쇼팽 피아노 협주곡 2번 f단조 — 반년간 말 한마디 못 건넨 첫사랑

작곡가

프레데리크 쇼팽
(Frédéric Chopin, 1810–1849)

곡명

피아노 협주곡 2번 f단조, Op.21
(Piano Concerto No. 2 in F minor)

작곡 기간

1829년 가을 (쇼팽 19세)

악장

3악장
I. Maestoso (f단조)
II. Larghetto (A♭장조)
III. Allegro vivace (f단조 → F장조)

1악장. 장엄하게
2악장. 라르게토, 느리고 한가로이
3악장. 빠르고 생기 있게

편성

플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 베이스 트롬본 1, 팀파니, 현5부, 독주 피아노

초연

1830년 3월 17일, 바르샤바 국립극장
쇼팽 본인 독주

출판·헌정

1836년 출판 / 델피나 포토츠카 백작부인에게 헌정

연주 시간

약 30~35분

분명 제목에는 ‘2번’이라 떡하니 적혀 있지만, 사실 이 곡은 쇼팽의 1번 협주곡보다 세상에 먼저 태어났습니다. 열아홉 살, 바르샤바 음악원 졸업장도 채 받기 전에 덜컥 써낸 곡이거든요. 게다가 그 유명한 2악장은 어떤 소프라노를 향한 절절한 고백을 담고 있는데, 정작 작곡가 본인은 반년이 넘도록 그 여자에게 말 한마디조차 건네지 못했죠. 참 아이러니하지 않습니까?

말도 못 붙인 지독한 짝사랑을, 졸업장도 없는 열아홉 청년이 거대한 오케스트라를 거느린 협주곡으로 풀어냈다는 이야기죠. 그런데 이 애틋한 사연보다 더 끈질기게 이 곡을 따라다니는 꼬리표가 하나 있습니다. 바로 “곡은 좋은데 오케스트라가 영 약하다”는 평가입니다. 과연 어디까지가 진실일까요?

졸업장보다 먼저 세상에 나온 협주곡

시간을 거슬러 1829년 가을, 바르샤바입니다. 쇼팽은 아직 음악원에 다니는 학생 신분이었죠. 스승 유제프 엘스너의 마지막 학년 평가를 코앞에 둔 갓 열아홉 살 청년이, 정식 작곡가로서의 데뷔작으로 덜컥 이 f단조 협주곡을 택한 겁니다. 학생이 얌전히 졸업 과제를 내는 대신 협주곡 한 편을 통째로 써서 들이밀었으니, 그 맹랑한 야심이 보통은 아니었죠.

당시 유럽 피아노계의 성공 공식은 꽤나 단순했습니다. 어린 천재가 험난한 세상에 이름을 널리 알리려면, 본인이 직접 건반을 두드리며 청중의 넋을 빼놓을 화려한 협주곡 한 편쯤은 필수였거든요. 훔멜이 그랬고, 칼크브레너가 그랬습니다. 이른바 ‘브릴리언트 스타일(style brillant)’, 말 그대로 손가락의 신들린 묘기를 전면에 내세우는 화려한 양식이 그 시대의 절대적인 유행이었죠. 청년 쇼팽 역시, 일단은 그 성공의 공식을 충실히 따랐습니다.

다만 그가 풀어내는 방식은 남들과 묘하게 달랐습니다. 다들 오케스트라와 피아노의 팽팽한 기싸움을 짜내는 데 혈안이 되어 있을 때, 쇼팽은 아예 오케스트라를 한걸음 뒤로 물려버리고 피아노 하나에 무대의 모든 조명을 몰아주었죠. 분명 손가락이 안 보일 정도의 묘기이긴 한데, 그 묘기의 끝이 단순한 기술 과시가 아니라 깊은 노래를 향하고 있었거든요. 쉴 새 없이 쏟아지는 빠른 음계 한가운데서도 서정적인 선율이 끊임없이 흘러나오니까요.

