- 작곡가
- 모리스 라벨
(Maurice Ravel, 1875–1937) - 곡명
- 볼레로
(Boléro, M. 81) - 작곡 연도
- 1928
- 초연
- 1928년 11월 22일, 파리 오페라 가르니에
- 의뢰
- 이다 루빈슈타인(Ida Rubinstein) 발레단
- 조성
- 다장조(C major)
- 연주 시간
- 약 15분
- 편성
- 플루트 2·피콜로, 오보에·잉글리시 호른·오보에 다모레, 클라리넷 2·E♭ 클라리넷, 바순 2·콘트라바순, 호른 4, 트럼펫 4, 트롬본 3, 튜바, 팀파니, 작은북 2, 심벌즈, 공, 소프라노·테너 색소폰, 첼레스타, 하프, 현악 5부
- 악장 구성
- 단악장
1928년 11월 22일, 파리 오페라 가르니에. 무용수 이다 루빈슈타인(Ida Rubinstein)의 발레단이 무대에 올랐습니다. 안무는 브로니슬라바 니진스카, 지휘봉은 발터 스트람이 잡았죠.
커튼이 오르자 어둠 속에서 작은북이 또각또각 굴러갑니다. 건조하고 단출한 소리. 그 위로 플루트 한 대가 낯선 가락을 얹습니다. 객석은 잠깐 어리둥절했을 겁니다. 뭔가 시작되려나 싶었는데, 같은 리듬만 줄기차게 이어졌으니까요.
5분이 지나도 리듬은 그대로였습니다. 10분이 지나도 똑같았고요. 달라지는 건 딱 하나, 소리가 점점 부풀어 오른다는 사실뿐이었습니다. 플루트가 들고 있던 가락은 클라리넷으로, 바순으로, 트럼펫으로 손바뀜하면서, 극장 안 공기 자체를 데우고 있었던 겁니다.
15분쯤 흘렀을 때, 객석의 한 부인이 벌떡 일어나 외쳤습니다. “저 작곡가, 미쳤어!”
이 일화를 전해 들은 모리스 라벨(Maurice Ravel, 1875–1937)은 빙긋 웃으며 한마디 했다고 전해집니다. “저분은 제대로 이해하셨군요.” 이 곡이 우리가 아는 그 ‘음악’이 아니라는 것, 그리고 바로 그게 이 곡의 무기라는 것을 진작 알고 있었다는 투로 말이죠.
편곡이 무산된 자리에서 태어난 곡
볼레로는 애초에 라벨이 쓸 생각이 없던 곡이었습니다. 1927년, 루빈슈타인이 그에게 부탁한 건 새 작품이 아니라 편곡이었거든요. 스페인 작곡가 알베니스(Isaac Albéniz)의 피아노곡집 《이베리아》를 오케스트라용으로 옮겨달라는 의뢰였죠.
문제는 저작권이었습니다. 지휘자 아르보스(Enrique Fernández Arbós)가 이미 《이베리아》 편곡 독점권을 쥐고 있었거든요. 아르보스는 “상대가 라벨이라면 기꺼이 양보하겠다”며 길을 터줬지만, 정작 라벨의 대답은 엉뚱한 쪽으로 튀었습니다. “그럼 내가 처음부터 새로 쓰지.”
그해 여름, 남프랑스 생장드뤼즈에서 쉬던 라벨은 친구 귀스타브 사마즈이(Gustave Samazeuilh) 앞에서 피아노에 손가락 하나를 올렸습니다. 그러고는 같은 가락을 한 음도 바꾸지 않은 채 몇 번이고 되풀이해 쳤죠.
“이 가락, 어딘가 집요한 데가 있지 않나? 아무 발전도 없이 그냥 계속 반복해볼 작정이야.”
한 손가락으로 누른 그 단순한 멜로디가 20세기에 가장 많이 연주된 클래식이 되리라고, 그 방의 누구도 짐작 못 했을 겁니다. 멜로디도 리듬도 조성도 꿈쩍 않는 곡. 바뀌는 거라곤 음색과 음량 둘뿐인 곡. 그게 과연 15분 동안 사람을 의자에 붙들어둘 수 있을까요. 라벨은 바로 그 무모한 내기에 판돈을 걸었습니다.
