말러 – 교향곡 제1번 D장조 거인

공연 초반, 부다페스트 비가도 콘서트홀의 객석은 관심 있게 귀를 기울였습니다. 지휘대에 선 작곡가는 악장이 끝날 때마다 박수를 받았습니다. 그런데 3악장 장례 행진곡이 지나가자 공기가 달라졌습니다. 피날레가 끝나자 객석에서 반발이 터져 나왔습니다. 그 자리에 있던 비평가 아우구스트 베어(August Beer)는 “작지만 분명히 들리는 반발”이 있었다고 적었습니다. 이튿날 신문 평은 적대적이거나 깔보는 투로 갈렸고, 호평은 헝가리 비평가 요제프 케슬레르(József Keszler)가 쓴 단 한 편뿐이었습니다. 스물아홉 살 작곡가는 훗날 친구 나탈리에 바우어-레히너(Natalie Bauer-Lechner)에게 그날을 이렇게 털어놓았습니다. 그가 한 말을 그녀가 일기에 적어 둔 덕에 지금까지 남았습니다. “페스트에서 이 곡을 처음 연주한 뒤, 친구들은 쑥스러운 듯 나를 피했다. 아무도 연주와 내 작품 얘기를 꺼내지 못했고, 나는 병자나 추방된 사람처럼 돌아다녔다.”

1889년 11월 20일, 구스타프 말러의 첫 교향곡이 세상에 나온 날의 풍경입니다. 그런데 137년이 지난 지금, 이 곡은 세계 유수의 오케스트라가 정규 레퍼토리로 올리는 교향곡이 됐습니다. 녹음만 150종이 넘습니다. 당대에 외면당한 음악이 어떻게 되살아났을까요. 답은 그날의 부다페스트 안에 다 들어 있습니다.

남의 곡을 지휘하며 밤을 새운 청년

1887년 라이프치히. 스물일곱 살의 말러는 이곳 오페라 극장의 부지휘자였습니다. 수석이 아니라 부지휘자. 그의 위에는 아르투어 니키슈(Arthur Nikisch)라는 당대 최고의 지휘자가 버티고 있었고, 말러는 니키슈가 자리를 비울 때만 지휘봉을 잡았습니다. 낮에는 남의 오페라를 지휘하고, 밤이 되면 자기 음악을 써 내려간 나날.

밤마다 그의 악보 위로는 어린 시절이 자꾸 겹쳐졌습니다. 보헤미아(지금의 체코) 시골 마을 칼리슈트에서 보낸 기억들이었습니다. 새벽 숲의 뻐꾸기 소리, 마을 광장의 투박한 춤, 멀리서 들려오던 군악대 행진곡. 이 잡다한 소리들이 하나의 거대한 교향곡으로 뭉쳐 가고 있었습니다.

이렇게 어긋나는 소리들을 한자리에 엮은 데는 이유가 있습니다. 말러는 훗날 자신을 ‘세 번의 이방인’이라 불렀습니다. 오스트리아인들 사이에서는 보헤미아인, 독일인들 사이에서는 오스트리아인, 온 세계 사람들 사이에서는 유대인. 어디에도 온전히 속하지 못한 사람의 자기 고백이었습니다. 고상한 빈 왈츠와 흙냄새 나는 시골 춤이 나란히 놓입니다. 장엄한 장례 행진곡 사이로 난데없이 선술집 가락이 끼어들기도 합니다. 이 곡의 이런 성격은 말러가 실제로 살아낸 삶의 모양 그대로였습니다.

1888년 3월, 마침내 완성했습니다. 몰아붙여 여섯 주 만에 끝낸 작곡이었습니다. 하지만 완성이 곧 무대는 아니었습니다. 무명 작곡가의 기이한 교향곡을 올려 줄 오케스트라를 구하는 데 다시 1년 반이 걸렸으니까요. 그렇게 1889년 11월 20일, 부다페스트에서 초연의 막이 올랐습니다. 결과는 앞에서 본 그대로입니다. 비평은 참담했습니다.

‘거인’이라는 이름을 붙였다가 스스로 지운 사연

이 곡의 별명 ‘거인(Titan)’은 남이 붙인 게 아닙니다. 말러 본인이 직접 골랐습니다. 독일 소설가 장 파울(Jean Paul)의 소설 《거인》에서 가져온 이름인데, 세상과 맞서며 제 길을 찾아가는 한 청년의 이야기입니다. 말러는 그 주인공에게서 자기 얼굴을 봤습니다.