그래서 이 곡을 처음 들으면 첫인상이 꽤나 묘합니다. 웅장한 협주곡이라기보다는, 차라리 오케스트라가 거창하게 반주를 깔아주는 거대한 피아노 독백 쪽에 가깝거든요. 1악장 첫머리에서 오케스트라가 한참 동안 폼을 잡고 난 뒤에야 피아노가 슬그머니 등장하는데, 막상 건반에 손을 얹고 나면 무대를 좀처럼 남에게 내어주지 않습니다. 손가락이 건반 위를 미친 듯이 휘젓고, 장식음이 폭포수처럼 쏟아지다가, 또 언제 그랬냐는 듯 노래하듯 선율을 짙게 늘이고는 다시 내달리지요. 열아홉 살 청년이 오직 자기 손끝 하나로 무대를 완벽하게 장악해 버리겠다고 독하게 작정한 곡입니다.

그런데 이토록 눈부시게 화려한 무대 뒤편에는, 차마 누구에게도 털어놓지 못한 애달픈 마음 하나가 조용히 숨쉬고 있었습니다.

반년 동안 말 한마디 건네지 못한 사람

꽁꽁 숨겨뒀던 그 마음의 정체는 시간이 한참 흐른 뒤에야 세상에 드러났습니다. 쇼팽이 절친한 친구 티투스 보이체호프스키에게 보낸 한 통의 편지 덕분이었지요. 1829년 10월 3일 자로 남겨진 그 편지에는, 평소 좀처럼 남에게 속내를 비치지 않던 쇼팽이 조심스레 털어놓은 뜻밖의 고백이 적혀 있었습니다.

“이미, 어쩌면 불행하게도, 제겐 이상(理想)으로 삼는 사람이 생겼습니다. 반년이 지나도록 말 한마디 나눠보지 못한 사람이지요. 매일 밤 그 사람을 꿈꿉니다. 그를 떠올리며 제 협주곡의 느린 악장을 썼습니다.”

마음을 온통 빼앗아 간 그 사람의 이름은 콘스탄차 글라트코프스카. 바르샤바 음악원에서 성악을 공부하던 동급생 소프라노였죠. 쇼팽과 똑같이 풋풋한 열아홉 살이었습니다. 둘은 같은 학교 안에서 숨을 쉬고 있었지만, 수줍은 쇼팽은 그저 멀리서 그림자만 바라볼 뿐이었습니다. 용기 내어 다가가 말을 건네는 일은 끝끝내 일어나지 않았지요. 이건 평범한 짝사랑이라기보다, 차라리 신성한 숭배에 가까운 감정이었습니다.

여기서 정말 흥미로운 건, 쇼팽이 이 벅찬 감정을 오로지 음악으로만 은밀하게 처리했다는 점입니다. 연애편지를 쓰지도, 떨리는 목소리로 고백을 하지도 않았죠. 그 대신 협주곡의 가장 깊숙한 한가운데, 가장 느리고 내밀한 악장에 그녀의 얼굴을 영원히 새겨 넣었습니다. 그가 친구에게 “느린 악장(아다지오)을 그를 떠올리며 썼다”고 털어놓은 그 악장이 바로 2악장 라르게토거든요. 정작 콘스탄차 본인은 자신이 이 절절한 음악의 주인공이었다는 사실을 한참 뒤에야 알게 됐다고 전해집니다.

결국 두 사람의 엇갈린 이야기는 꽤나 평범하게 막을 내렸습니다. 콘스탄차 글라트코프스카는 음악원을 졸업한 뒤 잠시 화려한 무대에 서는 듯하더니, 몇 해 지나지 않아 평범한 상인과 결혼하며 노래를 거의 접어버렸거든요. 1810년에 태어나 1889년까지 살았으니, 짧게 불꽃처럼 살다 간 쇼팽보다 무려 마흔 해를 더 긴 호흡으로 산 셈이지요. 자신을 불멸의 존재로 만들어준 그 애끓는 짝사랑의 당사자는, 정작 본인이 음악사에서 얼마나 애틋한 자리를 차지하게 될지 거의 알지 못한 채 그저 조용한 삶을 살다 갔습니다. 이토록 위대한 사랑 노래의 뮤즈가 정작 그 노래의 존재 자체를 오랫동안 몰랐다는 사실. 곰곰이 생각해보면, 어쩌면 이것이야말로 이 곡에서 가장 쇼팽다운 쓸쓸한 대목이 아닐까 싶습니다.