“이 곡엔 음악이 없다” — 설계도의 정체
볼레로의 설계도는 허무할 만큼 단순합니다. 작은북이 처음부터 끝까지 같은 두 마디짜리 리듬을 쉬지 않고 굴립니다. 곡이 끝날 때까지 대략 169번. 한 번도 쉬지 않고요.
멜로디는 A·B 두 주제가 번갈아 모두 열여덟 번 나오는데, 역시 한 음도 손대지 않습니다. 셈여림은 가장 여린 pp에서 가장 센 ff까지, 곡 전체가 하나의 거대한 크레셴도 한 줄이고요. 조성은 다장조를 끝까지 고집하다가, 클라이맥스 코앞에서 딱 한 번 마장조로 슬쩍 발을 뺐다가 곧장 제자리로 돌아옵니다.
이게 전부입니다. 소나타 형식도, 변주도, 대위법도 없습니다. 작곡 교과서가 ‘음악을 음악답게 만든다’고 가르치는 장치를 라벨은 모조리 빼버렸지요.
두 선율도 성격이 사뭇 다릅니다. 먼저 나오는 주제 A는 다장조 음계 안에서 얌전히 걷는, 스페인 춤곡다운 가락이고요. 뒤따르는 주제 B는 반음계를 타고 미끄러져 내려오는, 어딘가 끈적하고 재즈 냄새가 나는 선율입니다. 이 둘이 번갈아 돌면서도 한 음도 바뀌지 않으니, 듣는 사람은 ‘다음엔 또 어떤 악기가 받을까’에만 온 신경을 쏟게 됩니다. 라벨은 멜로디가 주던 긴장을 음색을 기다리는 마음으로 슬쩍 바꿔놓은 겁니다.
곡의 마지막은 일종의 탈선입니다. 다장조를 그토록 고집하던 곡이 클라이맥스 직전 마장조로 휙 꺾이거든요. 안 그래도 한계까지 차오른 긴장에 마지막 한 칸이 더 얹히는 순간이죠. 그러고는 트롬본이 미끄러지고 모든 악기가 한꺼번에 쏟아지면서, 곡은 끝난다기보다 무너져 내립니다. 15분을 쌓아 올린 탑이 마지막 몇 초에 스스로 붕괴하는 셈인데, 바로 그 붕괴의 쾌감 때문에 객석에서 비명이 터지는 겁니다.
그러니 작곡가 본인의 평가가 더 짓궂게 들립니다. “이 곡엔 음악이 없어. 음색과 리듬만 있을 뿐.” 그러면서도 누가 대표작을 물으면 망설임 없이 볼레로를 꼽았다고 하죠. “내 걸작? 볼레로지. 아쉽게도 음악은 빠져 있지만.” 이 자기모순이야말로 볼레로의 진짜 정체입니다. 음악의 기본 재료를 거의 다 덜어내고도 사람을 압도할 수 있다는 증명이니까요.
같은 시기 파리를 발칵 뒤집은 곡이 또 있었습니다. 스트라빈스키의 《봄의 제전》이죠. 그쪽이 불협화음과 들쭉날쭉한 리듬으로 객석을 폭동 직전까지 몰고 갔다면, 라벨은 정반대 길을 갔습니다. 반복과 음색, 단 두 가지만으로 똑같이 사람을 흔들어버린 거예요. 그렇다면 그 마법의 비밀은 어디에 숨어 있을까요.
악기의 행진 — 오케스트레이션 교과서
마법의 비밀은 악기 배치에 있습니다. 라벨은 멜로디가 한 바퀴 돌 때마다 연주하는 악기를 통째로 갈아 끼웠거든요. 같은 가락인데 매번 다른 목소리로 부르게 한 거죠.
맨 처음 나서는 건 플루트입니다. 나른하고 투명한 음색으로 주제 A를 조심스레 꺼내놓죠. 뒤이어 클라리넷이 조금 더 도톰하고 따뜻한 목소리로 같은 가락을 받습니다.
세 번째 주자에서 라벨의 장난기가 드러납니다. 바순이거든요. 원래 낮은 자리에서 묵직하게 깔리는 악기인데, 라벨은 일부러 바순이 낼 수 있는 가장 높은 음역까지 끌어올려 콧소리 섞인 가성처럼 불게 했습니다. 바순 주자들 사이에서 이 솔로가 악명 높은 이유죠. 입술 힘 조절이 조금만 어긋나도 그 자리에서 음정이 삐끗하니까요. 객석은 모르고 지나가지만, 무대 위에서는 매번 작은 외줄타기가 벌어지는 대목입니다.
