말러 – 교향곡 제5번 c♯단조

작곡가

구스타프 말러
(Gustav Mahler, 1860–1911)

곡명

교향곡 제5번 c♯단조

작곡 기간

1901–1902년

악장

5악장 (3부 구성)
I. Trauermarsch (c♯단조)
II. Stürmisch bewegt (a단조)
III. Scherzo (D장조)
IV. Adagietto — Sehr langsam (F장조)
V. Rondo-Finale (D장조)

1악장. 장송 행진곡 (c♯단조)
2악장. 폭풍처럼 — 극도의 맹렬함으로 (a단조)
3악장. 스케르초 (D장조)
4악장. 아다지에토 — 매우 느리게 (F장조)
5악장. 론도 피날레 (D장조)

편성

플루트 4(피콜로 2), 오보에 3(잉글리시 호른 1), 클라리넷 3(E♭클라리넷 1), 바순 3(콘트라바순 1), 호른 6, 트럼펫 4, 트롬본 3, 튜바 1, 팀파니, 큰북, 심벌즈, 소북, 트라이앵글, 탐탐, 글로켄슈필, 하프, 바이올린 I·II, 비올라, 첼로, 더블베이스

초연

1904년 10월 18일, 쾰른 귀르체니히홀
구스타프 말러 (지휘)

연주 시간

약 70–75분

1901년 겨울, 구스타프 말러는 빈 궁정 오페라의 총감독으로 유럽 음악계의 정점에 서 있었습니다. 그 무렵 그는 한 장의 악보를 손수 써서 젊은 알마 신들러에게 보냈습니다. 편지 대신 악보를 보낸 셈이지요. 하프와 현악기만으로 이루어진 짧은 곡, 나중에 ‘아다지에토’라 불리게 될 바로 그 음악 — 그 짧고 내밀한 선율이 구애의 전부였습니다. 알마는 악보를 받아들고 피아노 앞에 앉아 직접 연주했고, 그 안에 담긴 뜻을 능히 읽어냈습니다. 두 사람은 이듬해인 1902년 1월, 결혼식을 올렸습니다.

그 ‘아다지에토’는 교향곡 5번의 네 번째 악장입니다. 그리고 이 교향곡은 단순히 사랑 고백 하나로 요약하기에는 너무나도 큰, 말러의 전 생애가 응축된 작품이라 하겠습니다. 장례 행진곡으로 시작해 D장조의 폭발적 환희로 끝나는 약 75분의 여정 — 그 안에는 죽음과 삶, 상실과 사랑, 절망과 승리가 모두 녹아 있습니다.

작곡 배경 — 사랑, 죽음, 그리고 창작의 폭발

1901년 말러의 삶은 여러 방향에서 동시에 흔들리고 있었습니다.

빈 궁정 오페라 총감독직은 영광이었지만 그를 소진(消盡)시키는 자리이기도 했습니다. 공연 기획, 가수 관리, 재정 조율, 음악계 정치 — 그 모든 것이 그의 시간을 갉아먹었습니다. 실제로 교향곡 창작은 여름 휴가철에만 겨우 가능했습니다. 빈에서의 겨울은 오페라를 위한 시간이었고, 오스트리아 알프스의 작은 작곡 오두막에서 보내는 여름 몇 달 — 바로 그 몇 달만이 그가 온전히 음악에 몰두하는 시간이었습니다.

1901년 2월에는 심각한 출혈로 생사의 고비를 넘기기도 했습니다. 의사들은 심장 이상과 함께 치질로 인한 과다 출혈을 진단했는데, 이 사건은 말러에게 죽음의 실체를 뼈저리게 느끼게 했습니다. 마흔 살의 나이에 — 당시로서는 이미 인생의 후반부였던 — 자신의 육체적 한계를 직면한 셈입니다.

바로 그해 가을, 그는 알마 신들러를 만났습니다. 스물두 살의 알마는 화가이자 작곡가 지망생으로, 빈 지성계에서 이미 이름이 알려진 인물이었습니다. 두 사람의 관계는 빠르게 깊어졌고, 말러는 편지와 악보로 그녀에게 구애했습니다. 그리고 1902년 1월에 결혼했고, 같은 해 11월에는 첫째 딸 마리아가 태어났습니다.

이 모든 격변이 교향곡 5번의 작곡 기간(1901~1902년)과 정확히 겹칩니다. 죽음을 경험하고, 사랑에 빠지고, 결혼하고, 부모가 되는 — 그 인생의 밀도가 악보 위에 그대로 녹아들었습니다.

