비외탕 – 바이올린 협주곡 제5번 a단조 Op.37

작곡가

앙리 비외탕
(Henri Vieuxtemps, 1820–1881)

작품명

바이올린 협주곡 5번 a단조 Op.37

조성

a단조

작곡 시기

1858–1859년

출판

1861년

장르

바이올린 협주곡

악장 구성

3악장 (중단 없이 연주)
I. Allegro non troppo (a단조)
II. Adagio (F장조)
III. Allegro con fuoco, Poco meno mosso (a단조)

1악장 너무 빠르지 않게 (a단조)
2악장 느리게 (F장조)
3악장 불처럼 빠르게, 조금 느리게 (a단조)

편성

독주 바이올린, 오보에 2, 클라리넷 2, 파곳 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현악 5부

연주 시간

약 18~20분

브뤼셀 음악원 학생들이 졸업 시험에서 가장 두려워하는 곡이 있습니다. 그런데 그 곡이 하필 ‘콩쿠르 테스트 피스’로 만들어진 곡입니다. 비외탕 협주곡 5번. 1858년, 비외탕의 친구이자 바이올린 교수였던 위베르 레오나르(Hubert Léonard)가 부탁을 하나 합니다. 브뤼셀 음악원 입학 시험 곡으로 쓸 협주곡 하나 써달라고요. 이 부탁으로 탄생한 곡이 비외탕 협주곡 5번입니다.

그런데 이 경위가 좀 아이러니합니다. 시험 곡으로 만들어진 협주곡이 이제는 바이올린 레퍼토리에서 가장 연주하기 어려운 곡 중 하나로 꼽히거든요. 카덴차 직전의 e단조 마르텔레(martelé) 섹션, 끊임없이 이어지는 트릴, 가혹한 화음 아르페지오… 바이올린 고수들조차 이 곡을 앞두면 어깨가 굳는다고 합니다. 시험 출제자가 이 정도 난이도를 의도했다면, 레오나르는 상당히 잔인한 사람이었던 셈입니다.

그럼에도 이 곡은 레퍼토리에서 살아남았습니다. 아니, 살아남은 정도가 아니라 번성했습니다. 국제 바이올린 콩쿠르에서 단골로 등장하고, 음반 카탈로그에서 꾸준히 재발매되며, 젊은 연주자들이 데뷔 프로그램에 올리는 곡입니다. 왜일까요?

잊혀질 뻔한 곡이 살아남은 이유

비외탕 협주곡 5번은 사실 한때 거의 사라질 뻔했습니다. 19세기 말부터 20세기 초까지, 이 곡은 레퍼토리에서 조용히 밀려났습니다. 낭만주의 바이올린 협주곡들이 워낙 많았고, 차이콥스키와 브람스, 멘델스존 협주곡들이 무대를 장악하면서 비외탕의 이름은 점점 희미해졌습니다.

그 시절 상황을 잘 기록한 사람이 레오폴드 아우어(Leopold Auer)입니다. 하이페츠, 엘만 등을 가르친 전설적인 페테르부르크 바이올린 교수죠. 아우어는 1925년에 이런 말을 남겼습니다. 비외탕 5번은 사실상 잊혀진 상태지만, 작곡가의 의도대로 연주한다면 대부분의 청중을 감동시키지 못할 리 없다고요. 잊혀진 걸 아는 사람이 잊혀지면 안 된다고 말하는 상황, 좀 애잔하죠.

다행히 이 곡을 살려낸 연주자들이 있었습니다. 야샤 하이페츠가 대표적입니다. 하이페츠가 이 협주곡을 녹음하고 연주 프로그램에 올리면서, 비외탕 5번은 새 생명을 얻었습니다. 하이페츠의 연주를 들은 청중들이 ‘이게 그 잊혀진 비외탕이야?’라는 반응을 보였고, 이후 바이올린 교수들이 다시 이 곡을 가르치기 시작했습니다. 오늘날 이 곡이 콩쿠르와 리사이틀 무대에서 당당히 자리를 지키는 건, 어떤 의미에서 하이페츠 덕분입니다.

하이페츠 이후로도 이 곡의 명맥을 이은 연주자들이 등장했습니다. 헨릭 셰링, 나탄 밀스타인, 막심 벵게로프… 세대를 넘어 바이올리니스트들이 이 협주곡을 선택하는 데는 이유가 있습니다. 20분 안에 바이올린이라는 악기의 모든 가능성을 보여줄 수 있는 곡이기 때문입니다. 연주자의 관점에서 이 곡은 자신의 기량을 입증할 기회이고, 청중의 관점에서는 최고 수준의 기교를 20분 만에 응축해서 경험하는 기회입니다.

