카미유 생상스(Charles-Camille Saint-Saëns, 1835~1921)

첼로 협주곡 1번 a단조 작품 33 (Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33)

단악장 (3섹션 연속 구성) I. Allegro non troppo (A minor) II. Allegretto con moto , Minuet (B♭ major) III. Tempo primo , Finale (A minor → A major) 1섹션 빠르지 않게 (a단조) 2섹션 조금 빠르게, 미뉴에트 (B♭장조) 3섹션 처음 빠르기로, 피날레 (a단조 → A장조)

독주 첼로, 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현악 5부

1873년 1월 19일, 파리 음악원 콘서트홀, 오귀스트 톨베크 (독주), 에두아르 델데베즈 지휘, 파리 음악원 관현악단

감상 가이드 · 협주곡 | 생상스 첼로 협주곡 1번 a단조 Op.33

작곡가: 카미유 생상스
(Charles-Camille Saint-Saëns, 1835~1921)
작품명: 첼로 협주곡 1번 a단조 작품 33 (Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33)
조성: a단조
작곡 연도: 1872년
악장 구성: 단악장 (3섹션 연속 구성)
I. Allegro non troppo (A minor)
II. Allegretto con moto , Minuet (B♭ major)
III. Tempo primo , Finale (A minor → A major)

1섹션 빠르지 않게 (a단조)
2섹션 조금 빠르게, 미뉴에트 (B♭장조)
3섹션 처음 빠르기로, 피날레 (a단조 → A장조)
편성: 독주 첼로, 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현악 5부
초연: 1873년 1월 19일, 파리 음악원 콘서트홀, 오귀스트 톨베크 (독주), 에두아르 델데베즈 지휘, 파리 음악원 관현악단

오케스트라가 관객의 기대를 준비시킬 시간은 없었습니다. 1873년 1월 19일 파리 음악원 콘서트홀, 객석을 가득 메운 청중은 협주곡 초연이라면 으레 기대하는 순서를 기다리고 있었답니다. 오케스트라가 웅장한 주제를 먼저 선보이고 분위기가 한껏 무르익었을 때 독주자가 등장하는, 바로 그 익숙한 절차. 그런데 지휘봉이 내려오자 펼쳐진 광경은 전혀 달랐더군요. 현악기 전체가 짧고 강렬한 a단조 화음을 단 한 번 내리치자마자, 첼로가 곧바로 무대의 주인공으로 뛰어든 겁니다. 망설임도, 소개도 없이, 마치 한참을 참고 있다가 더는 못 견디겠다며 터져 나온 목소리처럼 말입니다.

그것이 바로 생상스가 의도했던 바인 셈입니다. 곡을 쓰던 1872년, 그의 나이는 37세였고 조국 프랑스는 프로이센과의 전쟁에서 막 패배한 직후였죠. 그 굴욕과 충격 속에서 탄생한 협주곡이 단 한 마디의 서주도 없이 독주 첼로의 외침으로 시작하는 것, 과연 우연이었을까요? 이 파격적인 시작이야말로 이 협주곡을 관통하는 이야기의 서막.

클래식 입문자들 사이에서 이 협주곡에 대한 반응이 참 흥미롭습니다. 드보르작이나 엘가르의 유명 첼로 협주곡을 먼저 접했던 이들이 뒤늦게 이 곡을 발견하고는 “이런 명곡이 왜 그들만큼 유명하지 않지?”라며 놀라워하는 경우가 무척 많더군요. 20분 남짓한 짧은 연주 시간, 군더더기 없는 치밀한 구조, 그러면서도 첼로가 지닌 모든 기교와 서정성을 남김없이 담아낸 이 작품. 한번 그 매력에 빠지면 계속해서 다시 찾게 됩니다.