앞선 교향곡들(1번·2번 등)이 민요 가사나 표제적 요소를 담았던 것과 달리, 5번부터는 순수 기악(純粹器樂)으로 전환했습니다. 말러 스스로도 이 전환을 분명히 의식하고 있었습니다. “말이 없는 음악”으로 가장 말하고 싶었던 바를 담아낸 셈입니다.

악장 구조 — 3부작의 여정

교향곡 5번은 5악장 구성이지만, 말러는 이를 세 부분으로 나누어 묶었습니다.

• 제1부 (1·2악장): c♯단조와 a단조 — 죽음과 폭풍. 장례 행진곡으로 시작해 맹렬한 감정의 소용돌이로 이어지는 구성입니다.
• 제2부 (3악장): D장조 / F♯단조 — 스케르초. 전체 교향곡의 중심축이며, 70분 중 가장 긴 단일 악장입니다.
• 제3부 (4·5악장): F장조와 D장조 — 아다지에토와 론도 피날레. 내밀한 사랑의 고백에서 환희의 폭발로 마무리됩니다.

이 구조는 단순히 악장을 묶는 데 그치지 않습니다. 어두운 c♯단조에서 출발해 D장조(c♯단조의 같은음조 장조)로 귀결되는 장대한 조성적 여정이기도 합니다.

1악장: 장송 행진곡 — 죽음이 먼저 여는 문

Play: Mahler's 5th Symphony – Full Performance by the Berlin Philharmonic Orchestra

교향곡은 독주 트럼펫의 팡파르로 문을 엽니다. 관현악 전체가 아닙니다. 오직 트럼펫 하나입니다. 그것도 예식적인 의례의 호출이 아니라, 차갑고 건조하게 공중으로 던져지는 신호와도 같습니다. 그 신호가 끝나고 나면 비로소 장송 행진곡이 시작됩니다.

c♯단조의 장송 행진곡은 베토벤의 ‘영웅’ 교향곡이나 쇼팽의 소나타 속 장례 행진곡과는 그 결이 사뭇 다릅니다. 말러의 행진곡에는 공식적인 추모의 격식 대신, 살아 있는 사람의 공포와 체념이 서려 있습니다. 현악기들이 낮게 짚는 리듬 위에서 금관악기들은 마치 유가족처럼 행진합니다.

이 악장에서 가장 인상적인 구간은 단연 클라이맥스 직전입니다. 오케스트라 전체가 압도적인 음량으로 치닫다가 돌연 침묵에 잠깁니다. 그 침묵 다음에 오는 것은 체념도, 위로도 아니었습니다. 그저 행진이 계속될 뿐입니다. 마치 죽음이란 설명 없이 진행되는 법이라고 말하는 듯합니다.

이 악장은 단순한 장례 묘사가 아닙니다. 말러가 1901년 실제로 생사의 고비를 경험한 직후 착수한 악장이니까요.

1악장의 구조적 특징 하나를 더 짚어두겠습니다. 세 부분(행진곡 — 트리오 1 — 행진곡 복귀 — 트리오 2 — 행진곡 복귀)으로 구성된 이 악장은, 매번 행진곡으로 돌아올 때마다 그 에너지가 조금씩 소진됩니다. 마지막 반복에서 행진곡은 더 이상 저항하지 않습니다. 그저 의례처럼 반복될 뿐입니다. 죽음이라는 것이 거대한 충격이 아니라 반복된 일상처럼 찾아온다는 인식이 여기 배어 있습니다. 그것이야말로 말러가 1901년 실제로 겪은 것이었을 겁니다.

2악장: 폭풍 속에서

1악장과 2악장은 하나의 심리적 흐름으로 이어집니다. 말러의 지시어는 “Stürmisch bewegt, mit grösster Vehemenz” — “폭풍처럼 움직이며, 극도의 맹렬함으로”입니다. a단조로 시작하는 이 악장은 1악장에서 억눌렸던 감정이 한꺼번에 터져 나오는 순간이라 하겠습니다.

현악기들이 쏘아 올리는 격렬한 상승 음형, 금관악기들의 날카로운 외침, 목관악기들의 떠들썩한 대위 선율 — 여기서 말러의 관현악법은 경이로울 정도로 복합적입니다. 수십 개의 성부가 각자의 논리로 움직이면서도 전체는 하나의 감정으로 수렴하는군요.

악장 중간에 코랄(chorale) 풍의 금관악기 패시지가 등장합니다. 폭풍 속에서 잠시 모습을 드러내는 이 주제는 5악장에서 다시 한번 등장하며 교향곡 전체를 묶는 역할을 합니다.