비외탕은 누구인가 — 파가니니가 인정한 소년

1820년 벨기에 베르비에(Verviers)에서 태어난 앙리 비외탕은, 말 그대로 타고난 바이올리니스트였죠. 여섯 살에 처음 공연 무대에 섰고, 열세 살에 독일 투어를 다니며 루이 슈포어와 로베르트 슈만의 칭찬을 받았습니다. 슈만은 이 아이를 두고 파가니니에 비길 만하다고 했다니, 당시 어른들이 얼마나 놀랐겠습니까.

그 파가니니 본인도 비외탕을 직접 들었습니다. 1834년 런던 데뷔 공연에서입니다. 파가니니는 당시 예순을 앞두고 있었고, 비외탕은 열네 살이었습니다. 악마의 바이올리니스트로 불리던 전설이 십대 소년의 연주를 들었을 때 어떤 표정을 지었는지는 기록이 남지 않았지만, 이 만남 자체가 한 시대의 상징적인 순간이었습니다.

비외탕의 스승은 브뤼셀의 샤를 드 베리오(Charles de Bériot)였습니다. 드 베리오는 당시 유럽에서 가장 유명한 바이올리니스트 중 한 명이었고, 1829년에 어린 비외탕을 파리로 데려갔습니다. 비외탕은 파리에서 성공적인 데뷔 공연을 가졌지만, 이듬해 7월 혁명으로 파리가 혼란에 빠지면서 브뤼셀로 돌아와야 했습니다. 스승도 자신의 연인이었던 성악가 마리아 말리브란(Maria Malibran)과 함께 투어를 떠났죠. 열 살짜리 혼자 남겨진 셈이었습니다.

그러나 비외탕의 커리어에서 정작 중요한 시기는 러시아에서 보낸 세월입니다. 1846년부터 1851년까지, 그는 차르 니콜라이 1세의 궁정 음악가로 상트페테르부르크에 머물렀습니다. 이 시기에 그는 페테르부르크 음악원의 바이올린 교육 체계를 세우고, 훗날 ‘러시아 바이올린 학파’로 발전할 기틀을 닦았습니다. 아우어, 하이페츠로 이어지는 그 계보의 출발점에 비외탕이 있는 겁니다.

러시아에서 돌아온 비외탕은 계속해서 유럽 곳곳을 연주 여행했습니다. 피아니스트 지기스몬트 탈베르크와 함께 미국도 다녔죠. 그가 방문한 거의 모든 도시에서 그는 최고의 예우를 받았습니다. 특히 헥토르 베를리오즈는 비외탕의 연주를 듣고 “바이올린과 오케스트라를 위한 웅장한 교향곡”이라고 표현했습니다. 협주곡을 교향곡이라고 부를 정도였으니, 비외탕의 작품이 단순한 독주자 전시를 넘어섰다는 걸 알아본 거죠.

그러다가 비외탕의 말년은 비극적이었습니다. 1871년 브뤼셀 왕립 음악원 교수로 귀국한 지 불과 2년 만에 뇌졸중이 오른팔을 덮쳤습니다. 활을 잡을 수 없게 된 바이올리니스트. 말 그대로 존재의 핵심을 잃은 셈입니다. 이후 그는 알제리의 요양원에서 생의 마지막을 보내며 곡만 썼습니다. 연주도 못하고, 유럽 음악계의 소식도 제대로 전해 듣지 못한 채로요. 브뤼셀 음악원에서 그의 자리는 제자였던 외젠 이자이(Eugène Ysaÿe)와 헨리크 비에니아프스키(Henryk Wieniawski)에게 넘어갔습니다. 1881년, 예순한 살에 알제리에서 생을 마쳤습니다.

협주곡 5번은 그 비극적인 말년이 오기 전, 비외탕이 한창 전성기를 구가하던 시절의 작품입니다. 1858~1859년이면 그가 39세 전후였으니, 기교와 음악성이 최고조에 달했던 때입니다.

악장별 감상 — 세 악장이 쉬지 않고 달린다

이 협주곡의 가장 특이한 점 중 하나는 세 악장이 중단 없이 이어진다는 겁니다. 악장 사이에 박수를 치려다가 당황하게 되는 구조죠. 총 연주 시간은 약 18~20분. 협주곡 치고는 짧습니다. 그런데 이 20분 안에 비외탕은 상당히 많은 것을 집어넣었습니다.