전쟁 이후 파리에서 — 1872년 생상스가 이 곡을 쓴 이유

보불전쟁(1870~71)은 프랑스를 송두리째 뒤흔든 대사건. 나폴레옹 3세의 항복, 프로이센군의 파리 포위, 그리고 파리 코뮌의 발발까지, 프랑스 음악계는 그야말로 망연자실할 수밖에 없었습니다. 전쟁이 끝나자 생상스를 비롯한 젊은 작곡가들이 마침내 뭉쳤죠. 1871년, 이들은 국민음악협회(Société Nationale de Musique)를 창설하고 ‘Ars Gallica’, 즉 ‘프랑스 예술’이라는 구호를 내걸었습니다. 이는 독일 음악에 잠식당하지 않겠다는 강력한 의지의 표명이었습니다.

생상스 자필 악보 스케치 — 협주곡 원고 — 생상스 협주곡 자필 원고 스케치 (파리 국립도서관 소장)

바로 그런 분위기 속에서 1872년, 생상스가 이 협주곡을 쓰게 된 겁니다. 곡은 간결하고 빠르며, 군더더기 하나 찾아볼 수 없지요. 연주 시간은 약 20분 남짓. 당시 독일 협주곡들이 40분을 훌쩍 넘기던 시대였으니, 이 분량은 얼마나 단호한 선언처럼 들렸을까요?

이 곡의 탄생 배경에는 흥미로운 인물이 얽혀 있습니다. 생상스가 이 협주곡을 헌정한 이는 오귀스트 톨베크(Auguste Tolbecque)이었습니다. 톨베크는 파리의 명문 음악가 집안 출신 첼리스트였는데, 비올라 다 감바(고(古)현악기) 연주자이자 악기 제작자로도 활동하던 인물이었죠. 당대의 스타 연주자라기보다는, 자신의 일에 깊이 몰두한 장인형 음악가였습니다.

생상스가 화려한 명성의 첼리스트가 아닌 이런 인물에게 곡을 바쳤다는 사실, 그리고 그 결과물이 드보르작, 엘가르, 슈만과 어깨를 나란히 하게 됐다는 점은 참으로 놀랍지 않나요? 물론 쇼스타코비치와 라흐마니노프 같은 거장들이 이 곡을 “역사상 가장 위대한 첼로 협주곡”이라 극찬한 것은 꽤 나중의 일이지만, 그 모든 가능성의 씨앗은 이미 1872년 생상스의 작업실에서 움트고 있었던 셈입니다.

마들렌 성당의 오르가니스트로 재직하던 시절, 생상스는 파리에서 가장 분주한 음악가 중 한 사람이었지요. 연주, 지휘, 평론, 작곡을 모두 병행했으니까요. 그토록 바빴던 생상스가 첼로 협주곡을 쓴 것은 1872년, 딱 한 번뿐이었답니다. 그의 첼로 협주곡 2번도 존재하지만, 우리가 아는 1번은 바로 이 단 한 번의 시도로 탄생한 작품. 그리고 그 단 한 번의 시도는 영원히 역사에 남게 된 겁니다.

악장이 아닌 ‘섹션’ — 단악장 구조의 의미

협주곡의 일반적인 구성, 바로 3악장. 빠르게-느리게-다시 빠르게 이어지는 구성은 베토벤, 브람스, 드보르작 같은 대가들도 즐겨 사용했던 틀입니다. 하지만 생상스는 이 곡에서 과감히 그 공식을 깨뜨린 겁니다.

파리 음악원 콘서트홀 — 1873년 초연 장소 — 파리 음악원 콘서트홀 — 1873년 1월 19일 첼로 협주곡 1번이 초연된 무대

1섹션부터 3섹션까지 하나로 쭉 이어집니다. 악보에는 세 부분으로 나뉘어 있지만, 연주가 시작되면 20분간 쉼 없이 내달리는 구조이기도 합니다. 이러한 구성을 ‘순환 형식(cyclic form)’이라 부르는데, 리스트에게서 영향받은 생상스가 즐겨 쓰던 기법이죠. 파리 마들렌 성당의 오르가니스트로 재직하며 리스트와 교류했던 경험이 그 바탕이 된 까닭입니다.