그 다음부터는 점점 예상을 벗어납니다. 날카로운 고음의 E♭ 클라리넷, 바로크 시대 유물처럼 들리는 오보에 다모레, 먼 방에서 새어 나오는 듯한 약음기 낀 트럼펫이 차례로 같은 가락을 물려받죠.
그러다 교향곡 무대에선 좀처럼 보기 힘든 손님이 등장합니다. 테너 색소폰과 소프라노 색소폰이에요. 1920년대 정통 오케스트라에 재즈 클럽 단골 악기를 들이미는 건 제법 도발적인 수였습니다. 그 끈적한 음색이 스페인풍 가락 위로 미끄러져 오를 때, 볼레로는 클래식과 대중음악의 경계를 슬쩍 넘어버립니다.
후반으로 갈수록 악기들이 떼로 합류하면서 소리의 결이 두꺼워집니다. 호른과 피콜로, 첼레스타가 흩뿌리는 반짝임, 트롬본의 미끄러지는 글리산도까지. 처음엔 혼자 흥얼대던 노래가 어느새 합창이 되고, 끝내 함성으로 부풀죠.
마지막엔 오케스트라 전체가 하나의 소리로 터집니다. 15분 전 플루트 한 대가 흘리던 속삭임이, 100명 가까운 연주자의 포효로 불어난 순간이죠. 분명 같은 가락이었는데, 단 한 번도 같게 들리지 않았습니다. 라벨이 증명하려던 게 바로 이겁니다. 음색만으로도 드라마는 충분히 만들어진다는 것.
근거가 더 필요하다면 라벨의 다른 이력을 보면 됩니다. 무소르그스키의 《전람회의 그림》을 오케스트라용으로 옮긴 사람도 라벨인데, 지금은 피아노 원곡보다 라벨의 편곡판이 훨씬 자주 무대에 오릅니다. ‘음색의 마법사’라는 별명이 괜히 붙은 게 아니더군요.
선술집의 무대, 그리고 스페인의 피
볼레로가 처음부터 콘서트홀의 곡이 아니었다는 사실은 자주 잊힙니다. 1928년 초연은 어디까지나 발레였거든요. 니진스카가 짠 안무의 무대는 어둑한 스페인 선술집이었습니다. 큰 탁자 위에 한 여인이 올라가 춤을 추고, 둘러앉은 사내들이 음악이 부풀수록 점점 그녀에게 빨려 들어가는 장면이었죠. 곡이 가진 점층적인 긴장이 무대 위 욕망의 고조와 그대로 포개지는 설정이었습니다.
하필 스페인 선술집인 데에는 까닭이 있습니다. 라벨의 몸에는 스페인의 피가 절반 흐르고 있었거든요. 어머니가 바스크 사람이었고, 라벨 자신도 스페인 국경에 바짝 붙은 바스크 지방의 작은 항구 시부르에서 태어났습니다. 어릴 적부터 어머니가 흥얼대던 스페인 가락을 자장가처럼 들으며 자랐지요.
그래서인지 라벨의 작품 목록에는 스페인이 끈질기게 등장합니다. 《스페인 광시곡》, 오페라 《스페인의 시간》, 피아노곡 《알보라다 델 그라시오소》까지. 볼레로 역시 그 긴 짝사랑의 연장선 위에 있는 곡입니다. 정작 스페인 사람들이 들으면 “이건 진짜 스페인이 아니다”라고 갸웃했다는 게 함정이지만요. 라벨이 그린 건 실제 스페인이라기보다, 국경 너머를 바라보며 키운 어떤 동경에 가까웠으니까요.
“너무 빠릅니다” — 지휘자와 벌인 전쟁
볼레로에는 절대 건드리면 안 되는 금기가 하나 있습니다. 처음부터 끝까지 템포를 일정하게 유지하는 것이죠. 곡 전체가 하나의 거대한 크레셴도인 만큼, 후반부에서 조금만 속도를 끌어올려도 라벨이 공들여 그린 긴장의 곡선이 와르르 무너지거든요.