그런데 반전이 있습니다. 말러는 이 별명을 딱 두 번 쓰고 스스로 거둬들였습니다. 1893년 함부르크, 1894년 바이마르. 그게 전부였습니다. “내 음악에 문학적 꼬리표를 붙이지 말라”는 게 그의 입장이었고, 소설 줄거리와 이 교향곡은 아무 상관이 없다고 못을 박았습니다.

말러가 이렇게까지 예민하게 굴 때는 사정이 있었습니다. 당시 리하르트 슈트라우스 같은 작곡가들이 ‘표제 음악’을 한창 유행시키고 있었거든요. 구체적인 이야기나 그림을 소리로 그려 보이는 음악 말입니다. 말러는 자기 교향곡이 그런 식으로 분류되는 걸 질색했습니다. 음악은 음악 그 자체로 들려야 한다는 신념이었습니다. 그래도 한번 붙은 별명은 잘 떨어지지 않아서 130년이 넘도록 이 곡은 여전히 ‘거인’입니다. 4악장 끝까지 들어 보면, 그 이름이 결코 과하지 않다는 걸 알게 됩니다.

1악장 — 안개 속에서 세상이 깨어납니다

교향곡이라면 으레 웅장한 화음으로 문을 열리라 기대하기 마련입니다. 이 곡은 정반대입니다. 현악기 전체가 아주 높고 가느다란 ‘라(A)’ 음 하나를 일곱 옥타브에 걸쳐 끝없이 늘어뜨리며 시작합니다. 뭔가 시작된 건지 아닌지조차 헷갈릴 만큼 희미한 소리입니다.

해 뜨기 직전, 안개 자욱한 들판을 떠올리면 감이 잡힙니다. 그 위로 뻐꾸기 울음 같은 4도 하행 음형(높은 음에서 낮은 음으로 뚝 떨어지는 소리)이 흩뿌려지고, 어딘가 먼 곳에서 트럼펫 세 대가 군악대 신호를 붑니다. 이 대목은 실제로 무대 ‘밖’에서 연주합니다. 말러가 악보에 “무대 뒤에서 연주할 것”이라고 직접 써넣었습니다. 소리가 저 멀리서 밀려오는 듯한 거리감을 노린 장치입니다.

이런 시작이 아주 없던 건 아닙니다. 브루크너 교향곡 4번 《낭만적》의 현악 트레몰로 오프닝이 대표적입니다. 다만 말러는 거기서 한 발 더 나아갑니다. 안개 속에서 수많은 소리가 겹치고 부딪치다가, 그 틈으로 주제가 서서히 모습을 드러냅니다. 브루크너가 대성당의 첫 주춧돌을 놓는 건축가였다면, 말러는 안개가 걷히는 순간을 붙잡으려는 풍경화가였습니다.

곧이어 활기찬 선율 하나가 터져 나오는데 그 출처가 흥미롭습니다. 말러가 따로 쓴 가곡집 《방랑하는 젊은이의 노래》 중 ‘아침 들판을 걸어가며’를 통째로 옮겨 온 멜로디입니다. 가곡(Lied)은 피아노 반주에 맞춰 부르는 독일 예술가곡입니다. 말러는 자기 노래를 교향곡 속에 그대로 심어 놓은 것입니다. 아침 들판을 걷는 젊은이의 벅찬 기쁨, 그것이 1악장의 문을 여는 주제입니다.

그런데 이 기쁨은 마냥 순수하지 않습니다. 밝은 선율 뒤편으로 불안한 음형이 끝까지 따라붙습니다. 청춘의 환희와 그 밑바닥에 깔린 그늘, 말러는 첫 악장부터 두 감정을 포개 놓았습니다. 시작이 너무 더디게 느껴진다면, 그 답답함 자체가 말러의 계산입니다. 안개가 걷히기까지의 시간, 세상이 깨어나는 데 드는 시간, 그 기다림을 견디는 인내가 이 악장의 핵심이니까요.

🎧 여기서 들으세요 — 1악장 초입, 현악의 희미한 고음이 깔리면 볼륨을 조금 올려 무대 밖 트럼펫 신호에 귀를 맡겨 보세요. 소리가 어디서 나는지 처음엔 헷갈립니다. 그게 정상적인 반응입니다.