어째서 이런 구조를 택했을까요? 바로 생상스 특유의 건축적인 사고가 돋보이는 지점입니다. 첫 섹션의 주제가 마지막에 다시 나타나 완전히 새로운 의미를 획득하는, 마치 잘 짜인 단편소설처럼 복선이 회수되는 듯한 경험.

그런데 이 독특한 단악장 구성이 클래식 초심자에게는 무척 반가운 소식일 겁니다. 악장 사이 박수 칠 타이밍을 고민할 필요가 전혀 없습니다. 그저 음악의 흐름에 몸을 맡긴 채 처음부터 끝까지 감상하면 그만. 드보르작 협주곡처럼 악장 구분이 뚜렷한 곡은 박수 타이밍이 꽤 신경 쓰이던데, 생상스 1번은 그런 걱정이 없어 마음이 편했습니다.

악장별 감상 가이드

1섹션(Allegro non troppo) — 서주 없이 바로 달리는 첼로

시작 장면은 앞서 말한 그대로입니다. 오케스트라의 단 한 번의 화음, 그리고 첼로. 그야말로 주저함 없는 등장입니다. 첫 주제가 a단조로 강렬하게 펼쳐지며 독주자가 즉시 무대의 주인이 되는 셈입니다.

카미유 생상스 초상화 (Boulanger 작) — 카미유 생상스 초상화, 루이 Boulanger 작. 이 협주곡을 쓸 당시 37세였다.

이 섹션에서 생상스가 선택한 방식이 참 흥미롭더군요. 독주 첼로를 ‘선언하는 악기’로 사용한 점입니다. 오케스트라가 배경을 제공하는 동안, 첼로는 계속해서 앞으로 나옵니다. 독주와 오케스트라가 ‘묻고 답하는’ 형식인데, 그 대화가 무척 빠르고 짧습니다. 긴 설명 없이 던지고 받고, 또 던지고 받는 식이죠. 도널드 토비 경(Sir Donald Francis Tovey)이 “독주 악기가 오케스트라를 뚫고 나오는 데 가장 적은 어려움을 갖는 첼로 협주곡”이라고 썼을 만큼, 첼로의 음역대 전체를 활용하면서도 어느 지점에서도 오케스트라에 묻히지 않는 겁니다.

첼로라는 악기는 그 특성상 낮은 음역에서 오케스트라 전체 소리에 묻히기 쉽습니다. 이것이 바로 피아노나 바이올린 협주곡에 비해 첼로 협주곡 작성이 까다로운 이유이기도 하죠. 생상스는 이 문제를 어떻게 해결했을까요? 그는 오케스트라 편성을 최소화하고 독주자의 음역 선택을 치밀하게 설계함으로써 돌파구를 찾았습니다. 오케스트라가 전면에 나설 때면 첼로를 높은 음역으로 올려 존재감을 잃지 않게 만들었습니다.

클라이맥스를 향해 달리던 이 섹션은 이내 갑자기 문을 닫아버립니다. 다음 문이 열리기 전의 정적. 바로 그 순간부터 완전히 다른 세계의 시작입니다.

2섹션(Allegretto con moto) — 약음기를 달고 춤추는 미뉴에트

여기서 많은 초보 청취자들이 당황하곤 하죠. 방금까지 긴장감 넘치게 달리던 음악이 갑자기 고전풍 미뉴에트로 바뀌기 때문입니다. 현악기에는 약음기(뮤트)를 달아 소리를 죽이니, 분위기가 완전히 달라지더군요. 조성 또한 a단조에서 B♭장조로 이동합니다. 마치 어둡고 날카로운 세계에서 갑자기 밝고 우아한 공간으로 들어선 느낌이랄까요?

