫동안 숙성된 결과물이겠지만, 펜을 잡고 써 내려간 시간만 따지면 실로 경이로운 속도라 할 수 있을 겁니다.
이 시기 드보르작에게 또 다른 영감을 준 존재가 있었으니, 바로 헨리 워즈워스 롱펠로의 서사시 《하이어워서의 노래(The Song of Hiawatha)》였습니다. 북미 원주민 전설을 바탕으로 한 이 시는 당시 미국에서 엄청난 인기를 누리고 있었더군요. 드보르작은 이 시를 오페라로 만들고 싶다는 생각까지 했을 정도였는데, 어째서 완성하지는 못했을까요? 결국 오페라는 빛을 보지 못했지만, 그 영감은 교향곡 2악장과 3악장에 고스란히 녹아들게 됩니다.
특히 2악장 라르고의 그 유명한 잉글리시 호른 선율. 드보르작 본인 말에 따르면 이 멜로디는 《하이어워서》에 나오는 숲속 장례식 장면에서 영감을 얻었다고 하지요. 하지만 거기에 해리 벌리가 들려준 흑인 영가의 애잔한 향기가 스며 있다는 사실을 부정하기 어려운 까닭입니다.
1악장: 천둥 전의 고요함
자, 이제 본격적으로 곡 속으로 들어가 볼까요? 마치 스포츠 중계를 하듯, 악장별로 어떤 일이 벌어지는지 따라가 볼 셈이죠.
1악장은 느린 서주로 시작하더군요. 첼로가 낮게 웅얼거리고, 관악기들은 수수께끼 같은 화음을 제시하거든요. 뭔가 거대한 일이 벌어질 것만 같은 불길한 예감. 그야말로 천둥 전의 고요함이랄까요?
그러다 갑자기, 호른이 팡파르를 울리는 겁니다.
바로 이게 그 유명한 ‘신세계 주제’랍니다. 다다다-다-다-다-담! 어디선가 들어본 적이 있을걸요. 광고, 영화는 물론이고 심지어 일본 기차역 도착 알림음으로도 쓰일 정도거든요. 이 주제가 등장하면 오케스트라 전체가 그야말로 폭발하더군요. 현악기의 질주, 금관의 포효, 그리고 팀파니의 굉음까지.
이 주제의 기원이 참으로 흥미롭답니다. 드보르작은 흑인 영가를 연구하다 5음 음계(pentatonic scale)에 흠뻑 매료되었거든요. 동양 음악에서 흔한 이 음계가 미국 흑인 음악에도 있다는 걸 발견한 겁니다. 그런데 공교롭게도 체코 민요에서도 비슷한 음계 패턴이 나타나더군요. 대륙을 초월한 음악적 공통분모인 셈이죠. 드보르작은 여기서 ‘인류 보편의 선율’을 발견했다고 느꼈던 것일까요?
2악장: 잉글리시 호른의 노래
2악장은 라르고 악장이랍니다. 이 교향곡에서 가장 유명한 부분이거든요. 클래식 음악 전체를 통틀어 손꼽히는 명선율인 셈이지요.
현악기들이 장엄한 화음을 깔아주면, 이내 잉글리시 호른 독주가 시작되더군요. 그 선율이 흘러나오는 순간, 청중은 숨을 죽이는 법. 어찌 이리 슬프고도 아름다웠을까요?
사실 드보르작은 처음에 이 선율을 클라리넷에 맡기려고 했거든요. 하지만 뭔가 부족하게 느껴졌지요. 그러다 문득 해리 벌리의 목소리가 떠올랐던 겁니다. 그 깊고 어두운 바리톤, 벌리가 영가를 부를 때의 바로 그 음색이었더군요. 그래서 드보르작은 악기를 바꾸기로 결심한 까닭입니다. 클라리넷 대신 잉글리시 호른, 오보에의 낮은 형제 격으로 더 어둡고 몽환적인 음색을 가진 악기였어요.
결과는 실로 마법과도 같았답니다. 잉글리시 호른 특유의 콧소리 섞인 음색이 선율을 완벽하게 살려냈거든요. 고향을 떠나온 이의 향수, 잃어버린 것들에 대한 그리움, 말로는 다 표현 못 할 쓸쓸함이 그 안에 모두 담겨 있었더군요.