그래서 이 협주곡의 무게중심은 꽤 묘한 곳에 놓여 있습니다. 보통의 협주곡이라면 화려한 1악장이나 신나는 종악장에 시선이 쏠리기 마련인데, 이 곡만큼은 한가운데 자리한 느린 악장이 진짜 주인공이거든요. 차마 입 밖에 내지 못한 말을 오선지 위에 몰래 적어둔 셈입니다. 그 편지 한 통이 남아있지 않았다면, 우리는 이 애절한 선율이 대체 누구를 향한 것인지 영영 몰랐을지도 모르죠.

세 악장, 한 편의 고백

이제 곡 안으로 직접 들어가 보겠습니다. 화려한 도입, 숨죽인 고백, 그리고 갑작스러운 춤까지. 세 악장이 그려내는 아찔한 감정의 낙차를 차례로 따라가 보시죠.

1악장 — 무대를 빼앗는 피아노

1악장 마에스토소는 오케스트라의 꽤 긴 전주로 문을 엽니다. 현악기가 어두운 f단조 주제를 묵직하게 깔아주면, 곧이어 한결 밝은 제2주제가 슬며시 끼어들죠. 여기까지는 아주 교과서적인 협주곡의 문법입니다. 고전 협주곡은 보통 오케스트라가 먼저 주제를 한 차례 다 펼쳐 보인 뒤에, 독주자가 들어와 같은 재료를 다시 요리하는 ‘이중 제시부’ 형식을 따르거든요. 이 곡 역시 그 얌전한 틀을 빌립니다. 하지만 피아노가 무대에 난입하는 순간, 판이 통째로 뒤집히죠.

피아노는 오케스트라가 정성껏 깔아둔 주제를 고분고분 받아먹지 않습니다. 오히려 그 위를 미끄러지듯 장식하고, 흩뿌리고, 비틀어대며 자기만의 색으로 덧칠해 버리죠. 빠른 음계가 건반 위아래를 사정없이 치고 다니다가, 어느 순간엔 언제 그랬냐는 듯 선율을 길게 늘이고, 이내 다시 손가락을 폭발시킵니다. 그동안 오케스트라는 머쓱하게 뒤로 한 발 물러서 있을 수밖에 없습니다. 무대의 주인은 명백하게 한 사람, 건반 앞에 앉은 열아홉 청년이거든요.

흥미로운 건 이 눈부신 화려함이 단순한 묘기 과시로 끝나지 않는다는 점입니다. 팽팽하게 돌아가는 빠른 패시지 사이사이로, 폴란드 민속 음악 특유의 짙은 우수가 자꾸만 배어 나오거든요. 손가락은 화려하게 웃고 있는데 마음은 어딘가 서늘하게 젖어 있는, 쇼팽 특유의 그 이중성이 이미 열아홉 살의 작품에 또렷하게 박혀 있는 겁니다. 화려한 묘기와 깊은 향수가 한 악장 안에서 충돌 없이 절묘하게 공존하는 것. 바로 이것이 어린 쇼팽을 그저 그런 또래 경쟁자들과 갈라놓은 결정적 지점이죠.

2악장 — 달빛 아래의 몽상

그리고 이어지는 라르게토. 이 곡의 멈추지 않는 심장입니다. 쇼팽이 콘스탄차를 떠올리며 썼다고 직접 고백했던 바로 그 악장이죠.

쇼팽은 이 음악이 어떤 느낌으로 닿길 바랐을까요. 그는 같은 친구에게 보낸 편지에 이렇게도 적었습니다. “강렬한 효과를 노린 게 아닙니다. 차라리 로망스에 가깝지요. 고요하고, 우수에 젖은. 수천 가지 행복한 기억이 떠오르는 어떤 자리를 가만히 바라보는 느낌이랄까요. 아름다운 봄밤, 달빛 아래의 몽상 같은 것입니다.” 작곡가 본인이 남긴 이 묘사만큼 2악장의 아스라한 결을 정확히 짚어주는 말도 찾기 힘들 겁니다.

음악은 정말 그 묘사 그대로 흘러갑니다. 현악기가 조심스레 화음을 깔아주면, 피아노가 혼잣말하듯 선율을 시작하죠. 결코 큰 소리로 외치는 법이 없습니다. 속삭이고, 망설이고, 한 음을 애달프게 붙들고 있다가 살며시 다음으로 넘어가거든요. 마치 멀리 있는 누군가에게 들릴 듯 말 듯 한 목소리로 조심스레 말을 거는 것만 같습니다. 선율 곳곳에 얹힌 잔잔한 장식음들은 꼭 떨리는 목소리의 헛기침이나 망설임처럼 들리고요.