악장이 붙어 있다는 것, 사실 의도적인 선택입니다. 베토벤이 피아노 협주곡 4번에서 악장들을 매끄럽게 연결하는 방식을 써서 청중을 놀라게 했듯, 비외탕도 세 악장이 하나의 흐름을 이루는 구조를 택했습니다. 멈춤이 없다는 건 청중에게 계속 집중해야 한다는 요구이기도 하고, 연주자에게는 에너지를 어떻게 분배할지 계산해야 한다는 과제이기도 합니다.

1악장 — 도입과 도전, 처음부터 독주자를 시험하는 구조

오케스트라가 먼저 주제를 제시합니다. a단조의 장중한 도입입니다. 그리고 독주 바이올린이 들어오는 순간, 분위기가 확 바뀝니다. 오케스트라가 깔아놓은 토대 위에서 바이올린이 날카롭게 도약하는 느낌. 이 입장 방식 자체가 인상적입니다.

낭만주의 협주곡에서 독주자의 등장은 항상 드라마틱해야 했습니다. 청중이 “드디어 왔다”를 느껴야 했죠. 비외탕의 1악장 도입은 그 기준을 충족합니다. 오케스트라가 분위기를 만들고, 독주자가 그 분위기를 넘어서는 구조. 바이올린이 단지 오케스트라의 일부가 아니라 대화 상대임을 처음부터 선언하는 방식입니다.

1악장에서 연주자가 가장 긴장하는 구간은 카덴차 직전입니다. e단조의 마르텔레(martelé) 섹션이 나옵니다. 마르텔레는 활을 현에 단단히 붙인 채로 빠르게 떼어내며 연주하는 기법인데, 음 하나하나가 또렷하게 끊어지면서도 연결성이 있어야 합니다. 쉽게 말하면 타이핑처럼 정확하게 치되 흐름을 끊으면 안 되는 기법이죠. 바이올린 포럼에서 이 섹션이 ‘비외탕 5번의 가장 골치 아픈 부분’으로 자주 언급되는 이유가 있습니다.

카덴차는 독주자의 개성이 가장 잘 드러나는 구간입니다. 오케스트라가 침묵하고 혼자 연주하는 이 순간, 연주자의 모든 기교와 음악성이 노출됩니다. 비외탕 5번의 카덴차는 기교적 어려움과 음악적 표현을 동시에 요구합니다. 화음, 도약, 빠른 패시지… 이 구간 하나가 연주자의 실력을 가늠하는 척도가 됩니다.

카덴차가 끝나면 코다로 가는데, 여기서 이 곡의 첫 번째 진짜 클라이맥스가 터집니다. 독주자의 에너지가 폭발하는 순간이고, 관객들이 처음으로 ‘아, 이 협주곡이 그냥 예쁜 곡이 아니구나’를 체감하게 되는 지점입니다.

2악장 — 협주곡이 아니라 노래가 되는 순간

F장조로 전조됩니다. 긴장이 풀리는 순간이죠. 그런데 단순히 느린 악장이 아닙니다. 비외탕은 여기서 놀라운 선택을 합니다. 18세기 프랑스 작곡가 그레트리(Grétry)의 오페라 ‘뤼실(Lucile)’에서 멜로디를 가져옵니다. “가족 품보다 더 좋은 곳이 어디 있으랴(Où peut-on être mieux qu’au sein de sa famille?)”라는 노래입니다.

이 인용이 단순한 차용이 아닙니다. 비외탕이 이 멜로디를 선택한 데는 맥락이 있습니다. 그레트리는 벨기에 출신의 작곡가였습니다. 비외탕도 벨기에 사람이죠. 고향의 선배 작곡가에 대한 오마주이자, 가족과 고향에 대한 그리움이 담긴 인용입니다. 러시아에서 5년을 보내고, 유럽 곳곳을 전전하며 살았던 비외탕에게 ‘가족 품’이라는 가사는 단순한 노래 가사가 아니었을 겁니다. 이 협주곡이 별칭으로 ‘르 그레트리(Le Grétry)’라 불리기도 하는 이유가 여기서 나왔습니다.

2악장에서 독주 바이올린의 노래는 오케스트라가 조용히 받쳐줍니다. 과한 기교 없이, 선율 자체가 이야기하게 내버려둡니다. 비외탕이 기교파 작곡가이면서도 노래할 줄 알았다는 걸 보여주는 악장입니다.