훗날 이 선율에 가사를 붙인 이가 나타나게 된답니다. 바로 드보르작의 제자 윌리엄 암스 피셔였지요. 그는 《고잉 홈(Goin’ Home)》이라는 제목으로 이 멜로디에 영어 가사를 붙였거든요. “Going home, going home, I’m just going home…” 이 노래는 미국에서 장례식이나 추도식에서 자주 불리게 되었더군요. 그래서 많은 사람들이 이게 원래 흑인 영가인 줄로 아는 겁니다. 하지만 사실은 드보르작이 작곡하고 피셔가 가사를 붙인 곡이지요. 흑인 영가에서 영감을 얻어 체코인이 작곡하고, 미국 백인이 가사를 붙인 셈. 이 정도면 진정한 문화 융합이라 할 수 있지 않을까요? 참으로 흥미로운 탄생 비화가 아닐 수 없네요.
3악장: 전사의 춤과 보헤미아의 숲
3악장은 스케르초 악장. 드보르작은 여기서 전혀 다른 두 세계를 동시에 그려내고 있더군요.
메인 테마는 무척이나 격렬하지요. 팀파니는 쿵쿵거리고 관악기는 날카롭게 울부짖거든요. 드보르작 본인의 설명에 따르면, 이는 《하이어워서》에 나오는 인디언 결혼 축제 장면에서 영감을 얻은 결과물인 셈입니다. 전사들의 춤, 모닥불 주위를 도는 그림자들, 대지를 울리는 북소리의 묘사.
하지만 중간에 이르러 분위기가 갑자기 바뀌더군요. 트리오 부분에서 선율이 한없이 부드러워지는 겁니다. 이 아름다운 선율은 과연 어디서 온 것일까요? 바로 드보르작의 고향, 보헤미아의 숲 풍경이지요. 미국 한복판에서 그는 문득 고향 체코의 숲을 떠올렸던 거예요. 프라하 근교의 울창한 나무와 지저귀는 새소리, 그리고 바람에 흔들리는 나뭇잎 소리.
이 악장을 들으면 드보르작의 복잡한 심리 상태가 엿보이는 듯합니다. 신대륙의 이국적인 풍경에 매료되었지만, 마음 한구석에서는 끊임없이 고향을 그리워하고 있었던 거죠. 결국 3악장은 그 두 감정이 팽팽하게 맞서는 줄다리기인 까닭입니다.
스필빌의 여름: 프라하가 아이오와에 있었다면
교향곡의 큰 틀은 뉴욕에서 완성되었지만, 드보르작이 미국에서 가장 행복했던 시간은 1893년 여름, 아이오와주 스필빌에서 보낸 석 달이었을 겁니다.
스필빌? 처음 들어보신다고요? 그럴 만도 하죠. 인구 400명도 안 되는 아주 작은 마을이거든요. 그런데 놀랍게도 이 마을 주민 대부분이 체코 이민자였던 셈입니다. 보헤미아에서 건너온 이들이 모여 사는 작은 체코 공동체. 프라하에서 대서양을 건너왔더니, 마을 사람들이 체코어를 하고 체코 음식을 먹으며 체코 민요를 부르고 있더군요.
드보르작은 얼마나 감격했을까요? 뉴욕의 복잡함에서 벗어나, 마치 고향에 돌아온 듯한 기분. 매일 아침 일찍 일어나 교회에 가서 오르간을 치고 낮에는 마을 사람들과 어울렸으며, 저녁에는 새로 쓴 현악 사중주를 마을 아마추어 연주자들과 함께 초연하기까지 했거든요.
이 시기에 드보르작은 《현악 사중주 12번 ‘아메리카’》와 《현악 오중주 3번》을 써내려 갑니다. 바로 신세계 교향곡과 함께 ‘미국 시기’ 3대 걸작으로 꼽히는 작품들. 스필빌의 평화로운 분위기가 그에게 또 다른 영감을 준 까닭입니다.
그리고 한 가지 더. 드보르작의 숨은 취미가 스필빌에서 빛을 발하게 되죠. 그것은 바로 기차 구경이었거든요.