그러다 중간부에서 딱 한 번, 억눌렀던 감정이 확 북받쳐 오릅니다. 현악기가 파르르 떨리는 트레몰로로 긴장감을 팽팽하게 당기면, 피아노가 격정적인 레치타티보(낭송조 선율)로 치고 올라가죠. 마치 꾹꾹 참아왔던 말이 한순간에 터져 나오는 것만 같습니다. 하지만 그 폭발은 이내 다시 스르르 잦아듭니다. 고백은 끝내 시원한 외침이 되지 못한 채, 체념하듯 다시 속삭임으로 돌아가거든요. 반년 넘게 말 한마디 건네지 못한 사람의 속마음이란 게 본래 그런 모양일 테지요. 터질 듯 끓어오르다 꿀꺽 삼켜지고, 기어이 혼잣말로 가라앉아 버리는.

🎧 여기서 들으세요 — 2악장이 시작되면, 현악기가 깔아주는 화음 위로 피아노가 혼잣말처럼 들어오는 첫 대목을 놓치지 마세요. 그리고 중간에 현이 떨리며 피아노가 격해지는 순간, 여기가 참았던 말이 터지는 지점입니다.

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3악장 — 갑자기, 춤

숨죽인 속삭임이 끝나기가 무섭게, 3악장이 기다렸다는 듯 분위기를 확 뒤집어 버립니다. 알레그로 비바체, 폴란드 민속 춤의 리듬이 통통 튀어 오르는 론도 악장이거든요. 짝사랑의 눅눅한 우울에서 단숨에 빠져나와, 고향 마을의 왁자지껄한 춤판 한가운데로 뚝 떨어져 순간이동을 한 기분입니다.

여기서 들려오는 건 마주르카 계열의 경쾌한 폴란드 춤 리듬입니다. 강세가 박자의 둘째나 셋째에 얄밉게 슬쩍 어긋나게 떨어지면서, 절로 발을 구르고 싶게 만드는 그 특유의 들썩임이죠. 피아노는 한층 더 가볍고 날렵하게 건반 위를 날아다닙니다. 1악장이 무대를 억누르는 묵직한 ‘힘’이었다면, 3악장은 무대를 제멋대로 가지고 노는 ‘여유’랄까요. 같은 피아니스트가 불과 20분 사이에 이토록 전혀 다른 두 얼굴을 뻔뻔하게 보여주는 대목입니다.

다만 이 ‘여유’는 철저히 듣는 사람만의 착각입니다. 막상 무대 위 피아니스트에게 이 종악장은 좀처럼 마음을 놓을 수 없는 지독한 구간이거든요. 가볍게 물 흐르듯 들리는 빠른 패시지일수록 손가락은 단 한 치의 오차도 허락하지 않고, 그 특유의 들썩이는 춤 리듬을 살려내려면 정확한 박자 위에서 일부러 살짝 어긋나주는 고난도의 균형 감각이 필요합니다. 원래 쉬워 보이게 치는 게 세상에서 가장 어렵다는 말이 이 악장에 딱 들어맞죠. 객석에서 편안하게 미소 지으며 만끽하는 그 가벼움 뒤에는, 건반 위에서 헉헉대며 숨을 꾹 참고 있는 연주자의 노고가 숨어 있습니다.

그리고 쇼팽은 종결부에 꽤 귀여운 장난을 하나 숨겨 두었습니다. 두 번째 주제가 등장할 때, 바이올린들이 활털 대신 활대의 뻣뻣한 나무 부분으로 현을 툭툭 두드리는 콜 레뇨(col legno) 주법을 쓰거든요. 톡톡 두드리는 건조한 마른 소리가 깔리면서, 그 위를 노니는 피아노 선율이 묘하게 가뿐해집니다. 평소 오케스트라를 병풍처럼 단순하게 다루던 작곡가가, 정작 결정적인 순간엔 이렇게 영리한 색채를 슬쩍 끼워 넣은 겁니다. 그러니 그가 관현악을 영 ‘몰랐다’는 핀잔은 딱 절반만 맞는 셈이죠.