이 악장이 특별한 이유가 하나 더 있습니다. 느린 템포 안에서도 바이올린은 쉬지 않습니다. 멜로디를 유지하면서 동시에 음색의 변화를 만들어야 하고, 음량도 섬세하게 조절해야 합니다. 기술적으로 어려운 건 아니지만, 음악적으로 까다롭습니다. ‘쉬운 척하는 어려운 악장’이라 할 수 있죠. 바이올리니스트들이 2악장을 종종 1, 3악장보다 더 두려워하는 이유입니다.

그레트리의 오페라 ‘뤼실’은 오늘날 잘 알려진 작품이 아닙니다. 하지만 비외탕 시대에는 상당히 유명했고, 프랑스와 벨기에 관객들은 이 멜로디를 알아들었을 겁니다. 비외탕이 이 멜로디를 협주곡에 끼워 넣은 것은 단순한 기술적 선택이 아니라 감정적 메시지였습니다. 고향, 가족, 귀속감을 음악으로 쓴 일기장 같은 악장입니다.

3악장 — 기술과 에너지, 피날레의 마지막 폭발

다시 a단조로 돌아옵니다. ‘불처럼 빠르게(Allegro con fuoco)’. 이 지시어 그대로입니다. 3악장은 처음부터 끝까지 에너지를 쏟아붓는 구간입니다. 스타카토, 트릴, 복잡한 아르페지오… 1악장에서 봤던 기술적 도전들이 더 압축되어 다시 등장합니다.

스타카토는 음을 짧게 끊어서 연주하는 기법입니다. 보통 활을 현에서 떼거나 강하게 끊어 음표를 분리합니다. 비외탕 5번의 3악장에는 연속 스타카토 패시지가 있는데, 활의 속도와 압력을 동시에 제어해야 합니다. 빠른 속도에서 일정한 음량과 음색을 유지하는 것 자체가 기술적 도전입니다.

중간에 ‘Poco meno mosso(조금 느리게)’ 구간이 있습니다. 피날레를 향해 달리기 전 잠깐 숨을 돌리는 느낌. 그리고 다시 속도를 붙여 결말로 질주합니다.

3악장의 하이라이트는 마지막 코다입니다. 화음과 고속 패시지가 겹치면서 독주자가 오케스트라 위로 완전히 날아오르는 순간. 이미 1, 2악장에서 20분 가까이 달려온 독주자에게 이 코다는 마지막 스프린트나 마찬가지입니다. 제대로 된 연주라면 여기서 청중도 같이 숨이 막힙니다.

3악장이 끝났을 때, 연주자는 지쳐 있어야 정상입니다. 제대로 연주했다면요. 이 협주곡이 20분짜리 단거리 전력 질주에 가깝다는 말이 나오는 이유가 여기 있습니다.

처음 듣는다면 — 이것만 알고 들으세요

비외탕 협주곡 5번을 처음 접하는 분들을 위해 몇 가지 청취 포인트를 짚어드립니다.

세 악장이 붙어 있습니다. 악장 사이에 잠깐 정적이 있지만 끊어지지 않습니다. 20분 내내 긴장을 유지하는 곡입니다. 박수를 쳐야 할 타이밍을 놓칠 수 있으니, 처음엔 그냥 끝까지 흘려보내세요.

2악장의 멜로디를 기억하세요. F장조로 전환되면서 갑자기 서정적인 멜로디가 나옵니다. 이게 그레트리 오페라에서 온 인용이라는 걸 알고 들으면 감회가 다릅니다. 고향을 그리는 벨기에 작곡가의 감성이 담겨 있습니다.

카덴차를 주목하세요. 1악장 후반부에 독주자 혼자 연주하는 카덴차 구간이 있습니다. 오케스트라가 침묵하고 바이올린 하나만 남는 그 순간, 연주자의 실력이 그대로 드러납니다. 같은 곡인데 연주자마다 카덴차가 다릅니다.

3악장 마지막 2분이 이 곡의 하이라이트입니다. 속도가 올라가면서 모든 게 수렴하는 느낌. 20분 동안 쌓아온 에너지가 한꺼번에 터지는 순간입니다.

비교 감상을 권합니다. 하이페츠 버전과 요즘 젊은 연주자들의 버전을 나란히 놓고 비교해 보시기 바랍니다. 같은 곡인데 완전히 다른 얼굴을 가지고 있습니다. 하이페츠는 군더더기 없고 날카롭고, 현대 연주자들은 좀 더 감정적입니다.