이 금기를 두고 라벨은 당대 최고의 지휘자와 정면으로 부딪쳤습니다. 1930년 5월, 토스카니니가 뉴욕 필하모닉을 데리고 파리 오페라에서 볼레로를 연주했는데, 후반으로 갈수록 보란 듯이 속도를 올린 겁니다. 객석은 열광했지만 정작 라벨은 자리에서 일어나 답례하는 토스카니니의 인사를 외면해버렸죠.
두 사람이 주고받았다는 대화는 지금도 인용됩니다. 라벨이 “너무 빠릅니다”라고 하자, 토스카니니는 “그렇게 몰아붙이지 않으면 이 곡은 살아나지 않습니다”라고 맞섰다고 하죠. 라벨의 대답은 짧고 매서웠습니다. “그렇다면 연주하지 마십시오.” 실제로 라벨이 쓰던 총보에는 인쇄된 메트로놈 숫자 76이 줄로 그어지고 그 옆에 66이 적혀 있습니다. 작곡가가 원한 건 우리가 흔히 듣는 연주보다 훨씬 느긋한 걸음이었던 겁니다.
이 일정한 템포의 무게를 가장 무겁게 지는 사람은 따로 있습니다. 바로 작은북 주자죠. 15분 내내 똑같은 리듬을, 흔들림 없이, 점점 부풀어 오르는 음량 속에서 혼자 떠받쳐야 하니까요. 살짝 서두르거나 처지기만 해도 곡 전체가 같이 휘청입니다. 객석에선 그저 배경처럼 흘려듣는 그 또각거림이, 무대 위에서는 15분짜리 외줄타기인 겁니다.
빙판과 스크린이 사랑한 15분
볼레로가 클래식 팬을 넘어 전 세계의 귀에 박힌 데에는 두 장면의 공이 큽니다. 하나는 빙판 위, 하나는 영화 속이었죠.
1984년 사라예보 동계올림픽 아이스댄싱. 영국의 토르빌과 딘이 볼레로에 맞춰 4분간 얼음을 갈랐습니다. 결과는 예술점수에서 심판 아홉 명 전원이 만점 6.0을 준, 올림픽 역사에 길이 남은 연기였죠. 사실 여기엔 작은 꼼수도 숨어 있었습니다. 볼레로를 규정 시간인 4분으로 줄이기가 불가능하자, 두 사람은 규정집을 뒤져 ‘연기 시간은 스케이트 날이 얼음에 닿는 순간부터 잰다’는 조항을 찾아냈거든요. 그래서 첫 18초 동안은 무릎을 꿇은 채 상체만 움직이며 시간을 벌었습니다.
또 하나는 1979년 영화 《텐(10)》입니다. 블레이크 에드워즈 감독의 이 로맨틱 코미디에서 보 데릭이 연기한 인물이 볼레로를 틀어놓고 상대를 유혹하는 장면이 나오는데, 이 한 장면이 곡의 운명을 바꿔놓았습니다. 점잖은 콘서트홀의 곡이던 볼레로가 하루아침에 가장 관능적인 배경음악으로 둔갑한 거죠. 영화가 크게 흥행하면서 볼레로는 이후 다른 영화가 쓰려면 가장 비싼 사용료를 물어야 하는 곡 중 하나가 됐습니다.
라벨이 “음악이 없다”고 했던 곡이, 빙판에서는 만점을, 스크린에서는 관능을, 통장에는 천문학적인 사용료를 안겼습니다. 작곡가의 겸손한 자기평가를 가장 통쾌하게 배신한 셈이죠.
완벽주의자 라벨, 로마 대상 다섯 번 낙방
이렇게 음색을 손금 보듯 다룬 사람이니, 작업 방식도 깐깐하기로 유명했습니다. 라벨이 평생 남긴 곡은 채 70편이 안 됩니다. 자기 기준에 안 차면 아예 세상에 내놓지 않았으니까요.
파리 음악원 최고 권위의 상인 로마 대상(Prix de Rome)에는 다섯 번 도전했지만 끝내 한 번도 받지 못했습니다. 사달이 난 건 1905년이었죠. 이미 《죽은 왕녀를 위한 파반느》와 《물의 유희》로 이름을 날리던 작곡가가 본선도 아닌 예선에서 잘려나간 겁니다. 프랑스 음악계가 발칵 뒤집혔고, 이 사건엔 ‘라벨 스캔들(L’Affaire Ravel)’이라는 이름까지 붙었습니다. 결국 음악원장 테오도르 뒤부아가 자리에서 물러나고, 그 뒤를 포레가 잇는 것으로 사태가 일단락됐죠.