마지막은 호른의 신호와 함께 f단조의 짙은 그늘을 걷어내고 환한 F장조로 맺습니다. 짝사랑의 축축한 우수로 시작한 곡이, 결국엔 씩 웃으며 끝나는 거지요. 어두운 조성에서 출발해 밝은 조성으로 산뜻하게 끝맺는 이 영리한 연출은, 쇼팽이 청중에게 건네는 다정한 마지막 인사처럼 들립니다.

초연의 밤, 갓 스무 살이 된 독주자

1830년 3월 17일, 바르샤바 국립극장. 쇼팽은 드디어 이 곡을 들고 번듯한 큰 무대에 섰습니다. 그해 바르샤바에서 열었던 세 번의 연주회 가운데 첫 번째이자, 사실상 그의 공식적인 대중 데뷔 무대였지요. 객석은 발 디딜 틈 없이 꽉 찼고, 작곡가이자 독주자인 청년은 막 스무 살이 된 참이었습니다.

흥미롭게도 반응은 엇갈렸습니다. 피아노의 시적인 표현과 섬세함에는 찬사가 쏟아졌지만, 한편에서는 “소리가 너무 작다”는 퉁명스러운 불평도 튀어나왔거든요. 쇼팽의 연주는 애초에 큰 홀을 쩌렁쩌렁 울리는 호방한 스타일이 아니라, 숨소리 들리는 가까운 곳에서 들어야 진짜 매력이 드러나는 친밀한 음악이었습니다. 이 온도 차이는 평생 그를 꼬리표처럼 따라다니죠. 훗날 그가 피로한 대형 공개 연주회를 멀리하고 소수의 청중이 모이는 살롱을 고집하게 된 이유이기도 합니다.

여기에 재밌는 일화가 하나 더 있습니다. 그해 가을, 폴란드를 떠나기 직전 쇼팽이 연 고별 연주회에서, 무대에 함께 선 가수가 다름 아닌 콘스탄차 글라트코프스카였다고 전해지거든요. 반년 넘게 끙끙대며 말 한마디 못 건넨 그 짝사랑 상대가, 정작 그의 마지막 바르샤바 무대에서 찬조 출연으로 노래를 불렀다는 이야기지요. 이게 사실이라면 이보다 더 쇼팽다운 얄궂은 결말도 없을 겁니다. 끝까지 한 발짝 떨어진 거리를 유지하면서 말이죠.

이 데뷔 무대가 무사히 끝나고 일곱 달 뒤인 1830년 10월, 쇼팽은 또 다른 협주곡(지금의 1번 e단조)을 들고 고별 연주회를 엽니다. 그리고 11월, 훌쩍 폴란드를 떠나지요. 그가 떠난 지 한 달도 되지 않아 조국에 봉기가 터지면서 그는 끝내 고향 땅을 다시는 밟지 못합니다. 결국 f단조 협주곡은, 쇼팽이 아직 파리지앵이 아닌 풋풋한 ‘폴란드의 청년’이던 시절을 통째로 박제해 둔 마지막 기록 가운데 하나로 남게 되었습니다.

왜 하필 ‘2번’일까

여기서 다시 맨 처음의 수수께끼로 돌아와 봅니다. 대체 먼저 쓴 곡이 어쩌다 억울하게 ‘2번’이 됐을까요?

허무하게도 답은 출판 순서에 있습니다. 클래식 작품의 번호는 대개 작곡한 순서가 아니라 악보가 출판된 순서로 매겨지거든요. f단조 협주곡은 1829년에 일찌감치 쓰였지만, 정작 번듯하게 악보로 묶여 세상에 나온 건 한참 뒤인 1836년이었습니다. 반면 나중에 쓴 e단조 협주곡은 1833년에 냉큼 먼저 출판되어 버렸죠. 그래서 늦게 태어난 e단조가 졸지에 ‘1번’을 꿰차고, 먼저 태어난 f단조가 밀려나 ‘2번’이 되었습니다. 쉽게 말해 형이 동생보다 늦게 호적에 오르는 바람에 서열이 꼬인 격이죠.