2악장 — 흙먼지가 이는 시골 축제

2악장에 들어서면 공기가 확 바뀝니다. 씩씩하고 투박한 춤곡이 밀고 들어옵니다. 렌틀러(Ländler)라 부르는 오스트리아 시골 춤인데, 우아한 빈 왈츠와는 결이 완전히 다릅니다. 흙먼지 이는 마을 광장에서 젊은이들이 어깨동무하고 발을 쿵쿵 구르는, 거친 에너지 그 자체입니다.

말러를 처음 듣는 사람은 여기서 고개를 갸웃할 수 있습니다. ‘이것도 교향곡인가?’ 하는 의문이 든다면, 교향곡은 응당 품위 있어야 한다는 고정관념이 작동한 겁니다. 그리고 그 당혹감이야말로 말러가 노린 진짜 효과입니다.

여기 재미있는 뒷이야기가 하나 붙습니다. 말러는 원래 이 곡에 ‘블루미네(Blumine)’, 곧 ‘꽃의 악장’이라는 걸 하나 더 끼워 두고 있었습니다. 1악장과 2악장 사이에서 트럼펫이 서정적인 세레나데를 부르는 아주 부드러운 악장이었습니다. 1884년 다른 작품을 위해 써 둔 음악을 가져다 붙였는데, 결국 1896년에 잘라냈습니다.

빠진 블루미네 악보는 그 뒤로 오랫동안 행방을 알 수 없었습니다. 그러다 70년이 지난 1966년, 영국 음악학자 도널드 미첼(Donald Mitchell)이 극적으로 다시 찾아냈습니다. 이듬해인 1967년에는 벤저민 브리튼(Benjamin Britten)이 직접 지휘해 부활 초연까지 열렸습니다. 요즘 연주되는 표준 판본에는 이 악장이 빠져 있지만, 궁금하다면 블루미네를 포함한 특별 녹음을 찾아 들어 볼 수 있습니다. 직접 들어 보면 말러가 왜 이 악장을 “불필요하다”며 덜어냈는지 짐작할 수 있습니다. 지나치게 달콤하고, 혼자만 곱게 차려입은 분위기라, 교향곡 전체를 관통하는 투박한 에너지와 도무지 어울리지 않습니다.

🎧 여기서 들으세요 — 2악장 도입부, 첼로와 콘트라베이스가 발을 구르듯 리듬을 깔면 자기도 모르게 발끝이 까딱거립니다. 그 순간 이 음악은 제 할 일을 다 한 셈입니다.

동요가 장례 행진곡으로 바뀌는 순간 — 3악장

이 교향곡에서 가장 기묘하고, 가장 ‘말러다운’ 악장입니다. 1889년 초연 때 청중이 제일 크게 당황한 대목이 바로 여기였습니다.

낮고 둔탁한 팀파니가 걸음을 떼며 장례 행진곡이 시작됩니다. 그런데 선율을 맡은 악기가 참 이상합니다. 콘트라베이스 한 대가 홀로 노래합니다. 오케스트라에서 가장 크고 낮은 소리를 내는 이 악기가 독주라니, 극히 드문 선택입니다. 어둡고 쉰 듯한 그 소리가 나지막이 흐르는 순간, 귀에 익은 무언가가 스칩니다.

곧 정체를 알아챕니다. ‘프레르 자크(Frère Jacques)’입니다. 한국에서는 제목보다 멜로디가 더 익숙한 그 프랑스 동요, 독일과 오스트리아에서는 ‘브루더 마르틴(Bruder Martin)’으로 불리던 노래입니다. 다만 원래의 밝고 경쾌한 장조는 온데간데없고, 어둡고 처연한 단조로 바뀌어 있습니다. 친숙하던 동요가 한순간에 죽음의 노래로 바뀌는 이 대목은, 교향곡 전체에서 가장 소름 돋는 순간일지 모릅니다.

흥미롭게도 이 단조 선율은 말러의 순수 창작이 아닙니다. 19세기 오스트리아에는 이 노래를 단조로 부르던 관습이 있었습니다. 말러는 어릴 때 귀에 박힌 그 버전을 그대로 옮겨 온 것입니다. 동요를 일부러 비튼 게 아니라, 그가 기억하던 노래가 애초에 단조였던 셈입니다.