이 양반, 알고 보면 소문난 철도 ‘덕후’였던 셈입니다. 프라하에서도 틈만 나면 기차역에 가서 기관차 번호를 받아 적었을 정도라니까요. 스필빌 근처를 지나가는 기차 시간표를 매일같이 외우고 다녔다고 하니, 그 열정이 얼마나 대단했을까요? 훗날 4악장의 한 주제가 기관차 리듬에서 영감을 받았다는 설이 나오는 것도 결코 우연은 아닐 겁니다.
4악장: 모든 것이 돌아온다
드디어 피날레. 드보르작이 여기서 정말 대단한 일을 해내거든요.
4악장은 강렬한 팡파르로 시작하더군요. 금관은 포효하고, 오케스트라 전체가 폭풍처럼 몰아치죠. 새로운 주제가 등장해 발전하며 클라이맥스로 치닫는가 싶더니… 갑자기 익숙한 선율들이 하나씩 돌아오는 겁니다.
1악장의 신세계 주제, 2악장의 라르고 선율, 3악장의 스케르초 리듬까지. 앞서 들었던 모든 주제가 4악장에서 다시 등장하는 셈입니다. 마치 인생의 마지막 순간, 지나온 모든 기억이 주마등처럼 스쳐 가는 듯한 기분이랄까요?
이것이 바로 ‘순환 형식(cyclic form)’이라는 기법. 베를리오즈의 《환상 교향곡》이나 프랑크의 교향곡에서도 쓰였지만, 드보르작만큼 자연스럽고 감동적으로 활용한 경우는 드물더군요. 각 악장이 독립적이면서도 하나의 거대한 서사로 이어지는 느낌. 마치 잘 짜인 소설의 복선이 마지막 장에서 남김없이 회수되는 것 같거든요.
그리고 대망의 마무리. 교향곡은 e단조로 시작했지만, 최종 종결은 E장조랍니다. 음악 용어로 ‘피카르디 3도(Picardy third)’라 불리는 기법인 겁니다. 어두운 조성에서 출발해 밝은 조성으로 끝맺는 연출, 고통과 방황 끝에 마침내 발견한 한 줄기 빛. 신대륙에서의 모험이 희망으로 마무리되는 거죠.
마지막 화음이 울려 퍼지면, 청중은 잠시 숨을 멈추게 되죠. 그리고 터져 나오는 우레와 같은 박수.
초연의 밤: 카네기홀의 전율
1893년 12월 16일 저녁, 뉴욕 카네기홀.
지휘대에는 안톤 자이들(Anton Seidl)이 서 있더군요. 뉴욕 필하모닉 오케스트라의 연주. 객석에는 작곡가 드보르작 본인이 앉아 있었는데, 2층 박스석에서 자기 곡의 첫 연주를 지켜본 셈입니다.
1악장이 끝났을 때 이미 청중은 열광했지만, 진짜 폭발은 2악장이 끝난 후였을까요? 잉글리시 호른의 애수 띤 라르고 선율이 멎자, 객석에서는 약속이나 한 듯 환호성이 터져 나왔거든요. 당시 관습상 악장 사이에 박수를 치는 건 예의가 아니었지만, 그 누구도 감동을 참을 수 없었던 셈입니다.
드보르작은 자리에서 일어나 인사해야 했지요. 청중의 환호가 멈추지 않아 몇 번이고 다시 일어났다고 하더군요. 그것이 바로 청중이 보낸 최고의 찬사였던 까닭입니다.
다음 날 뉴욕 신문들의 헤드라인은 모두가 한목소리. “새로운 걸작의 탄생.” “미국 음악의 새 시대.” “유럽의 대가가 미국에서 영감을 받다.” 드보르작의 과감한 도전이 완벽하게 성공한 겁니다. 미국 땅에서, 미국의 음악적 요소를 녹여내 탄생한 교향곡이 미국 청중의 마음을 송두리째 흔들어 놓은 셈입니다.
미국 음악인가, 체코 음악인가
여기서 130년간 이어진 논쟁 하나를 짚고 넘어갈 필요가 있겠네요. 이 교향곡은 과연 ‘미국’ 음악일까요, 아니면 ‘체코’ 음악일까요?