자기 피아노 연주를 녹음해 들어보고는 대부분 발매를 거부했다는 일화도 잘 알려져 있습니다. 음 하나가 기준에 안 맞으면 가차 없이 버렸으니, 곡 수가 적은 것도 무리가 아니었지요.
프랑스 음악의 또 다른 거장 드뷔시(Claude Debussy)와의 관계도 들여다볼 만합니다. 둘 다 ‘인상주의’ 작곡가로 묶였지만, 정작 본인들은 그 꼬리표를 질색했죠. 1900년대 초만 해도 서로를 존중했는데, 1910년대 들어 사이가 데면데면해졌습니다. 드뷔시는 라벨을 두고 재능은 있지만 결국 자신의 모방자라며 깎아내렸다고 전해지고, 라벨은 “나는 늘 드뷔시에게 빚지고 있다”고 인정하면서도 제 갈 길을 갔습니다. 1918년 드뷔시가 세상을 떠나자, 라벨은 진심으로 애도하며 그 뒤로 드뷔시의 작품을 자주 무대에 올렸고요.
볼레로는 병의 첫 신호였을까
라벨의 말년은 잔인했습니다. 1932년 무렵부터 손이 글씨를 따라주지 않았고, 익숙한 단어가 입에서 맴돌기만 했습니다. 가장 가혹했던 건 머릿속엔 음악이 멀쩡히 살아 있는데, 그걸 악보로 옮길 손도 말도 잃어버렸다는 사실이죠.
“머릿속은 음악으로 가득한데, 한 음도 적어낼 수가 없어요.” 그가 남긴 이 말이 마지막 몇 해를 그대로 요약합니다.
1937년 12월, 라벨은 뇌수술을 받았지만 끝내 의식을 되찾지 못하고 예순둘에 눈을 감았습니다. 정확한 병명은 지금도 확정되지 않았습니다. 다만 학자들은 대체로 진행성 실어증을 포함한 이른바 ‘픽 복합(Pick complex)’ 계열의 퇴행성 뇌질환으로 보는 쪽입니다. 전두측두엽 변성(FTD)과 같은 묶음에 드는 병들이죠.
여기서 솔깃한 가설이 등장합니다. 신경과 의사 앙리코 아마두치 연구진은 2002년 《유럽 신경학 저널》에 라벨의 마지막 작품들이 이 병의 영향을 받았을 가능성을 짚었습니다. 한발 더 나아가 2008년에는, 같은 병을 앓다 세상을 떠난 화가 앤 애덤스가 볼레로를 그림으로 옮긴 작업을 연구하던 신경학자들이 흥미로운 추정을 내놓았죠. 끝없이 같은 패턴을 되풀이하는 볼레로의 구조 자체가, 어쩌면 라벨의 뇌가 보낸 가장 이른 신호였을지 모른다는 겁니다.
물론 반론도 만만치 않습니다. 볼레로를 쓴 1928년의 라벨은 미국 순회 연주를 거뜬히 소화할 만큼 정정했고, 발병의 뚜렷한 흔적은 그로부터 몇 해 뒤에야 나타났거든요. 1928년의 반복을 4년 뒤 병의 전조로 읽는 건 시간을 거꾸로 끼워 맞추는 일일 수도 있습니다. 진실은 영영 밝혀지지 않겠지만, 한 가지는 분명합니다. 음악사상 가장 대담한 반복 실험과 한 천재의 무너지던 뇌가, 같은 사람 안에서 만났다는 사실이요.
‘음악이 없다’던 곡이 가장 많이 번 돈
아이러니는 여기서 끝나지 않습니다. 저작권이 살아 있던 동안, 볼레로는 프랑스 저작권협회(SACEM) 집계에서 해마다 가장 많은 사용료를 거둬들인 곡이었습니다. 매년 수백만 유로가 이 곡 하나에서 흘러나왔으니, “음악이 없다”던 곡이 정작 가장 많은 돈을 벌어들인 셈이죠.
2012년에는 유산 관리 측이 무대 디자이너를 공동 저작자로 끼워 저작권 만료를 미루려는 소송까지 냈습니다. 결과는 2016년 프랑스 법원의 기각. 볼레로는 그제야 만인의 것, 즉 퍼블릭 도메인으로 풀려났습니다.