왜 지금도 연주되는가 — 바이올린 테크닉의 집약체

비외탕 협주곡 5번이 레퍼토리에서 살아남은 이유는 단순합니다. 이 곡이 바이올린이라는 악기의 기술적 가능성을 한자리에서 보여주기 때문입니다.

스타카토, 트릴, 아르페지오, 더블 스톱(두 현을 동시에 연주하는 기법), 마르텔레. 바이올린 교육에서 중요하게 다루는 기법들이 이 협주곡 한 편 안에 압축되어 있습니다. 그래서 이 곡이 교육적으로도 중요하고, 콩쿠르에서도 애용됩니다. 연주자의 기술적 기반을 한 번에 시험하거든요.

동시에 이 곡은 단순한 기교 전시가 아닙니다. 2악장처럼 노래할 줄도 알아야 하고, 3악장처럼 에너지를 제어하면서 폭발시킬 줄도 알아야 합니다. 손가락이 빠른 것만으로는 부족합니다. 음악을 이해하는 사람이 연주해야 비로소 이 곡이 살아나거든요.

바이올린 연주를 공부하는 사람들 사이에서 이 협주곡에 대한 시각은 두 갈래로 나뉩니다. “기교를 완성하기 전에 건드리면 안 되는 곡”이라는 쪽과, “기교를 완성하는 과정에서 반드시 거쳐야 하는 곡”이라는 쪽. 어느 쪽이든 이 협주곡의 기술적 요구가 만만치 않다는 건 동의합니다. 솔직히 두 주장 모두 맞습니다. 이 곡은 충분한 준비가 된 사람에게도, 준비하는 과정에서도 의미 있는 곡이거든요.

청중의 입장에서 이 곡은 매력적입니다. 20분이라는 짧은 시간 안에 느린 서정성과 빠른 기교가 모두 담겨 있습니다. 지루할 틈이 없습니다. 이 점이 콘서트 프로그램에서 이 곡이 자주 선택되는 이유이기도 합니다.

이 협주곡이 단순히 ‘기교를 뽐내는 낭만주의 협주곡’으로 분류되던 시절이 있었습니다. 브람스나 차이콥스키처럼 ‘철학적 깊이’가 없다는 시선이었죠. 그런데 시간이 지나면서 평가가 달라졌습니다. 기교와 음악성이 분리된 게 아니라는 걸, 이 협주곡이 증명하고 있거든요. 비외탕이 써넣은 그레트리 인용, 악장들의 유기적 연결, 2악장의 섬세한 음악성… 이것들이 단순한 기교 이상의 무언가를 보여줍니다.

이 협주곡의 오케스트라 편성도 눈여겨볼 부분이죠. 대규모 낭만주의 협주곡들이 거대한 편성을 자랑하는 데 비해, 비외탕 5번은 비교적 소규모 편성을 씁니다. 오보에, 클라리넷, 파곳, 호른, 트럼펫, 팀파니, 현악기로 구성됩니다. 트롬본도 없고 튜바도 없습니다. 이 작은 편성이 오히려 독주 바이올린을 더 선명하게 부각시키죠. 오케스트라가 독주자를 압도하지 않고, 독주자의 소리가 홀을 가득 채울 수 있도록 합니다.

이 협주곡이 콩쿠르에서 자주 쓰이는 데는 또 다른 이유가 있습니다. 비교적 짧다는 점입니다. 20분 안에 끝나는 협주곡이라 콩쿠르 프로그램에 넣기 좋습니다. 차이콥스키나 브람스 협주곡처럼 35분짜리 대곡을 무대에서 완주하는 부담 없이, 기교와 음악성을 충분히 보여줄 수 있습니다. 그래서 에너지 관리 전략도 달라집니다. 35분짜리 협주곡은 초반에 힘을 아껴야 하지만, 비외탕 5번은 처음부터 전력을 써도 됩니다. 어차피 20분이거든요.

이 협주곡에 대한 평가가 세대마다 조금씩 달랐다는 것도 흥미롭습니다. 20세기 중반까지는 ‘하이페츠의 곡’이라는 인식이 강했습니다. 하이페츠가 워낙 권위 있는 해석을 내놓았기 때문에, 다른 연주자들이 이 곡에 쉽게 손대지 못했습니다. 그런데 1980년대 이후 세대 바이올리니스트들이 하이페츠와 다른 접근을 시도하면서, 이 협주곡은 더 다양한 해석의 가능성을 열게 됐습니다. 지금은 ‘하이페츠의 곡’이 아니라 ‘바이올리니스트들이 도전하는 곡’이 된 셈이죠.