미국 음악이라고 주장하는 쪽의 논거는 아주 명확하거든요. 작곡 장소는 미국, 영감의 원천은 흑인 영가와 인디언 선율, 게다가 ‘신세계로부터’라는 부제 또한 미국을 가리키는 까닭입니다. 드보르작 본인도 “미국의 음악적 재료를 활용했다”고 여러 차례 말했더군요.
반면 체코 음악이라는 쪽의 주장도 만만치 않은 셈입니다. 선율의 기본 구조가 보헤미아 민요와 닮았고, 화성 진행이 드보르작의 이전 체코 시절 작품들과 일관성을 보인다는군요. 3악장 트리오의 목가적인 분위기는 영락없는 체코의 시골 풍경, 전체적인 향수의 정서 또한 ‘고향을 떠난 체코인’의 시선이라는 주장.
정답은 과연 무엇이었을까요?
사실 이 논쟁 자체가 무의미할지도 모릅니다. 드보르작이 위대한 이유가 바로 여기에 있거든요. 그는 미국의 음악적 재료를 가져와 체코인의 감성으로 재해석한 뒤, 유럽 교향곡이라는 형식에 담아낸 겁니다. 세 가지가 완벽하게 융합된 셈입니다. 미국도 맞고, 체코도 맞고, 유럽도 맞다는 사실. 그래서 이 곡이 전 세계 어디서나 사랑받는 거죠.
음악은 국경을 넘는 법. 드보르작이 바로 그 사실을 증명해냈더군요.
130년 뒤에도 울려 퍼지는 향수
1893년 초연 이후, 신세계 교향곡은 순식간에 레퍼토리의 정수로 자리 잡았지요. 지금까지도 전 세계에서 가장 자주 연주되는 교향곡 중 하나거든요. 2019년 BBC 뮤직 매거진이 선정한 ‘역대 최고의 교향곡’ 순위에서는 4위를 차지했더군요. 베토벤 교향곡 3번과 9번, 말러 2번에 이은 대단한 순위.
이 곡의 영향력은 콘서트홀을 훌쩍 넘어선답니다. 1969년 7월, 닐 암스트롱이 아폴로 11호에 이 교향곡 녹음을 가져갔던 겁니다. 인류 최초로 달에 발을 디딘 사람이 ‘신세계로부터’를 들으며 진짜 신세계로 향한 셈이죠. 이보다 더 적절한 선곡이 또 있었을까요?
2008년 2월에는 또 다른 역사적인 공연이 있었어요. 뉴욕 필하모닉이 북한 평양에서 이 곡을 연주했거든요. 냉전의 마지막 전선을 넘어 음악이 다리를 놓은 감동적인 순간. 지휘자 로린 마젤은 “이 곡보다 더 적합한 선택은 없었다”고 회고하더군요. 새로운 세계를 향한 희망과 경계를 넘는 인류애, 드보르작이 담고자 했던 메시지가 백 년이 넘도록 유효했던 겁니다.
드보르작은 1895년 미국을 떠나 프라하로 돌아갔지요. 하지만 그가 뉴욕에서 보낸 3년이 남긴 유산은 여전히 살아 숨 쉬는 까닭입니다. 신세계 교향곡은 그저 단순한 ‘명곡’이 아니거든요. 한 예술가가 낯선 땅에서 느낀 경이로움과 향수, 새로운 것을 받아들이면서도 자신의 뿌리를 잃지 않으려는 노력, 그리고 모든 인류가 공유하는 보편적 감정, 그 모든 것이 45분 안에 오롯이 담겨있는 셈입니다.
정육점 아들이 대서양을 건너 쓴 곡. 130년이 지난 지금도, 그 울림은 여전히 새로울 겁니다.
악보와 함께 듣기
원본 악보는 IMSLP에서 누구나 무료로 열람 가능하거든요. 교향곡 제9번 ‘신세계로부터’ e단조 Op.95 악보 보기 (IMSLP)
음악의 숲으로 떠나는 여행
이 글과 함께 감상하면 감동이 배가 될 명곡들이 있더군요. 클래식 음악은 서로 연결된 이야기를 알게 될 때 더 큰 울림을 주거든요. 아래 목록이 여러분의 음악 여정에 훌륭한 이정표가 되어주지 않을까요? 각기 다른 시대와 작곡가가 들려주는 다채로운 서사의 향연.