음악이 없다던 곡이 가장 많은 돈을 벌고, 가장 질긴 법정 싸움을 부르고, 가장 늦게 자유로워졌습니다. 라벨이 이 풍경을 봤다면, 초연 날 그랬듯 또 한 번 빙긋 웃었을 겁니다. “저분들도 제대로 이해하셨군요” 하고요.
처음 듣는다면, 이 세 가지만
볼레로는 정보 없이 그냥 틀어놔도 충분히 좋은 곡입니다. 다만 몇 군데만 미리 알고 들으면, 같은 15분이 전혀 다르게 들리거든요.
첫째, 멜로디를 좇지 말고 악기의 손바뀜에 귀를 두세요. 가락은 어차피 안 바뀝니다. 진짜 드라마는 ‘지금 이 선율을 누가 부르고 있나’에 있거든요. 플루트에서 클라리넷으로, 바순으로, 색소폰으로 바통이 넘어가는 길목을 따라가면 라벨이 짜놓은 음색의 지도가 보입니다.
둘째, 맨 밑의 작은북을 한 번쯤 의식해보세요. 15분 내내 한 번도 쉬지 않는 그 또각거림이 곡 전체의 심장 박동입니다. 평소엔 안 들리다가 한번 귀에 걸리면, 그 무던한 반복이 주는 묘한 긴장감에서 빠져나오기 어렵습니다.
셋째, 끝나기 직전의 조성 변화를 기다리세요. 줄곧 한자리를 지키던 화음이 클라이맥스 직전 한 칸 위로 미끄러지는 순간이 옵니다. 음악 용어를 몰라도 몸이 먼저 압니다. ‘어, 뭔가 어긋났는데’ 싶은 그 찰나가 바로 라벨이 15분을 들여 준비한 한 방이니까요.
악보와 함께 듣기
악보 원본은 IMSLP에서 무료로 열람하실 수 있습니다. 볼레로 악보 보기 (IMSLP)
자주 묻는 질문
라벨의 볼레로는 어떤 곡인가요?
모리스 라벨이 1928년에 쓴 단악장 관현악곡입니다. 작은북의 같은 리듬이 처음부터 끝까지 약 169번 반복되고, 두 개의 선율이 한 음도 바뀌지 않은 채 번갈아 나옵니다. 변하는 것은 오직 악기의 음색과 음량뿐이어서, 약 15분에 걸친 하나의 거대한 크레셴도로 완성되는 다장조 작품입니다.
볼레로라는 제목은 무슨 뜻인가요?
볼레로는 본래 18세기 스페인에서 유행한 3박자 계열의 춤곡 양식을 가리킵니다. 라벨은 이 스페인 춤곡의 기본 리듬만 빌려 와, 자신의 화려한 관현악 기법을 입혀 아주 다른 작품으로 바꿔놓았습니다. 춤곡의 이름은 남았지만, 실제 음악은 라벨만의 실험정신으로 가득하지요.
왜 같은 선율이 계속 반복되나요?
라벨이 의도한 실험이기 때문입니다. 그는 멜로디·리듬·조성을 모두 고정해 두고, 악기의 음색과 음량만 바꿔도 사람을 끝까지 붙잡아둘 수 있는지 시험하고 싶어 했습니다. 그래서 같은 선율이 악기를 바꿔 가며 열여덟 번 등장하고, 매번 다른 색으로 들리도록 설계되어 있습니다.
볼레로의 추천 음반은 무엇인가요?
샤를 뮌슈와 보스턴 심포니의 녹음이 명반으로 자주 꼽히고, 뒤투아와 몬트리올 심포니의 녹음은 음색의 투명함이 돋보입니다. 라벨 본인이 1930년에 직접 지휘한 녹음도 남아 있어, 작곡가가 생각한 템포와 균형을 확인하고 싶은 분께 좋은 참고가 됩니다.
볼레로가 라벨의 뇌질환과 관련이 있다는 말은 사실인가요?
확정된 사실은 아니라 학계의 가설입니다. 라벨은 말년에 진행성 뇌질환을 앓았고, 일부 연구자는 볼레로의 강박적 반복 구조가 그 병의 이른 신호였을 수 있다고 추정합니다. 다만 볼레로를 쓴 1928년에 라벨은 건강하게 미국 순회 연주를 다녔기 때문에, 이를 발병과 곧장 연결하는 것은 무리라는 반론도 강합니다.