이 악장은 19세기 오스트리아 화가 모리츠 폰 슈빈트의 목판화 한 장에서 출발했다는 이야기가 전해집니다. ‘사냥꾼의 장례(Des Jägers Leichenbegängnis)’라는 그림입니다. 죽은 사냥꾼의 관을 숲속 짐승들이 메고 가는 기이한 행렬인데 동물들의 표정이 묘합니다. 슬퍼하는 듯하면서도 한편으론 고소해하는 얼굴입니다. 사냥당하던 처지였으니 그럴 만합니다. 말러는 이 악장에 ‘사냥꾼의 장례 행진, 칼로 풍으로’라는 부제를 달았습니다. ‘칼로 풍(im Callot’schen Stil)’은 E.T.A. 호프만의 풍자적 환상 소설에서 따온 표현으로, 그로테스크하면서도 블랙코미디 같은 분위기를 가리킵니다.

그러다 분위기가 완전히 뒤집힙니다. 엄숙한 장례 행렬 한복판에, 느닷없이 집시풍 선술집 음악이 끼어듭니다. 흥청거리는 통속적 가락과 장송곡이 기괴하게 뒤엉키는 광경입니다. 1889년의 청중에게는 이보다 더 큰 충격이 없었을 겁니다. 장례식에 웬 주막 음악이냐는 반응이었겠죠.

하지만 돌이켜보면 우리 현실도 다르지 않습니다. 장례식장 옆 건물에서 결혼 피로연이 열리고, 비극과 희극이 한 공간에 나란히 놓이는 게 삶입니다. 말러는 그 모순을 역사상 처음으로, 아무 포장 없이 교향곡 안에 들여놓았습니다. 말러는 고상한 것과 저속한 것을 가르던 벽을 허물고 둘을 한 무대에 세웠습니다. 이 발상은 훗날 쇼스타코비치의 냉소나 베리오의 콜라주처럼 20세기 음악이 즐겨 쓰는 어법의 출발점이 됐습니다. 그러니 3악장이 낯설게 들린다면, 1889년 그날의 청중과 비슷하게 반응하고 있다는 뜻입니다.

🎧 여기서 들으세요 — 3악장에 들어서면 콘트라베이스 독주부터 붙잡으세요. ‘프레르 자크’가 장송곡으로 뒤집힌 걸 알아채는 순간이 옵니다. 그리고 장례 행렬 한가운데로 밝은 선술집 가락이 비집고 드는 대목, 그 충돌을 놓치지 마세요.

지옥에서 천국으로 — 4악장 피날레

말러가 4악장에 처음 붙인 부제는 “지옥에서 천국으로(Dall’Inferno al Paradiso)”였습니다. 단테의 《신곡》을 의식해 이탈리아어로 적었습니다. 그리고 이 부제는 결코 과장이 아니었습니다.

첫 음부터 폭발합니다. 심벌즈가 작렬하고 관악기 전체가 f단조(F minor, 어둡고 날카로운 단조)의 거대한 불협화음을 쏟아냅니다. 3악장의 기묘한 장례 행진이 잦아들자마자 이 충격파가 터지니, 객석은 순간 움찔합니다. 말러가 남긴 프로그램 노트에는 “깊이 상처받은 마음의 갑작스러운 분출”이라고 적혀 있었습니다.

이 악장은 절망에서 출발해 처절한 몸부림을 지나 마침내 환희로 치닫습니다. f단조로 시작한 음악이 D장조(D major)로 넘어가기까지 약 20분이 걸리는데 그 밀도가 대단합니다. 앞선 세 악장의 주제들이 스쳐 지나가고, 끝내 완전히 새로운 승리의 선율이 솟구쳐 오릅니다.

이 악장이 특별한 또 하나의 이유는 구성이 놀랄 만큼 솔직하다는 점입니다. 말러는 승리가 결코 쉽게 오지 않는다는 걸 감추지 않습니다. 클라이맥스에 거의 닿았다 싶으면 음악이 와르르 무너지고, 다시 맨 아래부터 기어오릅니다. 이 과정이 두 번, 세 번 되풀이됩니다. 처음 듣는 사람은 “이제 끝났나?” 싶은 지점에서 또 새 전투가 시작되니 당황하기 쉽습니다. 바로 그게 말러의 의도였습니다. 진짜 승리는 그만큼 어렵게 온다는 뜻이었을 겁니다.