출판이 7년이나 기약 없이 미뤄진 사정도 그의 파란만장한 인생과 맞물려 있습니다. 폴란드를 떠나 빈을 거쳐 낯선 파리에 정착하는 격변기를 치러내는 동안, 청년기에 쓴 협주곡의 출판은 자연스레 뒷전으로 밀렸지요. 심지어 그사이 자필 악보의 일부를 어디다 홀라당 잃어버렸다는 이야기까지 전해집니다. 1836년에야 비로소 먼지를 털고 빛을 본 이 곡에, 쇼팽은 평생의 벗이자 든든한 후원자였던 델피나 포토츠카 백작부인의 이름을 헌정사로 새겨 넣었습니다. 영감은 콘스탄차에게서 받고, 헌정은 포토츠카에게로. 어찌 보면 한 곡 안에 두 여인의 그림자가 묘하게 겹쳐 있는 셈이라고 그럴싸하게 포장하고 싶지만, 정확히는 그냥 영감을 준 사람과 이름을 받은 사람이 쿨하게 달랐을 뿐입니다.

“오케스트라가 약하다”는 백 년의 흠집

이 곡을 따라다닌 가장 끈질긴 비판은, 재미있게도 곡 자체가 아니라 오케스트라 파트를 향한 것이었습니다. “피아노는 천재적인데 관현악이 빈약하다”는 뼈아픈 평이지요. 실제로 일부 학자들은 쇼팽이 동료 작곡가 이그나치 펠릭스 도브진스키나 토마시 니데츠키의 손을 빌려 관현악을 다듬었으리라 보기도 합니다. 확정된 사실은 아니지만, 그만큼 오케스트라 솜씨가 피아노 솜씨만큼 능숙해 보이지는 않았다는 씁쓸한 방증이기도 하죠.

이 불만은 그저 호사가들의 단순한 뒷말로 끝나지 않았습니다. 보다 못한 후대의 거장들이 직접 팔을 걷어붙이고 나섰거든요. 피아니스트 알프레드 코르토가 관현악을 쓱쓱 손봤고, 20세기에는 미하일 플레트뇨프 같은 굵직한 음악가가 아예 새로운 편곡을 내놓기도 했습니다. 원곡을 그대로 내버려 두기엔 어딘가 아쉽다고 느낀 깐깐한 귀가 한둘이 아니었던 거지요.

그런데 여기에 대한 반론도 만만치 않습니다. 애초에 쇼팽이 오케스트라를 ‘약하게’ 쓴 것이 관현악을 몰라서가 아니라, 철저히 계산된 의도였다는 시각이거든요. 그에게 협주곡은 두 세력이 치고받는 대결이라기보다, 오직 피아노라는 단 하나의 목소리를 위한 독무대였습니다. 오케스트라는 그저 그 목소리를 부드럽게 떠받쳐주는 조용한 배경이면 충분했던 거고요. 앞서 말한 종악장의 콜 레뇨 같은 영리한 색채를 보면, 그가 관현악을 몰라서 단순하게 썼다고 치부하기엔 꽤나 억울한 면이 있습니다. 결국 이건 치명적인 결함이라기보다 지극히 취향의 문제에 가깝습니다. 불꽃 튀는 오케스트라의 대결을 기대했다면 다소 심심할 수 있지만, 피아노의 섬세한 노래에 온전히 귀를 맡기고 나면 이보다 더 어울리는 반주도 없거든요. 똑같은 음악이 듣는 귀에 따라 치명적인 흠으로도, 최고의 미덕으로도 들리는 셈이죠.

왜 협주곡은 두 곡에서 멈췄을까

여기서 한 가지 꼭 덧붙일 이야기가 있습니다. 쇼팽이 평생 남긴 피아노 협주곡은 딱 두 곡, 바로 이 f단조와 e단조뿐이거든요. 둘 다 고작 스무 살 무렵 고향 폴란드에서 끄적였던 곡들입니다. 화려한 파리로 건너가 유럽 최고의 피아니스트로 보란 듯이 우뚝 선 뒤에도, 이상하게 그는 두 번 다시 협주곡에 손을 대지 않았습니다.