미뉴에트는 본래 궁정 무용에서 비롯된 형식입니다. 우아하고 절제되어 있으며, 예측 가능한 춤곡. 생상스는 왜 이 섹션에 미뉴에트를 넣었을까요? 첫 섹션의 강렬함 뒤에 숨을 고르게 하려는 의도라는 분석, 그리고 프랑스적 우아함과 고전 형식에 대한 오마주라는 해석이 공존하는 셈입니다. 개인적으로는 후자 쪽에 더 마음이 기우는군요. 1872년, 프랑스 예술의 정체성을 찾으려던 시기에 프랑스 고전 음악의 상징인 미뉴에트를 협주곡 한가운데 놓는 것은 그 자체가 하나의 선언이었을 겁니다.

여기서 주목할 지점은 바로 첼로 카덴차입니다. 미뉴에트 중간에 독주 첼로가 홀로 연주하는 자유로운 구간이 나타납니다. 오케스트라가 완전히 침묵하고 첼로만 홀로 남는 순간입니다. 짧지만, 이 20분 남짓한 협주곡에서 가장 고요한 순간이죠. 약음기 달린 현악기들의 음색은 어딘가 꿈속처럼 흐릿한데, 카덴차에서 첼로 혼자 남는 그 순간이야말로 협주곡 전체에서 숨을 가장 세게 들이마시게 만드는 지점입니다.

3섹션(Tempo primo) — 돌아온 주제, 그러나 다른 결말

‘Tempo primo’는 ‘처음 빠르기로’라는 뜻의 지시어입니다. 1섹션의 주제가 돌아오며 에너지가 다시 폭발합니다. 생상스는 여기서 두 가지 일을 동시에 해냅니다. 첫 섹션의 재료를 재현하면서, 동시에 완전히 새로운 주제 두 개를 더 던져 넣더군요. 그리고 마지막에는 또 다른 새 아이디어를 첼로에 맡기는 겁니다.

이 지점이 바로 설계상 아주 흥미로운 부분입니다. 마지막 섹션에서 새로운 주제를 내놓는다는 건, 이야기가 결론으로 수렴하면서도 마지막까지 새로운 장을 여는 것과 같은 셈입니다. 작곡가가 청중에게 “아직 끝이 아니야!”라고 계속 속삭이는 것 같지 않나요? 처음 들었던 주제가 돌아왔을 때, 같은 주제임에도 미뉴에트 섹션을 통과한 뒤라 전혀 다른 색깔로 들립니다.

기술적으로 이 섹션은 협주곡 전체에서 가장 어려운 부분. 빠른 패시지가 쉴 새 없이 이어지고, 독주자의 양손이 그야말로 극한의 기교를 선보여야 하는 까닭입니다. 전문 첼리스트들조차 이 마지막 섹션을 ‘까다롭다’고 혀를 내두를 정도랍니다. 하지만 청중의 귀에는 그 기술적 어려움이 엄청난 에너지로 들릴 뿐입니다.

마침내 a단조로 시작한 곡이 A장조로 막을 내립니다. 단조에서 장조로의 전환, 즉 어둠에서 빛으로 나아가는 이 구조는 그때나 지금이나 청중에게 특별한 감흥을 선사했습니다. 특히 전쟁 후 침울했던 프랑스에서 초연되었다는 맥락을 알고 들으면, 이 A장조의 엔딩이 단순한 음악적 선택 이상으로 다가오는 겁니다.

12살 카잘스와 생상스 — 이 곡을 둘러싼 사람들

파블로 카잘스(Pablo Casals, 1876~1973)라는 이름을 들어보셨을까요? 20세기 첼로 연주의 기준을 세운 위대한 거장. 알고 보니 그가 12살 때, 생상스의 지휘 아래 이 첼로 협주곡 1번을 직접 연주했더군요.