그리고 피날레의 정점, 이 곡의 전설적인 장면이 옵니다. 호른 연주자 일곱 명이 자리에서 벌떡 일어나 선 채로 붑니다. 말러가 악보에 “벨을 위로!(Schalltrichter auf!)”라고 직접 써 두었거든요. 보통은 앉아서 연주하는데, 일곱 명이 동시에 일어나 호른 벨을 천장으로 치켜들면 소리의 물리적 압력이 달라집니다. 소리가 연주자 몸에 먹히지 않고 객석으로 곧장 날아오는 것입니다. 여기에 트럼펫 다섯, 트롬본 넷, 튜바까지 총동원됩니다. 말러는 클라리넷도 E♭ 클라리넷(보통 클라리넷보다 높고 날카로운 소형 악기)을 포함해 포르티시모 구간에서 인원을 두 배로 늘리라고 지시했고, 팀파니는 두 사람이 여섯 대를 두드립니다. 이쯤 되면 웬만한 콘서트홀 벽이 쩌렁쩌렁 울립니다.

공연장에서 이 순간을 직접 겪은 사람 중에는 등줄기가 서늘해졌다가 끝내 눈시울을 붉히는 이가 적지 않습니다. 절망의 바닥에서 시작해 천국까지 내달리는 이 20분. 스물아홉 살 말러가 세상에 던진 첫 번째 외침이었습니다.

🎧 여기서 들으세요 — 4악장 후반, 음악이 몇 번이나 무너졌다 다시 오르는 흐름을 참고 따라가다 보면, 호른 주자들이 한꺼번에 일어서는 그 순간이 옵니다. 왜 이 곡이 ‘거인’인지 몸으로 알게 됩니다.

왜 청중은 등을 돌렸는가 — 1889년의 상식

1889년 부다페스트 청중이 왜 그토록 당황했는지 이해하려면, 그 시절 교향곡의 ‘상식’을 먼저 짚어야 합니다.

19세기 말, 교향곡이란 베토벤이 세운 형식을 따르는 게 정설이었습니다. 장엄하고 논리적이며 감정은 절제된 테두리 안에 머물러야 했습니다. 브람스가 그 전통을 이어받아 한층 엄격하게 다졌고, 청중 역시 그 틀에 완전히 길들어 있었습니다. 이 시대의 교향곡이 어떤 얼굴이었는지는 브람스 교향곡 1번을 나란히 들어 보면 대번에 감이 옵니다.

그런데 말러는 이 상식을 몽땅 뒤엎었습니다. 뻐꾸기 소리, 시골 춤, 단조로 뒤틀린 어린이 동요, 게다가 그 사이를 파고드는 선술집 음악까지. 지극히 사적이고, 잡다하고, 통제 불능처럼 보였으니, 당대 비평가의 눈에는 ‘질서 없는 혼돈’으로만 비쳤을 겁니다.

재미있는 건, 오늘날 우리가 이 곡을 처음 들으며 위화감을 느끼는 지점도 정확히 그 대목이라는 사실입니다. 3악장 동요 장례곡 앞에서 “이게 뭐지?” 싶은 건 현대 청중도 마찬가지입니다. 차이는 하나뿐입니다. 지금의 우리는 그 위화감을 ‘의도된 파격’으로 받아들일 준비가 돼 있지만, 1889년 사람들에겐 그럴 언어가 없었습니다. 이런 의미에서 말러는 시대를 70년쯤 앞서갔습니다. 팝 음악이 장르 혼합을 일상으로 만들고 영화 음악이 감정의 급격한 낙차를 익숙하게 만든 오늘, 그의 교향곡이 편하게 들리는 건 당연한 결과입니다.

반세기 뒤에 찾아온 부활 — 말러 르네상스

초연이 참담하게 끝나자, 말러는 이 곡에 계속 손을 댔습니다. 1893년 함부르크, 1894년 바이마르, 1896년 베를린 공연을 거치며 악보를 쉼 없이 고쳤습니다. 블루미네 악장을 덜어내고 표제를 지웠으며, 오케스트라 편성은 오히려 키워서, 다섯 악장짜리 교향시를 지금의 네 악장 교향곡으로 다듬어 냈습니다.

흥미롭게도 말러는 자기 교향곡 가운데 유독 1번을 가장 많이 지휘했습니다. 가장 먼저 쓴 작품이자 혹평에 시달린 곡인데도 끝까지 애정을 거두지 않았습니다. 하지만 그가 살아 있는 동안 그의 교향곡들은 제값을 받지 못했습니다. 1911년, 쉰 살의 나이로 세상을 떠난 그. 진짜 변화의 바람은 그로부터 다시 50년이 흐른 뒤에야 불었습니다.