이 협주곡만의 음악적 특징 — 낭만주의 협주곡의 정수

비외탕 협주곡 5번이 다른 낭만주의 협주곡들과 구별되는 점이 몇 가지 있습니다.

첫째, 단악장적 구조입니다. 세 악장이 끊기지 않고 이어지는 방식은 당시로서는 실험적이었습니다. 슈만의 피아노 협주곡(1845년)이 비슷한 방식을 썼지만, 비외탕 5번은 더 자연스럽게 악장들을 연결합니다. 마치 하나의 서사가 세 챕터를 거쳐 흐르는 구조입니다.

둘째, 독주자와 오케스트라의 균형입니다. 낭만주의 협주곡 중에는 독주자가 오케스트라를 완전히 압도하는 방식도 있고, 반대로 오케스트라가 독주자를 뒤덮는 경우도 있습니다. 비외탕 5번은 그 사이에서 섬세한 균형을 찾습니다. 독주자가 화려하게 빛나면서도, 오케스트라가 단순한 반주가 아니라 대화 상대로 기능합니다.

셋째, 기교와 서정성의 통합입니다. 19세기 바이올린 협주곡들 중에는 기교만 뽐내다 끝나는 곡들이 많았습니다. 비외탕 5번은 달랐습니다. 화려한 기교가 있지만, 그 사이사이에 2악장처럼 노래하는 구간을 배치했습니다. 기교와 서정성이 서로를 강조하는 방식입니다. 빠른 악장이 있기 때문에 느린 악장이 더 돋보이고, 느린 악장이 있기 때문에 빠른 악장의 에너지가 더 의미를 갖습니다.

넷째, 그레트리 인용의 활용입니다. 다른 작곡가의 멜로디를 협주곡 느린 악장에 그대로 가져온 사례는 드뭅니다. 비외탕은 이 인용을 단순한 오마주가 아니라 자신의 정체성 표현으로 활용했습니다. 벨기에 작곡가로서, 고향의 음악 전통을 자신의 작품 안에 녹여낸 셈이죠.

세 연주자로 듣는 비교 감상

야샤 하이페츠 / 런던 심포니 오케스트라, 맬컴 사전트 지휘 (1935, HMV)

하이페츠 녹음이 먼저입니다. 이 협주곡을 다시 세상에 알린 사람이 하이페츠니까요. 1935년 녹음이라 음질이 오래됐지만, 연주의 정확성과 속도감은 지금 들어도 놀랍습니다. 하이페츠 특유의 건조하고 정밀한 스타일이 이 협주곡과 잘 맞습니다. 군더더기 없이 핵심만 연주하는 느낌. 이 녹음이 이 협주곡의 기준 해석으로 오래 자리잡았습니다.

Play: YouTube video player

막심 벵게로프 / 다양한 라이브 버전

벵게로프는 이 협주곡을 여러 차례 연주했습니다. 하이페츠보다 표정이 풍부하고 감정적입니다. 특히 2악장에서 차이가 납니다. 같은 그레트리 인용 멜로디인데, 벵게로프 버전은 더 길게 숨을 쉬는 느낌입니다. 기교파와 가창파 사이 어딘가에 서 있는 연주라고 보면 되죠. 하이페츠 녹음이 너무 건조하게 느껴진다면, 벵게로프로 가보세요.

마씨모 쿠아르타 / 볼차노-트렌토 하이든 오케스트라 (2016, Dynamic)

이탈리아 연주자 마씨모 쿠아르타의 녹음입니다. 비외탕 협주곡 4번과 5번을 함께 수록한 음반으로, 두 협주곡의 차이를 비교하면서 들을 수 있습니다. 쿠아르타의 연주는 기교적 완성도가 높으면서도 음악적 흐름이 자연스럽습니다. 클래식 음악 전문 매체 MusicWeb International에서 좋은 평가를 받은 음반입니다.

악보와 함께 듣기

악보를 보며 감상하고 싶은 분들을 위해 전곡 연주 영상을 소개합니다.

Play: YouTube video player

악보 원본은 IMSLP에서 무료로 열람하실 수 있습니다.

비외탕 바이올린 협주곡 5번 악보 보기 (IMSLP))

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