오귀스트 톨베크 — 생상스 첼로 협주곡 1번 초연자 — 오귀스트 톨베크 — 생상스가 이 협주곡을 헌정한 첼리스트이자 초연 독주자

한번 상상해 보시죠. 작곡가 본인이 지휘봉을 들고, 앳된 10대 소년이 독주를 하는 그 모습. 카잘스는 이 강렬한 경험을 평생 잊지 못했습니다. 그리고 훗날 카잘스 자신이 이 협주곡의 표준 해석을 정립하기에 이릅니다. 작곡가가 심어준 씨앗이 한 연주자를 통해 꽃을 피운 셈입니다.

이 이야기가 특별히 의미 있는 것은 바로 이런 까닭입니다. 카잘스가 이 곡을 처음 접한 나이가 고작 12살이었다는 사실. 어린 나이에도 도전할 수 있을 만큼 기술적으로 접근 가능하면서도, 동시에 세계적인 거장들이 평생을 바쳐 탐구하는 깊이를 지녔다는 점이죠. 이처럼 기술적 완성도와 음악적 깊이를 모두 갖춘 협주곡이 얼마나 드문지 생각해 보면, 이 곡이 왜 ‘첼로 레퍼토리의 정점’이라 불리는지 금방 수긍하게 될 겁니다.

생상스, 바로 그 자신의 이야기도 빼놓을 수 없겠지요. 1835년에 태어나 1921년, 86세의 나이로 세상을 떠났습니다. 쇼팽과 베토벤이 사라진 시대에도 여전히 곡을 썼고, 들라크루아의 시대에 태어나 드뷔시와 라벨의 시대를 목격한 산증인. 실제로 86세 생일을 며칠 앞두고 알제리에서 눈을 감을 때까지 그의 작곡은 멈추지 않았습니다.

그랬던 생상스가 37세에 완성한 첼로 협주곡 1번. 이 곡은 그의 중기 시대를 대표하는 걸작이랍니다. 이미 모든 것을 증명한 거장의 노년도, 아직 세상에 이름을 알리기 전인 청년기도 아닌 바로 그 시기. 가장 날카롭고 솔직하게, 자신이 하고픈 음악적 언어를 마음껏 펼쳐낸 작품이라고 할 수 있겠지요.

처음 듣는다면 — 이것만 알고 들으세요

첫째, 처음부터 끝까지 끊기지 않습니다. 박수를 언제 쳐야 할지 걱정할 필요가 없을 겁니다. 20분 전체가 하나의 흐름으로 이어지는 구성.

파리 마들렌 성당 — 생상스가 오르가니스트로 재직한 곳 — 파리 마들렌 성당. 생상스는 이곳의 오르가니스트로 재직하며 이 협주곡을 작곡했다.

둘째, 오케스트라의 긴 서주가 없음. 시작과 동시에 첼로가 바로 등장합니다. 당시로서는 얼마나 파격적인 선택이었을지 떠올리며 감상한다면, 첫 화음과 첼로의 등장이 무척 특별하게 들릴 겁니다.

셋째, 중간에 갑자기 분위기가 확 바뀌는 셈입니다. 바로 약음기를 단 현악기들과 함께 미뉴에트가 펼쳐지는 2부의 시작인데, 처음에는 조금 어색하게 들릴지도 모른답니다. 이 극적인 대비야말로 생상스가 의도한 핵심인 까닭입니다.

넷째, 마지막에 이르러 단조가 장조로 바뀌며 끝나더군요. a단조로 시작해 A장조로 끝나는 독특한 구조인데, 음악을 들으며 그 전환의 순간을 직접 찾아보는 건 어떨까요? 처음 듣는 분이라도 그 극적인 변화를 분명히 느끼실 겁니다.

다섯째, 이 곡의 길이는 20분이 전부. 드보르자크 협주곡처럼 40분 넘게 집중해야 하는 부담이 없습니다. 출퇴근길 지하철 안에서 한 번에 끝까지 감상할 수 있는 분량입니다.