미국의 지휘자이자 작곡가, 타고난 쇼맨이던 레너드 번스타인(Leonard Bernstein)이 말러에게 빠져들었습니다. 1960년대, 번스타인은 텔레비전이라는 새 매체로 말러의 교향곡을 열정적으로 알렸고, 뉴욕 필하모닉과 전곡 녹음까지 마쳤습니다. 여기서 ‘말러 르네상스’가 시작됐습니다. 하필 1960년대였던 데는 이유가 있습니다. 초연 청중이 등을 돌렸던 장르의 혼합, 아이러니, 극단적 감정 낙차, 고상함과 저속함의 뒤섞임. 이 요소들이 20세기 후반의 감수성과 정확히 맞물렸거든요. 록이 등장하고 반문화가 꽃피며 하나의 고정된 미적 기준이 무너지던 시대, 그 시대가 마침내 말러를 불러냈습니다.

말러 자신도 이걸 예감했던 모양입니다. “나의 시대가 올 것이다(Meine Zeit wird kommen).” 허세로만 들리던 이 말은 결국 예언이 됐습니다. 오늘날 말러는 세계 유수의 오케스트라의 정규 레퍼토리로 자리 잡았고, 교향곡 전곡 연주 시리즈는 명문 악단의 단골 기획이 됐습니다. 그 거대한 세계의 첫 문이 바로 1번이고, 이 문은 곧장 말러 교향곡 2번 《부활》로 이어집니다.

악보와 함께 듣기

악보를 눈으로 따라가며 전 악장을 훑고 싶다면, 아래 악보 동기화 영상이 좋은 안내가 됩니다. 콘트라베이스 독주로 문을 여는 3악장, 호른이 일제히 일어서는 4악장 피날레가 어느 마디에서 벌어지는지 한눈에 잡힙니다.

원본 악보는 무료 악보 도서관 IMSLP에 공개돼 있습니다. 말러 교향곡 1번 D장조 악보 보기 (IMSLP)

어떤 연주로 시작할까

말러 1번은 녹음이 워낙 많아 고르는 일부터가 숙제입니다. 용도에 따라 세 장을 추렸습니다. 뜨겁게 시작할지, 꼼꼼히 파고들지, 날것으로 부딪칠지에 맞춰 골랐습니다.

같은 1890년대에 태어난 또 하나의 교향곡, 드보르작 교향곡 9번 《신세계로부터》를 좋아한다면 말러 1번과 나란히 들어 보세요. 같은 시기에 교향곡의 길을 정반대 방향으로 개척한 두 사람의 차이가 선명하게 드러납니다.

자주 묻는 질문

참고 자료

• Wikipedia — Symphony No. 1 (Mahler)
• IMSLP — Symphony No. 1 (Mahler, Gustav) 악보·판본
• Wikipedia — Blumine (삭제된 악장의 재발견 경위)
• Encyclopædia Britannica — Symphony No. 1 in D Major

이어서 듣기 — 거인이 열어 준 다음 문들

말러 1번이 마음에 남았다면, 아래 다섯 곡은 취향이 겹칠 확률이 높습니다. 같은 작곡가의 세계로 더 들어가거나, 같은 시대·같은 전통의 다른 얼굴을 만나 보는 조합입니다.

• 말러 교향곡 2번 《부활》
  1번이 던진 삶과 죽음의 질문을 정면으로 받아, 합창까지 동원해 부활의 서사로 밀어붙인 다음 장입니다.
• 말러 《방랑하는 젊은이의 노래》
  1악장 주제의 원본이 여기 있습니다. 실연을 딛고 길을 떠난 청년의 노래가 처연하면서도 아름답습니다.
• 브루크너 교향곡 4번 《낭만적》
  1악장의 안개 오프닝이 어디서 왔는지 알려 주는 곡. 숲속 뿔피리와 중세의 환상이 현악 트레몰로 위로 피어납니다.
• 드보르작 교향곡 9번 《신세계로부터》
  말러 1번과 같은 시대에 태어난 교향곡. 교향곡의 길을 정반대로 개척한 두 사람의 차이를 나란히 확인할 수 있습니다.
• 브람스 교향곡 1번
  말러가 뒤엎으려 했던 ‘엄격한 교향곡’의 정점. 이 곡을 먼저 들으면 말러의 파격이 얼마나 도발적이었는지 체감됩니다.

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