3악장: 스케르초 — 70분의 심장

교향곡 5번에서 가장 길고, 가장 복잡하며, 어쩌면 가장 말러다운 악장이라 하겠습니다. D장조와 F♯단조를 오가며 약 17~18분에 걸쳐 펼쳐지는 이 스케르초는 제2부 전체를 차지합니다.

오케스트라 전체가 숨을 고르는 동안 호른 독주가 홀로 등장하는 장면이 이 악장의 첫인상입니다. 빈 특유의 왈츠 리듬과 렌틀러(Ländler, 오스트리아 민속 무곡) 요소가 교차하며 진행되는 스케르초는 표면적으로는 가볍고 경쾌하게 들립니다. 하지만 그 아래에는 깊은 아이러니가 깔려 있지요.

이 악장이 전체 교향곡의 ‘심장’인 이유는 단순히 그 배치 때문만은 아닙니다. 1부의 어두운 세계와 3부의 밝은 세계를 연결하는 이 악장이 없었다면, 아다지에토로의 전환이 너무 갑작스러웠을 겁니다.

참고로 이 악장은 지휘자에 따라 연주 방식이 가장 큰 차이를 보이는 악장이기도 합니다. 왈츠의 매끄러운 흐름을 강조할 것인지, 렌틀러 특유의 투박한 발걸음을 살릴 것인지에 따라 악장 전체의 성격이 달라집니다.

4악장: 아다지에토 — 알마에게 보낸 악보

F장조, 현악기와 하프만으로 연주되며, 지시어는 “Sehr langsam” — “매우 느리게”입니다.

‘아다지에토’는 교향곡 5번 중 가장 많이 연주되고, 가장 많이 인용되며, 가장 많이 오해받는 악장이기도 합니다.

네덜란드 지휘자 빌럼 멩겔베르흐는 자신이 소장한 악보의 여백에 다음과 같이 적었습니다. 이 아다지에토는 말러가 알마에게 보낸 사랑의 선언이었고, 말이 아닌 음악으로 전한 고백이었으며, 알마는 그 뜻을 알아듣고 그에게 응답했다는 내용이었습니다. 멩겔베르흐는 말러와 직접 교류했던 지휘자였습니다.

‘아다지에토’가 전 세계적으로 알려진 계기는 루키노 비스콘티의 영화 ‘베니스에서의 죽음’(1971)이었습니다. 토마스 만의 동명 소설을 원작으로 한 이 영화에서 비스콘티는 ‘아다지에토’를 주제음악으로 사용했는데, 노교수 아센바흐가 베니스의 석양을 바라보며 죽음을 맞는 장면과 함께 이 음악은 ‘죽음의 음악’으로 대중에게 각인됩니다.

말러가 사랑의 고백으로 쓴 음악이, 죽음의 음악이라는 이미지로 대중에게 알려지게 된 셈입니다. 두 해석 모두 틀리지 않다는 게 더욱 흥미롭군요.

템포에 관한 논쟁도 빠뜨릴 수 없습니다. ‘아다지에토’의 연주 시간은 지휘자에 따라 7분에서 12분까지 극단적인 차이를 보입니다. 레너드 번스타인은 특히 느리게 연주하는 것으로 유명한데, 그의 1973년 빈 필 연주는 무려 12분이 넘었습니다. 반면 클라우디오 아바도나 피에르 불레즈는 7~8분대로 비교적 경쾌하게 진행합니다.

Play: Mahler – Symphony No.5 – Abbado – Lucerne Festival Orchestra 2004

5악장: 론도 피날레 — D장조의 귀환

아다지에토의 정적인 세계에서 깨어나듯, 5악장은 바순의 활달한 주제로 시작됩니다. 론도 형식과 푸가 기법을 결합한 이 피날레는 말러의 대위법적 기량이 가장 화려하게 발휘되는 악장이라 하겠습니다.

D장조는 이 교향곡 전체가 마침내 다다른 목적지입니다. c♯단조에서 출발했던 1악장을 기억하신다면, 그 c♯은 D♭과 이름만 다른 같은 음입니다. 그러니 반음 위에 있는 D장조는 처음 시작점에서 딱 한 걸음 올라선 곳인 셈입니다.

5악장에서는 2악장에서 잠깐 등장했던 코랄 주제가 다시 모습을 드러냅니다. 이번에는 폭풍 속 섬광이 아니라, 오케스트라 전체의 확신 어린 목소리로 울려 퍼집니다. 교향곡 전체를 이 코랄이 관통한다는 사실을 깨닫는 순간, 말러의 설계가 얼마나 정밀했는지 새삼 실감하게 됩니다.