클래식 입문자들이 드보르자크나 엘가르를 거쳐 이 곡에 도달하는 경우가 많더군요. 그리고는 “왜 이 명곡을 이제야 알았을까?” 하는 감탄 섞인 반응. 20분이라는 짧은 시간 안에 협주곡이 보여줄 수 있는 모든 것을 담아낸 곡인 셈입니다. 바로 그 응축된 밀도야말로 이 협주곡의 가장 큰 매력.

다른 작품들에 남긴 흔적

1873년 초연 이후 이 협주곡의 평가는 꽤 빠르게 확산되었더군요. 특히 독일 낭만주의 작곡가들이 지배하던 유럽 음악계에서, 짧고 간결하며 효율적인 이 곡은 협주곡 형식에 대한 새로운 질문을 던진 셈입니다.

단악장 협주곡이라는 형식은 이후에도 계속 이어집니다. 브루흐의 스코틀랜드 환상곡, 리스트의 피아노 협주곡들, 그리고 20세기로 넘어와 여러 현대 협주곡들이 이 아이디어를 이어받게 된 겁니다. 그렇다면 생상스가 협주곡에 이 가능성을 처음 보여준 것이 아니었을까요?

그리고 이 곡이 지금도 첼로를 배우는 사람들에게 중요한 이유. 바로 국제 첼로 콩쿠르 필수 레퍼토리이자, 상급 학생들이 처음으로 도전하는 협주곡이기도 합니다. 진입 장벽은 있지만 일단 넘어서면 첼로의 모든 표현 영역을 다 써봤다는 느낌이 든다고들 했습니다.

요요 마가 드보르작, 엘가르, 하이든, 슈만과 함께 이 곡을 ‘위대한 첼로 협주곡 5개’에 포함시킨 것이 과연 그냥 한 선택이었을까요? 협주곡의 부피와 유명세에서 드보르작이나 엘가르에 뒤질지 몰라도, 음악적 밀도와 완성도에서만큼은 그 둘과 나란히 놓일 자격이 있다는 뜻인 셈입니다.

다른 곡들과 비교해보면 이 협주곡의 독특함이 더 선명해지는 법. 드보르작 협주곡이 체코의 민족 감성과 노스탤지어를 담고 있다면, 생상스 1번은 프랑스적 합리주의와 구조적 명확함을 담고 있습니다. 엘가르가 영국의 귀족적 감수성을 표현하는 반면, 생상스는 지성과 감정을 동등하게 다루고 있더군요. 같은 첼로 협주곡이지만 이처럼 완전히 다른 세계인 셈입니다. 세 곡을 비교하며 듣는 것은 클래식 감상의 또 다른 묘미가 될 겁니다.

악보와 함께 듣기

악보를 보며 감상하고 싶은 분들을 위해 IMSLP에서 원본 악보를 무료로 열람 가능합니다. 1873년에 출판된 원전 악보부터 현대적인 편집본까지 그 종류가 아주 다양합니다. 악보를 펼쳐두고 들으면 생상스가 첼로 파트를 얼마나 절묘하게 배치했는지, 오케스트라가 언제 전면에 나섰다가 물러서는지 눈으로 직접 확인하는 즐거움.

→ 첼로 협주곡 1번 Op.33 악보 보기 (IMSLP)

자주 묻는 질문

생상스 첼로 협주곡 1번은 몇 악장으로 이루어져 있나요?

엄밀히 말해 단악장(單樂章) 구성. 악보상으로는 세 부분(Allegro non troppo, Allegretto con moto, Tempo primo)으로 나뉘지만, 멈추지 않고 처음부터 끝까지 쭉 이어 연주했습니다. 당시 흔하던 3악장 협주곡 형식에서 벗어난 실험적 구성으로, 생상스가 리스트의 순환 형식에서 영향을 받아 채택한 방식인 셈입니다. 연주 시간도 약 20분 내외로 드보르작이나 엘가르 협주곡에 비해 훨씬 간결합니다. 덕분에 악장 사이 박수 타이밍을 걱정할 필요 없이 처음부터 끝까지 한 번에 감상됩니다.