그 진짜 이유를 짐작하게 하는 단서가 다름 아닌 이 곡 안에 고스란히 남아 있습니다. 쇼팽은 수십 명의 오케스트라를 거느린 거창한 무대보다, 피아노 한 대만 덩그러니 놓고 청중과 아주 가까이 호흡하는 음악에서 자기 본령을 찾은 겁니다. 초연 때 들었던 “소리가 너무 작다”는 볼멘소리가, 역설적으로 그 음악의 본질을 아주 정확히 짚어낸 셈이지요. 애초에 그는 거대한 음향으로 압도하기보다, 숨막히도록 섬세한 결로 승부하는 사람이었거든요. 그래서 이후의 쇼팽은 야상곡, 발라드, 마주르카, 폴로네즈처럼 오직 피아노 한 대만이 온전히 무대의 주인공이 되는 형식으로 미련 없이 옮겨 가게 됩니다.

그렇게 다시 뜯어보면 이 협주곡은 꽤나 묘한 자리에 서 있습니다. 겉으로는 당시 유행하던 화려한 협주곡의 옷을 걸치고 있지만, 정작 그 속에서는 이미 ‘오케스트라가 필요 없는 쇼팽’이 강렬하게 꿈틀거리고 있거든요. 이 두 곡의 협주곡은 어린 청년 쇼팽이 시대의 성공 공식을 꾹 참고 한 번 따라가 본 풋풋한 흔적이자, 머지않아 그 틀을 미련 없이 깨고 벗어날 사람의 거대한 예고편이기도 합니다. f단조 협주곡을 들으며 어느새 피아노 소리에만 홀린 듯 귀를 기울이게 되는 건, 어쩌면 너무도 당연한 일이지요. 곡을 쓴 작곡가 본인부터가 이미 마음이 그쪽으로 푹 기울어 있었으니까요.

그러니 부디 제목의 번호에 속지 마시기 바랍니다. ‘2번’이라는 무심한 표찰은 그저 늦어버린 출판소의 딱한 사정일 뿐, 이 곡은 우리가 아는 쇼팽이 세상에 처음으로 묵직하게 내밀었던 큰 작품이거든요. 열아홉 살의 눈부시게 화려한 손끝, 끝끝내 말로는 전하지 못한 애달픈 마음, 그리고 머지않아 영영 떠나게 될 조국의 흥겨운 춤 리듬까지. 그 모든 것이 30분 남짓한 음악 안에 처음이자 거의 마지막으로 빼곡하게 모여 있습니다. 2악장이 다 끝나가도록 그가 끝내 한마디 입도 떼지 못했다는 사실을 곰곰이 떠올려 본다면, 그 숨죽인 라르게토는 아마 전보다 한결 더 서늘하고 깊게 다가올 겁니다.

악보와 함께 듣기

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원본 악보는 IMSLP에서 누구나 무료로 열람할 수 있습니다. 쇼팽 피아노 협주곡 2번 f단조 Op.21 악보 보기 (IMSLP)

어떤 연주로 시작할까

애초에 오케스트라의 비중이 작은 곡이라, 결국은 건반 앞에 앉은 피아니스트의 색깔이 이 곡의 거의 전부를 결정짓고 맙니다. 그래서 각기 성격이 아주 뚜렷하게 다른 세 장의 명반을 추려 골랐습니다.

자주 묻는 질문

참고 자료

• Wikipedia — Piano Concerto No. 2 (Chopin)
• IMSLP — Piano Concerto No.2, Op.21 (Chopin) 악보·전집
• Wikipedia — Delfina Potocka (헌정 대상)
• Deutsche Grammophon — Chopin Piano Concertos Nos. 1 & 2, Zimerman

이어서 듣기 — 폴란드 청년이 남긴 선율의 지도

한 곡을 깊이 들으면, 그 곁의 곡들이 더 또렷하게 들립니다. 같은 작곡가의 다른 얼굴부터, 같은 낭만주의 협주곡의 다른 해법까지. 아래 다섯 곡을 함께 들어보면 이 협주곡의 자리가 한결 선명해집니다.

• 쇼팽 – 피아노 협주곡 1번 e단조, Op.11
• 쇼팽 – 야상곡 E♭장조, Op.9 No.2
• 라흐마니노프 – 피아노 협주곡 2번 c단조, Op.18
• 브람스 – 피아노 협주곡 1번 d단조, Op.15
• 모차르트 – 피아노 협주곡 21번 C장조, K.467

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