론도의 중심 주제는 반복될수록 더 많은 악기들을 끌어모으고, 푸가적 진행이 켜켜이 쌓이다가 어느 순간 오케스트라 전체가 하나로 합쳐지는 클라이맥스에 이릅니다. 죽음에서 시작해 삶으로 끝나는 기나긴 여정의 마지막 페이지인 셈입니다.

왜 이 교향곡이 특별한가

말러 교향곡 5번은 낭만주의와 현대 음악 사이의 경계선 위에 서 있습니다.

한편으로는 19세기의 유산이 가득합니다. 장송 행진곡, 코랄, 푸가, 론도 등 모두 바흐 이후 수백 년간 사용된 형식들입니다. 현악기와 하프만으로 이루어진 ‘아다지에토’는 낭만주의 실내악의 정수라 해도 과언이 아닙니다.

그러나 동시에 이 교향곡이 사용하는 언어는 당시 기준으로 무척 급진적이었습니다. 조성의 중심이 흔들리고, 여러 조성이 동시에 충돌하며, 단 하나의 감정이 아니라 복수의 감정이 같은 공간에서 공존합니다. 알반 베르크와 아르놀트 쇤베르크가 말러를 사사(師事)하며 성장했다는 사실은 결코 우연이 아닙니다.

또한 이 교향곡은 말러가 오케스트라를 다루는 방식의 혁신을 잘 보여줍니다. 1악장의 독주 트럼펫, 3악장의 독주 호른, 4악장의 현악과 하프 편성처럼, 말러의 오케스트라에서 각 악기는 독립적인 목소리를 갖습니다.

말러 이전까지 교향곡은 대체로 단일한 감정의 흐름을 따라갔습니다. 기쁨이면 기쁨, 슬픔이면 슬픔. 하지만 말러의 교향곡 5번에서는 단 하나의 악장 안에서도 상반된 감정이 충돌하고 공존합니다. 3악장 스케르초가 대표적이지요. 경쾌한 왈츠와 무거운 렌틀러가 한 악장 안에서 번갈아 나타나며, 어느 하나가 다른 하나를 완전히 이기지 못하는 채로 끝납니다. 인간의 감정이란 그런 것이라고 말러는 말하고 싶었던 듯합니다. 상충하는 것들이 해소되지 않은 채 나란히 존재하는 것 — 그것이 삶이니까요.

교향곡 5번 이후 말러는 6·7·8·9번과 미완성 10번을 더 썼습니다. 그 여정을 되돌아볼 때, 5번은 분명한 전환점입니다. 죽음과 사랑 사이에서 균형을 잡던 그 힘이 이후의 교향곡들에서는 점점 무거운 쪽으로 기울었습니다. 그렇기에 5번의 D장조 피날레가 그의 교향곡 전체에서 가장 눈부신 마지막 페이지 중 하나로 기억되는 까닭입니다.

추천 음반

교향곡 5번은 녹음이 매우 풍부한 작품입니다. 각기 다른 해석 방향을 가진 음반 넷을 소개합니다.

• 레너드 번스타인 / 빈 필하모닉 (1987, DG) — 극도로 느린 ‘아다지에토’(약 12분), 충동적인 파동이 살아 있는 1악장 — 정확함보다는 격정에 가까운 해석입니다. 처음 말러를 만나는 분께 충격을 주는 연주이기도 합니다.
• 클라우디오 아바도 / 베를린 필하모닉 (1993, DG) — 각 성부가 선명하게 들리고 구조가 잘 드러납니다. 음악의 설계를 이해하고 싶다면 이 음반이 좋은 출발점입니다.
• 존 바르비롤리 / 뉴 필하모니아 오케스트라 (1969, EMI) — 낭만주의적 따뜻함이 가득합니다. 1·2악장의 진한 감정과 ‘아다지에토’의 포근한 질감은 이 음반이 아직도 회자되는 이유입니다.
• 사이먼 래틀 / 베를린 필하모닉 (2002, EMI) — 베를린 필 취임 첫해 녹음. 3악장 스케르초의 에너지와 5악장 피날레의 대위법적 층위가 매우 선명하게 들립니다.

쾰른 귀르체니히홀에서 1904년 10월 18일 말러 자신의 지휘로 초연된 이 교향곡은, 당시 청중과 비평가들에게 복잡한 반응을 불러일으켰습니다. 그로부터 120년이 지난 지금 교향곡 5번은 가장 자주 연주되는 말러 교향곡 중 하나로 자리 잡았습니다.

악보와 함께 듣기

Play: Mahler: Symphony No. 5 (with Score)

악보는 IMSLP에서 무료로 열람 가능합니다: 교향곡 5번 악보 보기 (IMSLP)

자주 묻는 질문

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