생상스 첼로 협주곡 1번은 언제 작곡되고 초연됐나요?

1872년에 작곡되었는데, 바로 생상스가 37세 되던 해였습니다. 당시는 보불전쟁(1870~71) 직후 프랑스 음악 부흥 운동이 한창이던 시기였습니다. 이 협주곡이 단순한 음악적 욕심을 넘어 프랑스 음악의 자존심 회복이라는 시대적 맥락을 담고 있었던 까닭이죠. 초연은 이듬해인 1873년 1월 19일 파리 음악원 콘서트홀에서의 공연. 독주는 이 곡의 헌정자인 오귀스트 톨베크가 맡았고, 에두아르 델데베즈가 파리 음악원 관현악단을 지휘했답니다. 이 초연은 생상스의 음악적 위상을 파리 음악계에서 공고히 다지는 계기가 된 셈입니다.

생상스 첼로 협주곡 1번이 첼로 레퍼토리에서 중요한 이유는 무엇인가요?

드보르작이나 엘가르 협주곡만큼 대중적이진 않아도, 첼로 협주곡 역사에서 이 곡의 의미는 정말 상당합니다. 쇼스타코비치와 라흐마니노프 같은 거장들이 “역사상 가장 위대한 첼로 협주곡”으로 꼽았을 만큼 전문가들 사이에서 평가가 높습니다. 독주 첼로가 오케스트라를 뚫고 나와 전 음역대를 자유롭게 넘나드는 방식과 단악장 순환 구조라는 혁신이 이후 협주곡 작법에 큰 영향을 미친 겁니다. 첼리스트 요요 마 역시 이 곡을 드보르작, 엘가르, 하이든, 슈만 협주곡과 함께 ‘위대한 첼로 협주곡 5선’에 포함시켰지요. 국제 첼로 콩쿠르에서도 빠지지 않는 필수 레퍼토리.

어떤 첼리스트들이 생상스 첼로 협주곡 1번으로 유명한가요?

파블로 카잘스는 12살 때 생상스 본인의 지휘로 이 곡을 연주했는데, 훗날 이 협주곡의 표준 해석을 만드는 데 얼마나 큰 역할을 했을까요? 므스티슬라프 로스트로포비치 역시 여러 녹음을 남겼는데, 특히 1978년 줄리니와의 EMI 녹음이 오늘날 기준점으로 여겨지는 셈입니다. 자클린 뒤 프레의 1971년 바렌보임 지휘 녹음 또한 생기 넘치는 해석으로 큰 사랑을 받고 있지요. 요요 마, 피에르 푸르니에, 나탈리아 구트만 등도 빼놓을 수 없는 명연주자들. 이처럼 여러 세대에 걸쳐 최고 수준의 첼리스트들이 이 곡과 씨름했다는 사실 자체가 이 협주곡의 위상을 증명하는 겁니다.

생상스 첼로 협주곡 1번을 처음 듣는다면 어떻게 들어야 할까요?

우선 시작 부분에 주목해 보세요. 오케스트라 서주 없이 단 한 번의 화음 뒤에 곧바로 첼로가 등장하는 것이 이 곡의 첫 번째 매력입니다. 중간에 분위기가 완전히 바뀌는 미뉴에트 구간도 찾아보면 재미있는데, 약음기를 단 현악기들과 첼로 카덴차가 어우러지는 부분이지요. 마지막으로 단조로 시작한 곡이 장조로 화려하게 끝나는 클로징을 확인해 보세요. 처음 듣는 분이라도 그 극적인 전환의 순간이 분명 특별하게 느껴질 겁니다. 전체 20분이 쉼 없이 이어지니, 한 번에 쭉 감상할 것. 러닝타임이 짧아 감상 직후 바로 한 번 더 들어보는 것도 좋은 방법인데, 두 번째 들을 때 훨씬 많은 것이 들립니다.

생상스 – 첼로 협주곡 제1번 가단조 Op.33